慧敏捷's profile๑•ิ.•ั๑~εїз 望向幸福的方向☜♥☞PhotosBlogListsMore  |  Tools Help |
๑•ิ.•ั๑~εїз 望向幸福的方向☜♥☞我们都是风中飘零的花朵。为了枯萎而盛开。 麻婆岛◎导 演 秋昌民(Chu Sang-min) ◎主 演 李正镇 Jeong-jin Lee 李莫思 Mun-shik Lee 徐英熙 金秀美 金炯子 金乙东 ◎简 介 为了追捕一名偷走中奖彩票、带着160亿韩元逃逸的女罪犯，刑警崇秀(李文植饰)和古惑仔在哲(李廷镇饰)走到了一起。根据情报，他们来到一个叫“麻婆岛”的陌生地方，在这里潜伏下来等候罪犯的到来。 麻婆岛是个在地图上也找不到的奇怪小岛。岛上的人口一共只有五人，百分百都是女性，她们共同生产、共同分配、共同生活、共同所有……在没有遇见罪犯之前，崇秀与在哲先遇到了强敌——五位老奶奶！她们满是皱纹的脸上一片纯真的表情，她们坚信这两个大男人是上帝赐予她们的特殊礼物，于是，崇秀与在哲被彻底困在了这里，他们的生活从此完全变成了噩梦。 他们陷入女人国，该如何自救？他们最终能抓到罪犯吗？ 导演Choo Chang-min 以轻松诙谐的手法，并找来五位韩国以演绎母亲戏路为主的女演员，来饰演五位女人国奇女子，他们的性格如下∶ 主席(《大长今》中饰演郑尚宫的老牌女星吕韵季Yeo Wun-gye饰)∶她处理财务及纠纷等一切事务，并教导其他人事情。 Yeoso女士(Kim Eul-dong饰)∶外表粗犷，行动男性化，口直心快，但她其实是口硬心软。 Jinan女士(Kim Su-mi饰)∶她有凶恨的目光，令Chung-su及Jae-choi闻风丧胆。 Masan女士(Kim Hyeong-ja饰)∶她是五人之中与男子亲近，因此她穿得花枝招展，希望博得两男的欢心，结果搞出笑话连篇。 Jeju女士 (Gil Hae-yeon饰)∶虽然她在岛上日久，但她是五人中最具判断力的。原来，她与偷走彩票的女子有莫大的关系！ 幕后主创：新生"少壮"VS资深"奶奶" 导演秋昌民的电影作品《四月的结束》曾在很多电影节上获奖，而他本人也首先在海外得到认可。作为助理导演，他曾经参与过《没有太阳》(郑宇成、李政宰主演)、《死亡的故事》、《幸福的张医师傅》等的拍摄。对于片名为何叫《麻婆岛》，导演神秘地说，看过电影就知道啦。毕竟有如此搞怪阵容的电影有谁会不期待呐？ 1998年，模特儿李廷镇走下天桥踏入影视圈，虽然在《顺风妇产科》、《爱我好不好》等电视剧中出演了多个角色，但却一直不为人所知。直到2002年出演MBC电视剧《三剑客》，人们才开始注意到他。而2004年与人气正旺的红星权相佑合演电影《马粥街残酷史》，则使他一跃成为人气明星。片中他饰演很能打架的高中学生宇植，他的冲动易怒与铉洙的软弱胆怯形成鲜明对照。虽然铉洙由人气最高的权相佑出演，但人们似乎对李廷镇饰演的这个充满痞气和霸气角色更感兴趣。而很多影迷也惊奇地发现，无论是外貌还是气质，他竟与年轻时的裴勇俊十分相像！如果拿裴勇俊在《初恋》里的剧照来加以对比，就会发现他们给人的感觉如出一辙，尽管李廷镇多一些青春的痞气。《麻婆岛》是李廷镇第四部电影作品，之前他曾在《海滩》、《海盗舞王》及《马粥街残酷史》出演过角色。在本片中，他一改往日帅气的形象，换上旧衣服在小岛上当起了农民。相信这一改变会让影迷们对他刮目相看，原来他并不是只会耍帅扮酷。2005年2月28日，27岁的李廷镇已应征入伍，SBS电视剧《爱在哈佛》成为他入伍前的最后一部作品。 与李廷镇相比，李文植可算韩国电影界的前辈了。38岁的他已经在电影界打拼多年，曾出演过《人民公敌》、《御铠铜武》、《兄弟》及《达摩，我们去汉城》等多部影片，2004年还凭《汉城大劫案》获得青龙奖最佳男配角。 五位老奶奶的扮演者，在韩国都是很有名气的资深演员。其中大家最熟悉的就是饰演“真安太”的金秀美。她曾在2004年SBS年度大戏《巴厘岛的故事》中出演赵仁成的妈妈。那里的她一派贵夫人打扮，为人尖酸恶毒。而在《麻婆岛》里她摇身一变成为充满乡土气息的老妇。 背景花絮：人造幻想之岛,向前辈学习 在电影的官方网站上，麻婆岛被称作“海中的幻想之岛”。这个在地图上也找不到的小岛，是剧组在全罗南道东北部特别建造的。投资整整5亿韩元，历经一个半月，终于把这个幻想之岛搬到了现实中。拍摄现场风景秀美，堪比世外桃源，充分体现了影片“展现最美丽人生”的主题。除五位老奶奶的住房外，剧组在田地和林间小路的制作上也丝毫没有马虎。这个小岛在一个半月内就盖上了新房、开辟了新田地。拍摄现场建造得精致而真实，甚至让很多回乡探亲的人都误以为这些房子是本来就有的。 能在如此美丽的小岛上拍摄，对于演员而言，当然是一件很幸福的事，不过对于两位男主角来说，最幸福的事情莫过于能向前辈学习演技，一次能与五位演技派前辈合作，李文植和李廷镇都觉得十分难得。那与前辈对戏会不会觉得紧张呢？对此李文植表示，人最大的对手总是自己，跟前辈对戏自己并不觉得害怕。以前拍电影时他就算年纪比较大的演员了，而这次的合作伙伴却是些年纪更大的前辈，所以他可以偶尔搞怪地“撒撒娇”。而前辈们也都很照顾他，所以演戏的负担反而减轻了。李廷镇说，以前跟同龄演员合作，因为他们的演技不太纯熟，所以难免出现差错。但前辈们演技都很棒，所以自己在两个月的拍摄过程中学到了很多东西。而前辈演员金秀美则笑着说，第一次见到李文植还以为他跟自己同龄，没想到他年纪比自己儿子还小，不过他看起来很可爱。 点评：三月最受期待的电影 年轻帅哥与老奶奶的新鲜搭配，加上离奇有趣的剧情，本片从拍摄初期就引起了人们的关注。李廷镇凭借其英俊相貌和淡淡痞气赢得了许多女性观众的芳心，李文植虽其貌不扬，演技却十分了得，而这五位老奶奶又都是韩国演艺圈的资深前辈。李廷镇 + 李文植 VS+ 金秀美 + 金乙东 + 路海莲 + 金炯子 + 余云启，勘称韩国喜剧电影史上最有趣的组合。而与同样是老奶奶主演的电影《回家》不同，这些老太太性情怪异，像小孩子那样活泼，并且还有点野蛮，正如金庸小说里的老顽童。 可想而知，看一群老顽童戏弄两个年轻男子，本片已足够吸引人们的视线。在韩国某电影网站上，本片被观众选为三月份最期待的电影。 流光叠影六年路——《看电影》及其它电影杂志流光叠影六年路——《看电影》及其它电影杂志（上）
作为“中国影迷第一刊”，《看电影》走过了差不多七年的历程，从1999年11月的“第一场”到今年的第14期；也从最初的《看电影作品》改名为《看电影》（以下为了评述的方便，统一称为《看电影》），同时也从月刊改为半月刊，甚至从今年的一月份开始还多了一个子刊：《看电影：午夜场》。至今，也出版了大约150期。 而我收藏的第一期《看电影》，是2000年9月份的。从此以后除了两期没有之外，其它的都在我的收藏当中了。即使没有买的那两本，还有2000年9月前的刊物，我也曾认真的读过。而在这里，我想冒昧的从与同类杂志的比较中谈谈我对《看电影》的看法。 除了《看电影》，我收藏的电影杂志还有《电影世界》、《电影文学》、《电影故事》、《新电影》、《电影评介》等相类似的期刊，并阅读过近几年的《环球银幕画刊》、《电影画刊》、《电影电视文学》、《上影画刊》、《当代电影》、《世界电影》、《电影艺术》、《人大复印资料：影视艺术卷》等电影刊物，还有中国广播电视出版社、中国电影出版社、北京大学出版社等出版的相关书籍。 一方面，因为《当代电影》、《世界电影》、《电影艺术》、《人大复印资料：影视艺术卷》等杂志是专业性的电影杂志，与《看电影》的风格相异悬殊，在这里不做比较；另一方面，《环球银幕画刊》、《电影画刊》、《电影电视文学》、《电影故事》、《上影画刊》等过于侧重图片或文学，也排除在外。另外，因为《电影文学》是《电影世界》的一个子刊，办刊时间大概是2002年1月到8月，就似乎是停刊了；《电影评介》从2003年开始改版为专门介绍DVD的刊物；《新电影》则从2004年下半年开始则改版为“特刊”的形式了，即把之前发表的一些专题按照某种主题结集了（2005年出版过韩国电影完全手册和中国女演员访谈的特刊，但影响不大）。所以，这里主要是《看电影》和部分《电影世界》、《新电影》、《电影评介》的比较，从而突现《看电影》的特点。 一
首先说的是“封面故事”（有时也包括封底的，如2003年第八期）。这是《看电影》的一个重要栏目，大概是从2002年第三期开始固定下来的，并基本上坚持到了现在。 一般的娱乐性电影杂志都是以某个明星或者电影剧照为封面，且封面内容也跟杂志的具体内容有或多或少的关系，但往往都是以娱乐为主，包括《看电影》的早期的封面。但从2002年第三期的有关于金球奖的报道开始，封面固定的成为《看电影》中的一个专题性特别报道，而也出版了一些相对很好的专题，如“爱情百年”专题、张国荣专题等。而同类的《电影世界》，是从2005年第八期开始才真正的有了“封面报告”这个栏目（2006年开始以主要是以明星做封面，也就有时候没有这个封面报告）。而此前，即使有专题，但一般跟封面的图片的关系不大。至于《新电影》、《电影故事》等，更加的没有这种把专题的相关图片作为封面的意识了。 《看电影》的“封面故事”以前更加侧重于一些回顾性或纪念性的专题，不过现在主要是新片或影坛新事的专题报告了，这也跟《看电影》注重新作品新闻的报道的风格有关吧。其实《看电影》的封面故事也可以说是接下来的“特别报道”中的一部分，只不过是更加突出封面的内容，尽管有时封面故事还比不上同期的特别报道中的一些内容文字好看。 如果把封面故事也当成特别报道中的一部分的话，那么特别报道在《看电影》中占大概三分之一的篇幅，有时甚至一半。可见，这是《看电影》里最重要的栏目了。而实际上，特别报道部分也是《看电影》里最有分量的栏目。而《电影世界》和《新电影》的类似栏目则分别称为“专题”和“神话”。 以报道张国荣自杀的专刊为例。张自杀于2003年4月1日，随后各个娱乐报刊相继的报道了这件事。从他死后的第二个星期一开始，《南方都市报》开始了连续五天的对张的介绍、评价等，包括电影、音乐等方面，且以音乐为主（2000年、2001年《南方都市报》都刊登过关于张国荣的音乐的专题）。而四月十号买到的第四期《新电影》以差不多三十页的篇幅纪念张国荣，即《比世界完美——张国荣电影完全纪念版》。不久，第八期《看电影》也以二十来页的篇幅纪念张国荣，并连载了张的传记。可以说，《看电影》以尽可能大的篇幅详细的论述了张的生平，电影，等等。（《电影世界》里对张的纪念刊比较的简单，这里不做论述。） 就具体的文字而言，《新电影》刊登的是表江主笔的《孤独的盛放——张国荣的光辉岁月》；而《看电影》刊登的是小飞、阿郎等共同写作的《诀别张国荣》，并分为他的生平介绍、主要电影作品等四个小专题。“表江是编辑部里唯一的真荣迷，看过张国荣2000年9月16和17日的上海演唱会，她说自己比别人幸运很多，至少有过一面之缘。纪念张国荣的文字她是主笔，看过一稿，觉得太浓，再看二稿，还是太浓，但我知道，她已极度克制”，在刊首语里，晃晃如是说，而读后的感觉确实是很浓很浓的对张的喜爱、怀念之情——不仅仅是一个编辑的角度，更重要的是她深深的溶入了个人的喜好之情，恍若过世的是她的至亲至爱。这是我读过的怀念张国荣的最好的文字。而《看电影》中的专题相对冷静的论述了张的生平、成就等，虽然也包含着深深的怀念，但始终觉得与张有一定的距离，欠缺一份让读者的共鸣感。 这是《新电影》与《看电影》对同样一件影坛事件的不同报道，但也可以在一定程度上反映了两者文字风格的差异：《新电影》里的文字相对更加的个人化，个性化，也更轻易的引起了读者的共鸣（《新电影》的部分编辑是原来《看电影》中的）；而《看电影》的文字风格相对的克制，冷静，似乎只是一个冷静的旁观者。（《看电影》中七月雨的专栏也写的比较的个性化，不过缺乏一种共鸣。） 同一期《新电影》中还有一个重要专题是关于第二十二届金像奖的，八个版面。而《看电影》没有同样具有分量的关于金像奖的专题报道（但对于奥斯卡、威尼斯等电影节的报道比较的有分量）。在2002年四月下的《看电影》里，曾办过周星驰的专题，并涉及到了香港金像奖，但重点还是在周星驰的身上。 再看2005年的香港金像奖相关报道（2006年的金像奖像是一块鸡肋，没有味道的鸡肋）。2005年是中国电影一百周年，金像奖也第一次在香港红馆颁发，并有一些相关的纪念百年诞辰的活动。《看电影》以不足十页的版面给予了报道，且大部分是过程的文字性再现或图片，随后是大华语电影的评论。而在四月下半月的《电影世界》中，以三十多页码的篇幅评论了这场百年电影的盛会，并以金像奖的提名影片为基础重点回顾了这二十多年来的香港各类型的电影。这还不包括四月上半月时《电影世界》还借对金像奖的提名名单评论了这二十多年的香港电影的报道。 与报道金像奖较为简单相反的是，《看电影》对这几年的奥斯卡奖、金球奖，戛纳、威尼斯、柏林三大欧洲电影电影节等都有比较详尽的报道与回顾，甚至对一直不为《电影世界》等重视的欧洲电影节、上海电影节等做出一定的专题介绍。（上海电影节是中国的唯一一个世界性A级电影节九十年代初开始举办，两年一次，2001年时达到了巅峰，也改为一年一度。但此后的影响力很小，而今年的上海电影节尽管有不少明星参加，但电影节本身却存在着不小的问题）。《电影故事》在2001年时曾有一个比较详细的专题介绍当时的参赛作品。） 而《新电影》，创刊于2002年3月份，可以说是中国同类电影杂志中第一个详细报道了当年奥斯卡颁奖典礼的杂志（颁奖典礼于北京时间3月24日上午8点开始，而三月底《新电影》开始上市。而当时《看电影》是在四月下半月中详尽的报道），尽管只是比较简单的几个版面。而在同一期杂志中，《新电影》以专题的形式回顾、介绍了陈凯歌的电影作品，并且把该栏目固定为回顾介绍中国大陆电影导演的专题。除了陈凯歌，它还介绍了田壮壮、张艺谋等的电影作品，在2004年年底时还把这些专题集中做了一次特刊。此外，《新电影》还参与了根据王朔的同名小说《看上去很美》等的制作拍摄等。《新电影》一直侧重于中国大陆的电影的介绍评论等，这也可以从它与《看电影》之间的主办单位、协办单位等的比较来看出。《新电影》的主办单位是中国电影集团公司和北京电影制片厂，协办单位是中信文化传媒集团有限公司和世纪英雄电影投资有限公司（出品人是韩三平是中国电影集团公司总经理）；《看电影》的主办单位是峨眉电影制片厂。几乎每年的中国大陆电影中的重要作品都是由中信集团或世纪英雄出品，像去年的《孔雀》、《无极》等，而峨眉电影制片厂可以说是处于停产电影的状态了，相比较之下，处于中国政治文化中心北京的《新电影》占有地利人和的优势，以中国电影为主；而处于“边缘”地位的《看电影》则侧重于欧美电影了。（由长春电影制片厂主办的《电影世界》则处于两者之间，中国电影和好莱坞电影兼顾。而《电影评介》则侧重于香港电影和大陆电影，绝大部分都是这两者的相关评介。）不过中国电影在这几年不景气，《新电影》成为了纪念性或某一个专题的“特刊”了，且现在几乎销声匿迹了。 由此可见，近五年的《看电影》主要是好莱坞电影的介绍、专题等，积极努力的向国内读者推荐介绍欧美的电影、电影节等，并以其独特的风格吸引了大量的读者。 二
特别报道尽管是《看电影》中的重头戏，但有些内容还是跟国外同类杂志的比较类似，而真正原创并具有分量的是专栏。 《看电影》中最早的专栏是周黎明的，他是国内最知名的影评者，主要的研究方向也是欧美电影，2004年时还编写了两本大部头的《西片碟中碟》（虽然是合著，但他是主笔人），今年还出版了一本介绍好莱坞电影工业的专著。他早期的专栏类似于现在的“美国来信”“法国来信”“韩国来信”等，以介绍和评论新近上映的好莱坞作品为主（当时他还生活在美国，后来才回到广州的），如2002年五月下半月中，他谈论（这里用谈论这词可能不是很好，但周的专栏的语言比较的通俗易懂，像是两个朋友在聊天）的是刚在美国公映不久的《蝎子王》和《数字谋杀案》，分别以“纯粹娱乐”“平庸之作”为标题。不过下半年以后的他的专栏就改变风格为以介绍评论某种电影现象为主了，偶尔也有介绍单独某部作品的，如2003年第三期中的《逍遥法外：比杜撰离奇》、《芝加哥：成功的舞台翻译》。后来也介绍好莱坞的电影工业了，今年出版的《好莱坞启示录》有部分文字就曾经在《看电影》的专栏里刊登过。周黎明的专栏成为了《看电影》中的一个重要角色。 2002年下半年，顾小白、极品影虫、孙昌建的专栏也走进了《看电影》。顾小白是中国年轻一代的影评人中的代表，曾出版过《天亮说晚安》，文字简朴而感人，直指人心的深处。不过2003年开始他退出了专栏的写作。2005年他还出版了一本《等待是一生最初的苍老》，但他的写作风格趋于自恋了，就像是他在关于岩井俊二的电影的随笔所写的那样。在当时的专栏里，顾尝试以不同的方式写电影随笔，也很明显的跟周黎明是两种完全不同的风格，而跟孙昌建的比较类似。他在十一月下半月中还以日记的形式写了一篇《追日》的随笔，后来的七月雨在专栏中也不少以日记的方式写随笔了，但相比之下，顾的日记比七月雨的好，后者写得很简单，像是记流水帐，而顾的谈论一些相关的东西，文字的形式有些像开始在《看电影》写专栏的周黎明。（顾小白后来还在《电影世界》写过专栏，不过因为一篇关于中国电影的文章而被迫停止了专栏写作。） 极品影虫的专栏几乎都是写单独某部作品的，环绕某部作品谈论相关的背景、文化、风格等，如《中彩体验：我盛大的希腊婚礼》、《点燃奋争的火焰：奔腾年代》、《戏虐和朴素的对接：鲨鱼传说、第49消防支队》等。 相对于极品影虫的专论某部作品，孙昌建的专栏几乎都是就某一种现象或某一个主题写相关的随笔，如《童年往事》，尽管标题来源于侯孝贤的同名电影，但实际上他借这名字评论了侯孝贤的早期的电影作品，又如《符号的狂欢——中国新城市电影》，他论述的是这几年的中国第六代导演中的城市电影，《花眼》、《西施眼》、《我爱你》等。而且，他的专栏里主要是论述中国电影的。2004年时他的这些电影专栏结集出版，书名是《我的新电影手册》（2003年时他就写过一本《我的电影手册》），里面的文章全部在《看电影》的专栏发表过。 七月雨的专栏是2003年四月开始在《看电影》刊登的，一直到2005年年初，风格比较类似极品影虫的。而2004年年底还新增加了一个叫李洋的专栏，他主要是写作五六十年代的欧洲电影的相关评论。2005年年底还增加了范小青的以韩国电影为主的专栏，还有编剧书亚的关于香港电影的专栏。 香港罗展凤的电影音乐的评论也是在2004年年底正式的成为了《看电影》的专栏。实际上，罗展凤的音乐评论自从2002年下半年开始就一直的刊登在《看电影》了，只是之前是在“挺进报”中的“电影音乐”栏目刊登，本质上他的专栏也应该是从2002年下半年开始的了。 于是，《看电影》的专栏比较的完善，既有周黎明的好莱坞电影工业的介绍，又有李洋、极品影虫、孙昌建的分别对欧美和华语电影的介绍，而且还有罗展凤的专门对电影配乐的评论，以及范小青、书亚的对于韩国、香港电影现象的书写，也成为了同类电影杂志中的佼佼者。（范小青的专栏弥补了数年来《看电影》对于韩国电影介绍方面的单薄的状况，毕竟那个 “韩国来信”显得很简单。） 在同类电影杂志中，《电影世界》从2003年开始也有了专栏。开始是Liar和张草等人的，但年底时改版取消了该专栏。2004年下半年后主要是周黎明和谢晓的专栏。周的风格跟在《看电影》中的差不多，而谢晓本身是一个娱乐记者，她从记者的角度谈论中国大陆的电影，如今年三月上半月的《天生丽质徐静蕾》等。此外《电影世界》中还有张静初、梁良等人的专栏，但实际上，《电影世界》中的专栏就像是这两年的不时改版一样，时常的变动，缺少有分量的文章，缺少影响力。虽然从2005年年底开始《电影世界》的专栏相对固定为赛人。秋风、洁尘等几个写手，但分量还是感觉不足。 至于《新电影》，并没有专栏，特别是去年年底以来，它已经变成了一期期的纪念特刊了。 即使单从专栏的角度看，《看电影》也已经成为了中国电影杂志中的数一数二的杂志了。 （待续）
流光叠影六年路——《看电影》及其它电影杂志（下）
三 最后简单的谈谈《看电影》的其它一些栏目。除了专栏，《看电影》中还有一些相关的影评栏目，如从一开始就有的“审片室”，再如后来新增加的栏目“天地街66号”、“挺进报”等。“审片室”一般是对新上映的电影作品的评论，一千字左右的简单评论；“天地街66号”往往是就某一方面对大概三部的电影的评论，两千字左右的影评；而“挺进报”是一个读者投稿的影评平台，不乏一些闪光的文字。于是，《看电影》也尽可能的跟读者交流，并让读者参与进来，发表读者的精彩文章。 而《电影世界》中跟“审片室”类似的是“影评实验室”，曾经在2003年下半年开始的改版后办的比较的好，但2004年四月的再次改版变成了“热血疯评”中的一部分，而水准也跟着降低了一些。更何况，“热血疯评”也两三个月就内部变换具体栏目一次，没有形成一定的影响。跟“挺进报”类似的是“288信箱”，但也不时变化的。至于跟“天地街66号”类似的栏目，勉强算得上的是2004年下半年年底开始的“刊中刊”——“影响”吧，但也不是很固定。毕竟，这几年的《电影世界》，几乎每半年到一年就改版一次，栏目变化较大，也说不上有影响。 这里应该说说《新电影》。《新电影》没有专栏，但有一个可以跟“天地街66号”相提并论的栏目“幸福一村55号”，刊登过一些比较好的编辑们的电影评论。而后来改版时变成了一个编辑和读者共同参与的栏目，但并没有维持太长的时间。至于跟“挺进报”相类似的“社区”版块，《新电影》只是维持了大概一年就停止了这个栏目，而且里面刊登的常是一段话的短论。 《看电影》的栏目安排中也通过后来的改版不断的适当的增加了读者参与的内容，尽可能的使介绍、评论、读者参与这三者更多更好的结合在一起。这也是《看电影》深得读者欢迎的原因之一吧。 四 《看电影》是可以说是国内电影杂志中办的最好的，不愧是“中国影迷第一刊”。但是，《看电影》办的好，是相对于同类的国内杂志而言的。其缺点或者说不足的地方，也是很明显的。 最典型的是对于所谓的“大片”的吹捧，从《英雄》到《十面埋伏》再到去年的《无极》，甚至是即将上映的《夜宴》和《满城尽带黄金甲》，《看电影》都在极尽着最好的形容词来赞扬这些作品，如去年的《无极》，居然是用一系列的“极限”来形容《无极》中的动作场面、特效、音响、演员……（这种吹捧现象不仅仅是存在于《看电影》中，国内的大量媒体当时都用了不少的很夸张的词语来形容这部投资最高的作品，而这些，跟影片给人的印象，正好形成一种鲜明的对比。） 而与吹捧所谓的“大片”相反的是，对于国内的小成本电影，《看电影》越来越少的提到（《电影世界》在这方面做的相对好一些，但也只是好了那么一点点），如今年的《我们俩》、《租期》、《天狗》、《疯狂的石头》等小成本作品，除了2003年时对于《租期》有过一点的报道和今年第14期中介绍了一下《天狗》之外，基本上不再提到这类作品。而对于国外的一些小作品，《看电影》却还是用了很多篇幅介绍。 ——更为严重的是，《看电影》所存在的问题，客观的说在国内的电影媒体中都多多少少的存在着，包括一些学术性很强的杂志，如今年第二期《电影艺术》，一系列的文章，用数字来强调了2005年的中国电影是多么多么的辉煌是如何如何的“高奏凯歌”，但是，至于数字背后是怎么样子，却没有说明。我们只是顾着歌功颂德，却忘记了反思。 转贴：现状与展望——《看电影》以及其他电影杂志转贴：现状与展望——《看电影》以及其他电影杂志
2、网上已经出现了很多个性的影评，电影杂志应该怎样应对？影迷究竟需要怎样的影评？ 3、国内很多电影杂志对好莱坞大片和国产大片的关注度很高，对小成本电影和纪录片关注却很少，是什么原因？ 4、香港和台湾的电影杂志是什么情况？有评论说香港的电影杂志“蚀多赚少”，为什么会出现这种情况？港台的电影杂志哪家办的比较好？台湾的《世界电影》、香港的《电影双周刊》和其他杂志你怎么看？ 5、有评论说台湾有的电影杂志做的态度严肃认真而又不失朴实，你怎么看？ 6、《看电影》是否过于严谨失去了“看电影”的乐趣？ 7、现在中国的电影杂志发行情况如何？为什么？ 8、电影杂志应不应该有自己的立场？甚至责任和理念？国内的电影杂志做的如何？ 9、国内的电影杂志的定位清晰吗？ 10、有些影迷很怀念上个世纪的《大众电影》、《上影画报》、《电影故事》、《中国银幕》、《电影画报》，觉得那才叫真正的原创电影杂志，是真正的中国电影杂志，你怎么看？现在国内有没有真正自己的电影杂志？ 11、影迷需要怎样的电影杂志？ 12、影迷需要培养吗？法国电影杂志的繁荣与影迷有关吗？中国电影杂志成熟吗？为什么？ 13、电影杂志的读者这几年的口味有变化吗？ 14、《看电影》这几年的专题做的如何？有读者说“很多都是重复之前的”，电影杂志应该如何避免炒冷饭和空洞的内容？ 15、《看电影》一部份主笔分流至《新电影》对《看电影》有影响吗？《新电影》失败的原因是什么? 16、电影类杂志有没有同质化的趋势而挤上独木桥？如何避免？ 17、做电影杂志还有其他可能性吗？比如DV，原声音乐等。 ——刊登于2006年11月15日《中华读书报》
作者：阿木 导演 迈克尔－本杰明－贝以动作片当家的好莱坞，向来不缺独当一面的动作片大导演，远到早些年拍《终结者》、《泰坦尼克》的詹姆斯·卡梅隆；近到以《指环王》系列打响的新西兰导演彼得·杰克逊，以及来自香港的“外援”吴宇森，都是些叱咤风云、呼风唤雨的大腕级动作片导演。而说到支撑起美国电影票房半壁江山的动作片，著名的动作片导演迈克尔·贝则是不可不提的人物。 从1995年的《绝地战警》开始，到1996年的《勇闯夺命岛》、1998年的《世界末日》以及2001年的《珍珠港》、2003年的《绝地战警2》，今年才刚满40岁的年轻导演迈克尔·贝则以五部影片累计超过十亿美元的票房成绩，成为他在好莱坞傲视群雄的资本。
铺天盖地的爆炸、激烈的追逐场景以及快速凌厉的剪接，都使得迈克尔·贝导演的影片成为标准北美暑期档爆米花大片的代言人。1998年拍摄的《世界末日》，使当年才33岁的迈克尔·贝成为有史以来北美首映票房超过一亿美元的最年轻导演。正是由于他这些惊人资历，如果好莱坞要拍大制作的动作片，请迈克尔·贝当导演历来是票房的保证。
不过世间万物都有起有落，有道是月盈则亏，迈克尔·贝今年导演的最新暑期档动作大片《逃出克隆岛》，虽然投资成本高达一亿两千万美元，但首周北美票房才有可怜的一千两百万美元。虽然本片仍在全球发行，按照迈克尔·贝以往的口碑和在全球影迷心目中的号召力来看，虽然有可能会在海外获得不错的票房成绩，但总体票房基本上已经是回天无力，本片票房惨败已成定局。更惨的是，虽然以往迈克尔·贝的影片一直不被影评人看好，但每次都有票房在支持着他。而这次的《逃出克隆岛》不但票房惨败，影评人更是追杀声一片。
经历了此次惨败的迈克尔·贝可能还有机会翻身，但在视票房数字为一切的好莱坞，现实就是这么残酷。如果迈克尔·贝再不抓住下一次机会，喜欢这位导演的观众，可能就再也见不到这位具有独特视觉风格的动作片导演了。今天，我们就来回顾一下这位好莱坞天才动作片导演的作品，让我们重新体验一下那种肾上腺素急速分泌所带来的刺激感觉吧。
导演 迈克尔－本杰明－贝
出生于1965年的导演迈克尔－本杰明－贝可以说是当今好莱坞的一个传奇人物，在他30岁当上电影导演之前就已经是美国著名的广告导演和MTV导演，曾经为耐克、锐步、可口可乐等著名品牌拍摄过广告，并曾获得过戛纳电影节广告金狮奖和其他同年龄的美国导演相比迈克尔－本杰明－贝是获得最多导演奖项的年轻导演，正是有了这些资历在迈克尔－本杰明－贝30岁时他被好莱坞金牌制作人唐－辛普森和杰瑞－布鲁克海默发掘，开始了他灿烂的导演之路。
影片《绝地战警》1995
《绝地战警》是迈克尔－本杰明－贝从广告导演和MTV导演转型后，首次担任电影导演的作品。这部影片的预算仅为可怜的2300万美元而主演威尔－史密斯和马丁－劳伦斯当时也不过是二三线演员根本没有什么知名度，但谁都没有想到
这样一部由新人执导、二三线演员主演的影片却在美国本土创下了6580万美元的票房在全球竟拿下了1亿4千万美元的票房，使得本片成为了好莱坞的奇迹之一。而主演威尔－史密斯也从一个嘻哈歌手顺利转型成为演员，并从此作好莱坞星途坦荡连续主演大制作影片成为好莱坞两千万俱乐部的新成员。 迈克尔－本杰明－贝在这部影片中，也开创了他未来作品中的风格模式，并初步树立了他在所有的作品中都一直延续的强烈画面风格。诸如摄影机的‘低角度广角仰拍环摇镜头’在他所有的电影中都出现过，已经成为了他的一个招牌镜头。
本片讲述的是迈阿密缉毒刑警中有一对王牌搭档，他们是威尔－史密斯扮演的‘迈克－劳雷’和马丁－劳伦斯扮演的‘马库斯－伯内特’，这对活宝艺高人胆大常常深入虎穴捉拿毒贩。迈克是一个花花公子式的人物，而马库斯则是个老实的居家男人，因为性格迥异两人在破案过程中
常常闹出许多笑话。《绝地战警》里两个警探的 无厘头风格搭档模式可以说开创了警匪片的一片新天地。威尔－史密斯和马丁－劳伦斯一个红脸一个白脸的警探组合，也成了警察搭档的黄金模式从此被许多电影模仿。 作为新人的迈克尔－本杰明－贝，一开始的导演生涯并不顺利在执导本片时他的片酬仅为25万美元，当时同样是无名之辈的威尔－史密斯和马丁－劳伦斯出演本片的片酬确是200万美元，在多年后迈克尔－本杰明－贝回忆起来仍然有些耿耿于怀。
迈克尔－本杰明－贝：“拍到最后一个场面时我们无法拍这场爆炸场面，而这是影片的高潮。制片说我们不能这么拍，我就问这是什么意思，这场戏是能让观众拍手叫好的，然后他就说总之我们不会拍的，那天下午我们大吵了一架。我就问强迫开工要花多少钱，强迫开工的意思是多付一倍半的工资，他就说两万五千美元，我说那就强迫开工吧，他说我们没预算了我就自己开了张支票给他，他说我们不能拿你的钱，我说我必须拍这场戏如果你不收我的支票我们拍不了这场戏那我就走人，因为我不喜欢这样我把他吓了一大跳
，那笔钱是我导演费的五分之一或四分之一。最后他们让我拍了那场戏，为了挤兑制片公司我在给他们看毛片的时候，毛片都会保留打板的画面 ，打板的时候我把支票放在前面整个银幕上‘致哥伦比亚电影公司迈克尔－贝的两万五千美元’然后我们开始放映。他们后来把钱退给我了 初出茅庐的新人迈克尔－贝凭借此片在好莱坞一举成名，从此‘迈克尔－贝’风格成为好莱坞暑期档大片中一道不可或缺的大餐。如果把好莱坞暑期档影片比作菜肴的话，那么追车和爆炸
都是主要原料但不同的厨师调制出来的就有不同的风味。吴宇森烹制的大片中就有东方的清淡和回味，那么在迈克尔－贝的影片中则堪称美国风格的典型－－直截了当、毫不含糊、毫无节制。 《勇闯夺命岛》
自从《绝地战警》在全球热卖1亿6千万美元之后，迈克尔－贝成为好莱坞的新晋红人顺利地获得了下一部影片的拍摄权这就是1996年的《勇闯夺命岛》。和上一次的《绝地战警》不同的是这次的影片是标准的A极好莱坞大制作，不但拍摄预算为7500万美元而且是全明星阵容，本片由当年新科奥斯卡影帝尼古拉斯－凯奇、英国老牌007演员肖恩－康纳利、以及好莱坞著名性格演员埃德－哈里斯联袂出演，堪称当年最强演员组合。《勇闯夺命岛》一片讲述的是美国军方特种部队在秘密行动中牺牲的军人，由于美国政府政策等原因往往不被政府承认，这些牺牲的军人及其家属就享受不到政府的奖立和补助，美军特种部队的汉默将军不满政府的这种政策决心为他的部下讨回公道，于是占领了旧金山的夺命岛并扣押了81名观光客人为人质向美国政府发难，要求在42小时之内交付他一亿美元作为这些牺牲部下的补偿，否则将以旧金山为目标发射致命的VX毒气导弹。现在，美国政府只有求助于唯一一位曾经从夺命岛上逃出的前英国情报官员约翰和联邦调查局的生化武器专家斯坦利，两人必须在30小时之内率特种部队潜入夺命岛瓦解汉默将军的计划，成千上万人的生命财产安全就全靠他们这次行动了。《勇闯夺命岛》一片不但在票房上获得了巨大的成功，也成为迈克尔－贝电影中最获影评人认可的影片。在著名的电影网站IMDB上，本片是迈克尔－贝电影中唯一一部影评得分为7分的影片，而迈克尔－贝其它电影的评分都没有超过本片。本片北美首映周末票房就高达2500万美元，成为1996年美国十大卖座影片之一，继《独立日》《龙卷风》《碟中碟1》之后位列第四，最后本片全球票房累计2亿5千万美元，我国也曾与当年引进了此片。大展拳脚的迈克尔－贝在本片中开创了好莱坞新的动作片标准，其中的突袭军火库场景、追车场景、浴室枪战场景，以及最后的轰炸夺命岛等场面都带给了观众强烈的视觉刺激。在影片开始不久的斯坦利和梅森的追车场景是‘迈克尔－贝风格’的第一次集中大展示，在整段戏中基本没有超过10秒以上的镜头，所有镜头差不多都在5至8秒之间而且镜头角度多样甚至在车头前方都有摄影机，加上凌厉的剪辑风格
整段戏让观众目不暇接、高潮迭起，和通常好莱坞的追车戏会用电脑技术修饰不同迈克尔－贝的追车场面最大的风格就是实拍，追车场景中所有被压烂、撞毁、爆破掉的东西都是实打实地被毁掉了，带给观众的刺激自然和CGI特效虚拟出来的感觉完全不同。 担任本片配乐的是好莱坞著名的德国裔音乐汉斯－季默他的配乐作品以阳刚、深沉为主，特别能突出硬朗坚韧的深刻题材，他为本片和影片《角斗士》所做的配乐是他最精彩的两部作品，完全可以当作独立的音乐作品来欣赏。在本片中，汉斯用管弦乐和电声音乐交替出现极好的衬托了电影主题，特别是在浴室枪战场景中音乐配合紧凑的剧情以及精彩的剪辑，使得这一段落成为 好莱坞动作场景中的经典之一。在结尾的轰炸夺命岛段落中迈克尔－贝更是发挥了自己的一贯视觉风格，并充分利用电脑CGI特效技术带来的便利创造了令观众难以忘怀的镜头。 1998年《世界末日》
《世界末日》是好莱坞金牌制片人杰瑞－布鲁克海默与导演迈克尔－贝原班人马再度合作的又一部暑期档大制作电影，由好莱坞老牌硬汉明星布鲁斯－威利斯主演制作成本高达一亿四千万美元，成为导演迈克尔－贝第一部制作成本突破亿元大关的影片，但迈克尔－贝继续保持了他票房急先锋的势头最后本片战胜了著名导演斯皮尔伯格的《拯救大兵瑞恩》成为1998年全美票房冠军－－全美票房达到两亿美元，全球票房突破六亿美元。作为20世纪末普遍的末世心态的反映，好莱坞在当年拍摄了好几部以彗星撞地球为主题的影片，但只有这部《世界末日》得到美国太空总署NASA的全力支持，并获得了票房上的成功。
本片讲述美国太空总署发现一颗巨大的陨石正朝地球方向而来，并将在18天之内撞上地球。为了阻止陨石造成人类的毁灭，太空总署想出的方法是派人登陆陨石的表面并钻洞至陨石地心放入核弹引爆，使它在撞上地球前就先在太空中毁灭。而布鲁斯－威利斯扮演的就是身负此重任的钻井工程师、本－阿弗莱克不但是他的属下同时也是布鲁斯－威利斯女儿丽芙－泰勒的男朋友，为了完成此项训练两人同时接受太空总署的训练
，一夜之间从一个打井工人成为太空人及救世英雄。 作为慧眼识英雄的制片人杰瑞－布鲁克海默，在挖掘出迈克尔－贝这棵摇钱树后经过两次合作以后两人之间似乎亲密无间的关系在本片中开始出现裂痕，在拍摄《绝地战警》时迈克尔－贝仅拿到了25万美元的导演片酬，但此片全球票房成绩高达1亿6千万美元令迈克尔－贝心态颇为不平衡，在拍摄《世界末日》时33岁的迈克尔－贝由于连续的成功开始有些自我膨胀向制片人杰瑞－布鲁克海默狮子大开口开出了1500万美元导演片酬的天价，虽然最终两人继续合作完成本片但已经为日后两人分手埋下了伏笔。虽然本片在制作过程中有这些幕后的不愉快，但《世界末日》这部电影却在商业上获得了成功。整个故事被高度简单化和模式化以便腾出篇幅来表现陨石碎片击中地球时的壮观爆炸场面，以及在太空中钻洞之旅中安排一波三折的危机籍以增加紧张刺激的气氛。此外编剧和导演在大肆卖弄太空奇观之余
也不忘加入一些感人的文艺场面，并且刻意将布鲁斯－威利斯塑造成了牺牲自己成全女儿和男友的悲剧英雄。导演迈克尔－贝更是不遗余力地将各种娱乐元素堆砌在观众眼前，令观众在肾上腺素急速分泌中度过两个半小时但本片成绩也仅止于此，美国影评人并不因为本片中商业上的成功 而放过导演迈克尔－贝，中本片成为当年度票房冠军的同时迈克尔－贝也获得了当年度“金酸梅奖最差导演奖”。 著名摇滚乐队“史密斯飞船”为本片谱写并演唱了主题曲《我不想错过你》也成为一首脍炙人口的经典佳作。
2001年《珍珠港》
作为2001年暑期档的重头影片《珍珠港》已经是金牌制片人杰瑞－布鲁克海默和票房大导演
迈克尔－贝继《绝地战警》《勇闯夺命岛》和《世界末日》后的第四次合作堪称万众瞩目。 影片以二战时期日本偷袭珍珠港的真实历史为背景，讲述了两个从小一起成长的飞行员同时爱上一位战地护士，他们在应付残酷战争的同时
一段刻骨铭心的爱情也开始悄悄萌芽。本片三位主角除了主演本－阿弗莱克具有一定知名度外，另两个主演乔什－哈奈特和凯特－贝金塞当时都还属于新人行列，这些从演员身上省下来的钱全部都投入到了影片制作当中，相对本片高达1亿4千万5百万美元的拍摄成本可想制作规模之大。 作为当年度制作成本最高的影片本片大部分场景都在珍珠港进行实景拍摄，除了动用许多飞机和舰船外为了逼真地再现当年那场空海大战，影片后期制作还采用了大量电脑特技－－游弋的战舰、盘旋的飞机、震耳欲聋的爆炸和冲天而起的大火，把半个世纪前惨烈的一幕幕逼真地映入观众的眼帘。
《珍珠港》一片原计划开支1.34亿美元，拍摄到一半制片人发现经费可能会超出预算估计要达到1.8亿美元，但迪斯尼公司一度对投入巨资缺乏信心不愿再追加开支，剧组只好尽量消减经费全体主创人员都只领取基本片酬直至影片上映后票房收入超过成本再补足其余部分，对于迪斯尼的铁算盘当时还没有什么名气的几个主演都只能乖乖就范，最后都只领取了20万美元的基本片酬，但导演迈克尔－贝却因为之前的超级成功仍然顺利地拿到了他高达2500万美元的导演片酬。仅管这样本片最后也花费了1.45亿美元比《泰坦尼克号》还高出500万美元使得本片成为好莱坞历史上耗资最大的一部电影。
与本片史无前例的高成本相匹配的是本片空前的大场面，为了在银幕上再现当年残酷壮烈的战争场面《珍珠港》剧组不但得到美国国防部的鼎力支持得以进驻亚夏威夷美军基地内的珍珠港取景，而且还斥巨资购买了15架老式美军战斗机
真枪实弹、有板有眼地拍摄了片中大部分爆炸、空袭、海战镜头和场景。此外，剧组外景地还包括洛杉矶、旧金山以及当年为拍摄《泰坦尼克号》建造的巨型水上摄影棚，再加上数量多到惊人的道具服装，影片《珍珠港》耗资之巨、场面之大非普通影片所能比拟。为了再现当年日本突袭 珍珠港的宏大场面《珍珠港》花费了3000万美元雇佣了业内最顶极的电脑特效公司ILM工业光魔公司制作了影片中的大量电脑特技，从最后电影中体现出来的这些效果来看这3000万美元完全是物有所值。 导演迈克尔－贝以破釜沉舟的气势加上杀气腾腾的阵容，矛头直指票房神话《泰坦尼克号》一心想榨干观众的钱包和眼泪，并造就一个影坛超级神话。但影片上映后票房并未如预料中凶猛
，影评人讥讽的轰炸倒是激烈非常。本片首映票房虽然高达6千万美元但相比本片天文数字般的成本这一成绩显然并不能令人满意，长达三个小时的《珍珠港》最后在全美票房仅为2亿美元加上海外的2亿5千万美元票房，虽然让迪斯尼公司勉强回本但先前的诸多如意算盘无疑落空。对于导演迈克尔－贝来说他一直是商业片里的典范但并不以艺术性见长，此次《珍珠港》的失败无疑是因为制片人以及导演太过于功利性，打算模仿 《泰坦尼克号》的成功捷径以为用催泪爱情加灾难背景就等于成功。其实中国有句俗话－－学我者生、像我者死，《珍珠港》显然坠入了一个低级模范的怪圈，剧本的火候和导演迈克尔－贝的煽情功力明显不济，角色以及情节相比影片规模 显得异常单薄。迈克尔－贝控制大场面的能力是毋庸置疑的但操纵历史题材的能力相对欠缺，一次全体美国人心目中刻骨铭心的悲剧并没有预想中悲情和惨烈，对于此类题材注定不能轻松敷衍了事，硬插的恋情纠葛反而把悲壮背景的震撼性削弱结果把一部严肃历史题材拍成了浪漫爱情电影。 《珍珠港》可分为三大部分：第一部分是珍珠港被轰炸前的铺垫情节足足80分钟令人昏昏欲睡的歌舞升平，面对着生硬的抒情镜头和莫名其妙的倒叙，观众和迈克尔－贝的心情都是一样急躁
‘那该死的轰炸怎么还不快点到来’；第二部份的40分钟是全片的高潮和天文数字成本的主要投放地由于日本是迈克尔－贝影片的最主要海外市场，所以本片在处理日本海军出发场景时为了照顾日本市场还将日本海军进行了美化处理，美国影评人和二战老兵对这一点更是进行了毫不客气的批评，但在市场面前爱国主义也只能暂时地被放到了脑后。 当轰炸开始后一场空前的血肉横飞刹那间把人们熟悉的迈克尔－贝炸了出来，精神振奋的迈克尔－贝如鱼得水、使出了浑身解数动用一切特效手段拿出自己最擅长的爆炸场景把整个珍珠港炸了个稀巴烂。在令人瞠目结舌的特效配合下迈克尔－贝把这场空前浩劫逼真地还原在观众面前，美国人隐藏已久的心病随着惊天动地的巨响重新被掏出、更加撕心裂肺。这部分是全片最让人欣赏的段落，充分体现了当今电影特效的魅力，迈克尔－贝的各种招牌镜头以及大爆炸场面都得到了极限发挥，节奏紧凑流畅场面灿烂炫目对于观众来说感受只能用一个“爽”字形容。
最后一部分在原来剧本中是没有的，在几易其稿之后历史上真实的杜利德轰炸东京事件成为了本片的结尾，导演迈克尔－贝乘机利用这个戏剧性的蛇足情节把故事里的三角恋情推向高潮，但是面面俱到的讨好和明显斧凿的痕迹却把电影点到即止的魅力丢失贻尽，这个画蛇添足的结尾
成为了典型的两面不讨好的反面例子。 迈克尔－贝的野心之作《珍珠港》成了自己的滑铁卢，虽然本片全球票房将近5亿美元但相对本片高达1亿5千万美元的拍摄成本这一成绩很难说是票房成功,同时影评人的恶评更让迈克尔－贝难以翻身,他一下子从好莱坞擅长以小博大的导演成了阴沟里翻船的倒霉蛋儿，加上媒体上又传出了迈克尔－贝在拍摄片场喜欢斥骂工作人员的丑闻一下就让这位原本的“超级印钞机”落入了导演生涯的最底潮。
2003年《绝地战警2》
1995年的《绝地战警》获得了空前的票房成功后为它拍摄续集的想法就自然而然地提了出来，最初续集的拍摄计化准备在1997年开始但因为剧本前后请了15个编剧改写了8次，威尔－史密斯也在忙《黑衣人》的档期所以本片一直拖到2002年才开拍。
影片最初的制片预算有7500万比当年高出了3倍多，不过威尔－史密斯和马丁－劳伦斯两人的片酬也从当年的每人200万直线上升到每人2000万，他们两的片酬加起来就占了影片总投资的一半多这样最后真正能够用在拍摄上的钱就只有3000千万美元和8年前初出茅庐的迈克尔－贝拍摄《绝地战警》时相差无几，这似乎预示着导演迈克尔－贝又一次从零开始起步。
迈克尔－贝在《珍珠港》票房失败后急欲重新证明自己的票房号召力，但为了稳妥起见这次他回到了最保险的路数上就是拍摄自己当年成名作的续集，而此次哥伦比亚公司把他请回来执导自己的处女作也是成名作的续集，而且除了演员的片酬外影片拍摄预算跟8年前差不多，看来无论是迈克尔－贝还是投资方都对这部影片持谨慎态度，迈克尔－贝此次仍然是和制片人杰瑞－布鲁克海默合作但此时两人之间的关系已经是貌合神离了，当年《绝地战警》中的两个活宝搭档
为传统的警匪片带来了生机，喜剧元素的渗入可以说拯救了日渐腐朽的警匪片，意想不到的是后面的效仿者竟如此之多甚至凡是警匪片都要有这样一对活宝组合才能产生出喜剧加动作的双重快感，但是当类似的“活宝”搭档多到开始让观众厌倦时迈克尔－贝仍然用威尔－史密斯和马丁－劳伦斯继续这种风格路线就已经不是开创而是炒当年的残羹冷饭了，当一个导演丧失了创新能力 开始抄袭自己以往成绩时这可能正是他走下坡路的开始。 但迈克尔－贝在故事方面的持续退步并没有明显影响到他在动作场面上的能力，影片中精彩的动作场景比比皆是继续让喜爱动作场面的观众大呼过瘾，在影片中最大的一个动作场景－－公路追逐中快慢镜头的巧妙转换、碎片、气流和光线的利用使追逐翻车变得异常震撼，不得不使观众惊叹导演处理动作场面的功力。而威尔－史密斯和马丁－劳伦斯的表演责保持了一贯水准常有精彩火花出现。
“迈克尔－贝电影风格”简单地说就是铺天盖地的爆炸、激烈的追逐场景以及快速凌厉的剪接，在《绝地战警2》中这种电影风格更是变本加厉。在两个小时的电影中观众所能看到的一切有形物质最后都被两个主演砸了个粉碎，在结尾的枪战场景中两位主角全副武装带领一班人马杀入毒贩老巢把看到的一切东西都炸了个粉碎。导演为了保证能让观众看得过瘾最后还花了500万美元炸掉了一幢烂尾楼，让这场轰轰烈烈的爆炸
成为了影片的高潮戏。 本片在内部试映时被部分观众指责为太过暴力，结果导致影片分级太高为了保证票房哥伦比亚电影公司不得不将影片上映时间后延并且要重拍一些段落补救，这就直接导致影片成本飙升至1亿3千万美元，哥伦比亚电影公司本来不打算搞这么大但最后不得不咽下这个苦果，本片最后在美国票房为1亿4千万美元，全球票房将近3亿美元，相对于本片的成本这个数字对于昔日的票房灵药迈克尔－贝来说无疑预示着他黄金时代的结束。
2005年《逃出克隆岛》
迈克尔－贝在持续倒霉的情况下做出了可能是他最大的错误选择就是离开一直和他合作的制片人杰瑞－布鲁克海默，转投斯皮尔伯格旗下的梦工场《逃出克隆岛》就是迈克尔－贝在梦工场
得第一部影片。影片改编自同名科幻小说，迈克尔－贝网罗了英国演员伊万－麦克格雷和好莱坞新人斯嘉丽－约翰逊这两个以拍文艺片出名的演员来拍这部惊险动作片，看来是想继续当年《勇闯夺命岛》的路线。 影片开头主人公从噩梦中惊醒的戏剪辑干净利落很是下了一番功夫，而岛内设施的概念设计
也颇具想像力构建了相当令人信服的未来场景。故事在狭小的空间内不无悬念地展开，令观众都惊讶万分难道迈克尔－贝转型了吗？怎么会在迈克尔－贝电影中没看到追车和爆炸呢？ 影片讲述了伊万－麦克格雷扮演的男青年林肯，生活在一个貌似乌托邦却被21世纪中叶先进的科学技术装备武装起来的社区里，他跟所有其他社区居民一样梦想着被选中成为“神秘岛”的访客，因为据说那个岛是地球上唯一没有被污染过的一片净土，但是，不久后的一个意外让林肯惊觉，原来他头脑中一切关于自己身世的记忆和对整个社区的认识都是一个巨大的谎言，他和社区里的所有居民其实都是所谓的“神秘岛”居民们的克隆人，他们的存在只是为了给他们的“原型”提供各种更换用的身体零件，而这个社区其实只是个软禁他们的牢笼。得知事情真想之后林肯意识到自己迟早会被收割送到“神秘岛”去给主人提供零件，与其像个牲口一样任人宰割不如拼命杀出一条生路。于是，林肯和社区里另外一位居民斯嘉丽－约翰逊扮演的女克隆人乔丹一起踏上了逃离克隆社区寻找新生活的冒险之旅。
当主人公洞悉真相辗转逃亡，重返地面后影片风格急剧变化智商也随之一落千丈，迈克尔－贝如同重见天日开始发挥自己最拿手的动作片手段，在克隆人逃跑的段落中100%电脑特技视觉冲击的动作场面其实不乏精彩之笔，但故事层次模糊逻辑关系混乱的问题就此层出不穷，而且毫无说服力终于触怒了正常观众的底限，对故事的兴趣便在这些莫名其妙的大场面中烟消云散，中影片的这个追逐场景中我们仿佛看到了《绝地战警2》中高速公路追车场景在本片中重演，对于导演迈克尔－贝来说如此明显地模仿甚至抄袭自己以往的作品，已经展现了江郎才尽的苗头，本片在票房和评论上的双重失败也就不足为奇了。
导演迈克尔－贝在影片《逃出克隆岛》上的失败甚至已经开始连累到出品公司梦工场的生存，由于本片在商业上的失败梦工场现在正在积极的寻求被其他电影公司并购以缓解财务压力。已经定于2006年11月17日上映的《变形金刚－真人版》原本计划由史蒂文－斯皮尔伯格担任制片人，迈克尔－贝担任导演，但在目前的情况下迈克尔－贝是否还能有机会继续执导此片已经成为了一个悬念。 1年10班演员：徐俊颖 徐民宇 郑成美 张雅颖 地区：韩国 语言：朝鲜语 简介：  【中文剧名】：1年10班 【英文名】：sharp3 【电视台】：韩国KBS2 【官 网】：http://www.kbs.co.kr/drama/sharp3/index.html 【首 播】：2006年3月5日 【语 言】：韩语 【字 幕】：中文字幕 【集 数】：未知 【人物介绍】： 【相关报导】： KBS 2TV 成長電視劇場‘四舍五入#’的新系列‘四舍五入#3’（每周周日上午8點50分）將從5日開始播出。 ‘四舍五入#3’是講述由于失誤而分配到按照大人的尺度已判斷爲頭疼學生們聚集在一起的高中1年級特別班的樸利俊主人公跟學生們一起經曆學校生活的故事。24日在首爾press center18層的外新記者俱樂部舉行了 ‘四舍五入#3’制作發表會。 當天的聚會上出席的有總導演崔世京PD還有飾演男主角樸利俊的徐俊英和飾演女主角朱世恩的鄭成美，飾演孔允的徐民宇，飾演張亞英的張亞英等人和飾演樸利俊父親角色的李元宗，飾演班主任角色的安納相，飾演校長的金乙東等人。崔世京PD表示“如果說1，2部是表現了名叫玉林（高雅羅）的女學生的活潑形象的話那麽第3部主要是圍繞著一名男學生展開的。” 崔PD還介紹4位演員時表示“徐俊英的魅力在于他的微笑，鄭成美則是成熟有內涵。徐民宇給人印象很清爽，張亞英的魅力在于她的性感身材。”接著還稱贊到“在本次出演的演員們都很有明星的底質。”男主角徐俊英是在SG Wanna Be的‘罪和罰’MV和在電視劇‘悲傷戀歌’主題曲‘想分手’MV中以權相宇的小時侯形象出現而被觀衆們所認識。 徐俊英介紹自己的人物形象時稱“本次飾演的是由于行政方面的失誤而擔任頭痛班級的樸利俊的角色”並還表示“雖然感到有些負擔但一定會努力將給觀衆帶來富有現實感的演技”。 【花絮新闻图】： 主角们 男1徐俊颖 饰演朴伊俊：  韩国人气小天王——Rain（上下）韩国人气小天王——Rain（上）
唱演俱佳的韩国人气小天王Rain，从韩国流行歌坛的超级新人王，迅速成长为全亚洲呼风唤雨的天王巨星级人物。2002年他以首支个人单曲《坏男人》出道，就大受欢迎，并囊括了当年韩国音乐界的所有新人大奖。从此以后，他一发不可收拾，凭借自己独具个人魅力的劲歌热舞、迷人笑容及在影视剧中的出色表现，横扫亚洲流行文化圈，成为时下青少年心目中的超级青春偶像。今年，他更是出现在明星云集的百事可乐世界杯专题广告中，标志着他向国际进军的号角也已经奏响。
亚洲的骄傲！最具价值的艺人！这位年轻的歌手将无数如此这般的美誉集于一身，他就是－－Rain！亚洲流行乐坛的天王巨星。
Rain郑智薰
Rain1982年6月25日出生 Rain1999年进入娱乐圈 Rain2002年以《坏男人》一曲成名 Rain横扫年度韩国音乐界所有新人大奖。 Rain同年，创下在8个月之内接拍10个广告的纪录 Rain成为韩国最炙手可热的广告小天王 Rain2004年凭电视剧《浪漫满屋》人气急升 Rain成为红遍亚洲的超级青春偶像 Rain2006年2月2日成为首位在美国纽约麦迪逊广场花园成功举办演唱会的亚洲明星 香港会展中心是这座城市的地标示建筑。2005年10月Rain在这里举办了他的演唱会。55名全职工作人员投入了演唱会的准备工作，对一场如此规模得演出来说这是必须的。（Rain：“我们停一下好吗？对不起，你们打算那么跳吗?还是只在排练的时候这么跳！你们不该这样，好吗!要把这当成正式演出，对不起各位跳出点儿真感觉来好吗？我很抱歉各位我们再来一次从刚才中断的地方开始。”）Rain不只在香港受到追捧，而且已经红遍亚洲。350名记者出席了香港演唱会之前的媒体发布会，这些记者来自本地区所有的国家和地区其中包括香港、中国大陆、台湾、泰国、印尼和马来西亚。Rain首次在亚洲窜红是在2004年，但不是作为歌手。那一年他出演了韩国KBS电视台的热播电视剧《浪漫满屋》。作为一名演员一颗新星他的人气急速上升，该剧在十三个亚洲国家的电视台播放，是《浪漫满屋》成就了他今天亚洲演艺巨星的地位。
Rain：“我从没见过那么多人在机场等我大概有三四千人之多。我当时以为自己在做梦，我走出去的时候只看见了几个人，可是有人告诉我说我走错了出口，于是我就到了另一个出口去。当大门打开，我惊呆了！我甚至回过头去看看他们是不是再等别的什么明星，他们对我如此热情我真的很感动。”
《浪漫满屋》横扫全亚洲平均收视率超过50％，很自然的这部电视剧的拥护者遍迷上了剧中的演员，当他们加入到Rain原有歌迷的行列中时这样的阵容是爆炸形的，此时此刻香港正是这场Rain旋风的中心。
JungWook(JYP娱乐公司首席执行官）：“这种情况绝不只发生在单个国家，不管是在韩国、日本、中国大陆、台湾、还是菲律宾、印尼、香港和泰国，总之，不论我是在韩国还是韩国以外亚洲的任何一个地方，我的电话都几乎被打爆了，我平均每天要接到各地Rain迷的三百个电话和四五百封电子邮件。”
2005年7月Rain还在香港当地的一个电视广告中亮相，在他前往签约的途中他的拥护者们守候在街道两旁，不出所料这份合约给予了他顶极巨星的待遇，这份为期十八个月的合约价值八十万美元另外邀请方还为他支付了高达二百万美元的保险费用，以应对任何可能出现的突发情况这同样是史无前例的。还有更多来自其他国家的广告合同在等着他，这也证明了这位年轻歌手的超高人气，没有人会质疑他的亚洲巨星的地位。
香港会展中心最多能够容纳上万名观众，然而在网上出售的两万张演唱会门票很快就一抢而空。他的知名度不仅超越了国界而且跨越了年龄的界限，歌迷并不都是本地的大约有几千人来自其他国家。此时，在休息室Rain已经做好了准备，演唱会开始他一出场歌迷们都疯狂尖叫起来，Rain将向他们证明他是一位真真地歌手前所未有、独一无二。演唱会上的所有舞蹈包括Rain自己的都由他本人亲自编排，这些极具个人风格的招牌示舞步都是他的独创。
Rain：“我的舞蹈风格可以定义为‘自由’我用舞蹈表达我的内心世界，当我悲伤时你能从我的舞步中感受出来，当我快乐时也是一样。因为我在设计舞步的时候我会让自己跟随音乐的情绪，我记录下自己所有的想法然后从中选出最好的，这就是我的创作过程。从一开始我就是这么做的，我决定我自己舞台上的一切，这就是我所说的自由的舞蹈。”
这就是Rain亚洲巡回演出的第一站，这将是一次创造亚洲新传奇的演出
洪迪（香港环球唱片公司副总裁）：“我觉得现在亚洲地区他基本上已经是我觉得最近一两年没有人可以挑战他的地位，只要他能保持这个状态（未来）还可以更好，那他有什么办法可以冲出亚洲呢?我觉得真的要看他自己本身。我觉得他是有机会的因为语言的隔阂他是没有的，就比如我们现在去看一个两个钟头的演唱会，他可以完全说当地语言。”
歌星朴振英是他发现的Rain，Rain刚出道时是朴振英的伴舞。
Rain：“我参加了10到15次试演，人们在背后对我指指点点。虽然现在谁都说我长得帅，可那时他们说我的长相当不了伴舞，他们说我应该去割双眼皮或者整整容、声音也应该变得更好听诸如此类。但是我告诉他们我宁肯退出也不愿意去做整容手术，如果整容之后他们都认不出我了他们也会后悔的，就是在那个时候朴先生找到了我，我告诉他我的情况对他说我愿意付出最大的努力，于是他把我招致靡下。当其他人都对我置之不理的时候朴振英是唯一一个理解我的人。”
朴振英：“好的舞者和歌手到处都是他们都和Rain一样出色，不过我不是因为他舞跳得出色或是歌唱得好才看中他的，我喜欢从他眼睛里看到的那种坚定，对于试演他似乎是志在必得。我必须承认是他眼里流露出的某种东西吸引了我，很多年轻人跳舞唱歌都不错，但是大部分人过不了几年就消失了。这是一份艰苦的职业你必须具备极强的意志力才能坚持下去，我就是喜欢他这一点，他的眼中喷射着火焰。”Rain：“他说得对。”
（劲歌、热舞、火辣的身材、迷人的笑容、韩国当红艺人）
他是亚洲最炙手可热的超级青春偶像，所到之处都会掀起一阵不可抵挡的旋风！韩国当红艺人－－Rain郑智薰 2002年，20岁的Rain推出了首张个人专辑《坏男人》，这是他经过三年艰苦学习之后获得的首次重大突破。这三年中朴振英对他进行了近乎残酷的培训。这是一段可怕的日子但是Rain坚持到了最后。
Rain：“在那之前，我真正尝到了饥饿的滋味!我渴望改变，因为我真的在挨饿！我也是因为喜欢唱歌和跳舞才入这行的，刚开始的时候我一无所有还得了严重的皮肤病，我不想再过那样的日子。我还记得有一天，当我打开窗户看到一对幸福的情侣走过，现在回想起这一幕还觉得很心痛。别人对我说他们很担心我的健康，因为我工作起来太疯狂了根本没时间休息，一旦停下来，我就坐在那儿连续几个小时什么都不做胡思乱想着接下来的几天，或是几个小时该干些什么？我曾经一无所有、又挨饿受冻，现在虽然也很忙但真是好多了。”
出道三年之后，他登上了韩国流行乐坛的巅峰。此时此刻他情难自控泪洒当场〔Rain（哭着说）：“我妈妈现在在天堂里，三年前我曾经向她发誓－－我会为她赢得这个大奖；我要感谢我所有的歌迷是你们让我实现了自己的誓言；我还要感谢振英君，三年前当我还是个无名小卒的时候是他带我入行。”〕因为家里无力支付昂贵的治疗费用Rain的母亲因为糖尿病去世，这件事始终让他觉得非常心痛。
Rain：“妈妈去世之后我曾经发下誓，我很抱歉！因为她在世的时候，我什么也没为她做，所以我一定要为她赢得这个大奖。我对着她的照片起誓‘我一定会成为让她骄傲的儿子！’在我获奖的那一刻，我突然发现我是那么想她，我实现了自己的诺言我想我终于放下了心里最大的那块石头，然后我就完全控制不住哭了出来，对不起。”
2003年Rain出演了他的第一部电视剧
《尚道，上学去》，这个纵横歌坛和广告界的阳光大男孩将开始新的挑战。 人物-韩国人气小天王-Rain(下) 2003年在歌坛大获成功的Rain进军影视界，出演了他的第一部电视剧《尚道，上学去！》，Rain向人们证明他不仅仅有一副好嗓子。
Rain：“一开始我说要去拍《尚道，上学去！》的时候，我经纪公司里的所有人都反对。他们对我说我的第一张专辑做得非常好，以后的第二张第三张专辑肯定还会更出色。他们不理解为什么我想去拍电视剧，但是我告诉他们表演是我一直以来的心愿，我一定要去演！当时，我的歌迷们也反对我，他们对我的演技没有信心，有些人甚至说我只会在屏幕上一闪而过，然后就彻底消失。他们说这话的时候电视剧甚至还没开播呢！”
《浪漫满屋》另Rain的人气如日中天。观众和评论界对他的表演也是好评如潮，此剧为Rain的演艺事业奠定了坚实的基础。在他的第三部电视剧《这该死的爱》中Rain一改以往形象，出演一个街头猛男。在剧中他爱上了由申敏儿扮演的女明星，这场爱情以悲剧告终。Rain从备受追捧的明星帅哥，变成了一个不为世人所容的孤独浪子。
他出演的角色‘姜福九’是一个挣扎在爱恨情仇之间的男人，Rain侵尽全力展示演技，希望通过这部新剧确立自己性格演员的地位。拍摄通常要到凌晨五点才结束，他几乎每天都要干通宵，拍戏每天要占去20个小时，另外他还要抽出两个小时为亚洲巡回演出做准备，每天的休息时间只剩下两个小时。这样的作息时间规律表只有向Rain这么勤奋的人才能承受。
Rain：“我的座右铭是‘态度谦虚、全力以赴、坚忍不拔’我提醒自己如果我不努力工作我就会一无所有、就会被抛弃，不知道什么时候和我一样能唱会演的人就会出来，没人会提前通知你，新人随时都会出现也许就在明天。所以，如果他们睡觉的时候我还在工作和训练，如果我比任何人都做得更好，我就将是无可替代的！”
朴振英：“他从不懈怠、始终勤奋工作，这就是为什么他会一直红下去！说实话，我想如果他一直这样坚持下去他就不会落伍，除非有人比他还拼命否则他就不会过时。在这一行，总会有别人把你比下去不是你自己你就这样变成了过气明星，但如果有人想取代Rain的位置，他就得付出双倍的努力而这是不可能的因为Rain实在是太拼命了。”
对Rain来说2005年是忙碌和值得纪念的一年，在亚洲巡回演出期间他还要出席一个颁奖典礼，这是与他的拥护者们近距离接触得好机会。他到泰国是为了参加‘声援南亚慈善义演’和以往一样他一直排练到深夜，接下来他还要测试音响系统，他希望为钟爱他的泰国歌迷们献上一场最精彩的演唱会。演唱会开始了，全场一万五千名歌迷立刻被Rain的劲歌热舞所迷醉，每一个人都燃烧起来。泰国演唱会之后2005年5月Rain作为韩国歌首的代表来到日本参加‘日本MTV音乐录影带大奖颁奖礼’Rain不仅获得了大奖，而且还受邀进行现场表演，这是一份钟属于超级巨星的荣誉。在此之前还没有非日本籍的艺人得到过这样的殊荣Rain是第一个，在其它的亚洲国家Rain同样代表韩国横扫了所有MTV奖项。2005年12月这是Rain台湾演唱会上的一幕，在两个小时的演唱会过程中Rain一直说者中文！能够有如此的表现是因为他花了很多时间学习中文、英文、日语甚至泰语！这一切都是为了和他的广大歌迷更好的交流。巡回演出、训练、表演、外语课，他几乎没有片刻得休息时间。
Rain：“有时我会觉得寂寞，任何人都会有这样的时候，我的意思是说当我太想做一件事的时候，我就必须放弃一些别的东西这就是为什么我会觉得寂寞。我不能和朋友们或是我的女朋友出去聚会，离开我的经纪人我什么都不能做，因为不论我走到哪儿都会惹人注意。”
2005年3月Rain在东京出席了一场别开生面的歌迷见面会。Rain的歌迷会叫‘云’这个名字非常贴切，因为‘云’总是和‘雨’相伴相生的，他的日本歌迷们也组织了自己的日本‘云’。会上歌迷们甚至还表演了Rain自己的舞步，尽管舞姿差强人意但与其说
这是跳舞还不如说这是表达爱的一种方式。对Rain来说歌迷们的爱是他最最珍贵的，每当他感觉疲倦和压力的时候是这些歌迷让他继续坚持下去。 这2005年10月北京工人体育场外面的一幕，歌迷们在售票处外排起长龙不顾清晨的寒意来买晚上Rain演唱会的门票，歌迷对心中偶像的忠诚实在令人感动。演唱会现场安排了五千名武警维持秩序，这样的规模是史无前例的。工人体育场能够容纳四万名观众Rain是韩国第一个在这里举办个人演唱会的艺人，超过三万七千张门票售出这同时也创造了一个新的纪录。
Rain：“公司第一次告诉我说这是一场4万人的演唱会时，我问他们这可能吗？我真的怀疑会不会有那么多人来我的演唱会，而且不是在我的祖国不过他们对我说，你有足够多的歌迷。”
Rain的影响力已经覆盖了整个亚洲，他是亚洲人为自己创造的一个传奇。他希望凭借流行文化将亚洲人凝聚在一起，他在舞台上倡导并传播着这一坚定的信念。 Rain：“我确信亚洲人可以领跑世界娱乐市场，我真的希望韩国、日本、中国以及亚洲其他国家的艺人能够尽快团结起来，打造一个世界级的文化基地，我想成为这个团体的领袖之一。这也是我和美国艺术家一起工作的原因，我要和他们建立联系同时努力使自己达到他们的水平。”
在美国的时候Rain拜访了朴振英，他现在已经是一位成功的音乐制作人。
Rain：“振英君今天要给我买一张CD，这张专辑的第八首歌是他制作的。你看这儿，威尔－史密斯金曲榜第四名，了不起！”
朴振英：“我的目标是让的Rain专辑摆上美国音像店的CD架。”
任何一个艺人相打入美国流行乐坛都是极其困难的，对一个亚洲人来说就更是难上加难，即使是像Rain这样的亚洲巨星也不例外。但是为了他朴振英使出了浑身解数在亚洲艺人和美国乐坛之间搭建起一座桥梁，是朴振英的梦想和终身的目标。
朴振英：“我就是忍不住要去美国，美国流行音乐对我的吸引力实在是太大了，在美国我当不了歌手但是音乐超越了国界，超越了肤色。所以我选择写歌，这不是因为和唱歌相比我更喜欢写歌而是因为我有一种使命感，我要为亚洲音乐和歌手进军美国乐坛的桥头堡，让他们进展得更顺利一些，这就像一项使命是我个人心中的圣杯。”
现在他的努力已经开花结果，2006年2月2日在有‘世界音乐中心’之称的美国纽约麦迪逊广场花园，Rain成为首位在此成功举办演唱会的亚洲明星。
Rain：“曾经有人对我说‘我是韩国的骄傲和快乐’，我肯定他这么说是有原因的不过听到这样的评价，我真的很高兴。当一个外国游客问他身边的韩国人知不知道Rain，他们也许会带着自豪感说‘Rain就是韩国人’就是这样的事推动着我不断前进，我希望这样的事经常发生。如果把我列在一个歌手的名单上，我希望那上面会写着－－Rain 勤奋的艺人。我真的发现当我付出自己最大的努力时，人们都会看在眼里，我真的希望人们会记得我是一个努力工作，为他们带去快乐的歌手，一个用自己的真心唱歌的歌手。” 韩国当红艺人－－Rain郑智薰（劲歌、热舞、火辣的身材、迷人的笑容、韩国当红艺人）
他是亚洲最炙手可热的超级青春偶像，所到之处都会掀起一阵不可抵挡的旋风！韩国当红艺人－－Rain郑智薰 24岁的韩国小天王Rain是横扫亚洲歌坛、影视和广告届的超级巨星。他只出了三张专辑就获奖无数，并成为首位拿下MTV亚洲三大奖项；他只拍过三部电视剧就成为了风靡亚洲的超级青春偶像。
Rain：“《浪漫满屋》的确让我踏上了进入亚洲市场的道路。”
洪迪（香港环球唱片公司副总裁）：“我觉得最近一两年没有人可以挑战他的地位” 他的名字已经超越亚洲－－‘美国《时代周刊》2006年度全球最具影响力100人’Rain是第一个被选定的韩国艺人。
鲁迪－拜德诺（美国ABC电视台制片人）“他是横跨东西方文化的具有强大实力的人，我认为Rain就是未来”但这一切对于他来说并非唾手可得。
Rain：“我曾经一无所有、又挨饿受冻，现在虽然也很忙但真是好多了。”
朴振英（音乐制作人）：“如果说有人想取代Rain的位置，他就的付出双倍的努力而这是不可能的，因为Rain实在是太拼命了。” Rain原名郑智薰，因为喜欢下雨天也因为眼睛里总是流露出忧郁悲伤的神情，所以他选择了‘雨’这个名字，1982年6月25日Rain出生在韩国汉城一个普通的家庭里。
Rain：“我小时候很内向很孤僻，对音乐和舞蹈也知道得很少，上小学六年极的时候没有人愿意参加才艺表演，于是我决定试试。当观众对我热烈鼓掌的时候我感觉好极了，从那以后我就开始学习舞蹈。”
舞蹈成了Rain最热钟的事情，高中时他和几个同样热爱舞蹈的孩子组成了FANCLUB组合。1997年10月席卷亚洲的经融危机登录韩国无数企业破产倒闭，几年的时间里Rain的父亲的生意连连遭遇失败不得不远走巴西，一直身患糖尿病的母亲承担起了家庭的全部责任。
Rain：“在我的生命中，母亲占据着重要的位置，母子之间的感情很深，那段时间我正准备参加高考，母亲的健康状况越来越遭她开始加倍地督促我，而我当时正处在叛逆期所有这些导致我们之间变得很紧张。我们不太说话，关系很疏远，在考试之前通常都会收到一种传统的韩国糖果，母亲给我买了这种糖果，连着一封信一起交给了我，在信中她说她很抱歉。当我读到这封信的时候我的心碎了，但我们还是不怎么说话，几个月以后她就去世了。”
这年是2000年17岁的Rain失去了母亲，也是在这一年他遇到了一个人，他的生活从此改变。（2001年Rain为歌星朴振英担任伴舞）韩国R&B教父金牌音乐制作人朴振英是他发现Rain，Rain刚出道时是朴振英的伴舞。
Rain：“我参加了10到15次试演，人们在背后对我指指点点。虽然现在谁都说我长得帅，可那时他们说我的长相当不了伴舞，他们说我应该去割双眼皮或者整整容、声音也应该变得更好听诸如此类。但是我告诉他们我宁肯退出也不愿意去做整容手术，如果整容之后他们都认不出我了他们也会后悔的，就是在那个时候朴先生找到了我，我告诉他我的情况对他说我愿意付出最大的努力，于是他把我招致靡下。当其他人都对我置之不理的时候朴振英是唯一一个理解我的人。”
朴振英：“好的舞者和歌手到处都是他们都和Rain一样出色，不过我不是因为他舞跳得出色或是歌唱得好才看中他的，我喜欢从他眼睛里看到的那种坚定，对于试演他似乎是志在必得。我必须承认是他眼里流露出的某种东西吸引了我，很多年轻人跳舞唱歌都不错，但是大部分人过不了几年就消失了。这是一份艰苦的职业你必须具备极强的意志力才能坚持下去，我就是喜欢他这一点，他的眼中喷射着火焰。”
金泰宇（韩国GOD演唱组合成员）：“初次见到他，就好像挨饿的老虎一样眼睛里带着杀气，‘如果给我一次机会你们就都死定了’就是这种感觉吧。”
Rain：“在那之前，我真正尝到了饥饿的滋味!我渴望改变，因为我真的在挨饿！我也是因为喜欢唱歌和跳舞才入这行的，刚开始的时候我一无所有还得了严重的皮肤病，我不想再过那样的日子。我还记得有一天，当我打开窗户看到一对幸福的情侣走过，现在回想起这一幕还觉得很心痛。别人对我说他们很担心我的健康，因为我工作起来太疯狂了根本没时间休息，一旦停下来，我就坐在那儿连续几个小时什么都不做胡思乱想着接下来的几天，或是几个小时该干些什么？”
Rain进入朴振英的公司当了一名实习生开始了两年的艰苦训练。
Rain：“训练的时候振英哥让我站在他面前，对我说‘唱歌、再唱、再唱’。挨他打的时候我真的很伤心，当时窗外正下着雨，我看着窗外，他说‘再做一次’我的呼吸都困难了。他又说‘为什么哭？你做得好吗?’我说‘不是的，做得不好我再做一次。’然后就再继续。”
朴振英：“我一般不夸人，他即使做得好我也不会对他说做得好，如果夸奖他的话他可能就不再练习了。”
Rain：“有一次，我正在休息室振英哥突然让我带着录音机过来，让我当着很多歌手的面唱首歌。他们都知道我要出专辑，所以我才不想唱、很不好意思，但那时候振英哥的话对我来说就是圣旨，他让我干什么我就干什么。我虽然唱了，但是真的很丢脸，回家后就哇哇地哭了。现在想想，正因为当时的振英哥让我经历了那些场面，所以现在及使遇到更大的考验我也能经受得住。”
2002年经过两年的残酷训练20岁的Rain终于推出了个人首张专辑《坏男人》，同名主打歌由朴振英亲自操刀为他量身定做，此曲的MV在韩国汉城和澳大利亚的一个内部监狱实景拍摄耗资高达200万美元。
朴振英：“第一张专辑最重要的就是舞蹈、歌曲、外貌都达到了一定的水准，他跳得好、唱得好、还长得帅。”
《坏男人》为Rain成为韩国新一代‘舞王’奠定了基础。2003年10月Rain推出第二张专辑《躲避太阳的方法》展现出了另一种柔美的气质。
朴振英：“第二张专辑他能以抒情的曲调传达情感，把本人的悲伤和感情表现出来。”
李何能（韩国DJ DOC组合歌手）：“我觉得Rain的演出无论是舞蹈还是歌唱，整体上来看都让我感觉非常好。”
同名主打歌《躲避太阳的方法》连续三个月蝉联韩国排行榜冠军，专辑销量达120万张，这对于音乐市场只有日本十分之一的韩国乐坛来说是一个惊人的数字，Rain一举囊括了2002、2003年度韩国几乎所有的音乐新人大奖。2004年出道三年之后，Rain凭借第三张专辑《呼风唤雨》登上了韩国流行乐坛的巅峰，他终于等到了这一天。〔Rain（哭着说）：“我妈妈现在在天堂里，三年前我曾经向她发誓－－我会为她赢得这个大奖；我要感谢我所有的歌迷是你们让我实现了自己的誓言；我还要感谢振英君，三年前当我还是个无名小卒的时候是他带我入行。”〕
Rain：“妈妈去世之后我曾经发下誓，我很抱歉！因为她在世的时候，我什么也没为她做，所以我一定要为她赢得这个大奖。我对着她的照片起誓‘我一定会成为让她骄傲的儿子！’在我获奖的那一刻，我突然发现我是那么想她，我实现了自己的诺言我想我终于放下了心里最大的那块石头，然后我就完全控制不住哭了出来，对不起。”
Rain完成了从韩国乐坛新人王到小天王得飞跃，但他还有更大的目标。2004年Rain和女星宋慧乔搭档出演偶像剧《浪漫满屋》。《浪漫满屋》改编自畅销漫画基调轻松阳光，这在韩剧悲情戏泛滥，现代偶像剧稀缺的2004年它得出现堪称一匹黑马。此剧在十三个亚洲国家的电视台播出，平均收视率超过50％。虽然这只是Rain出演的第二部连续剧，但他亲切自然的表演立刻征服了大批观众，影迷加上歌迷Rain的人气一时如日中天。
Rain：“我从没见过那么多人在机场等我大概有三四千人之多。”
JungWook(JYP娱乐公司首席执行官）：“我的电话都几乎被打爆了，我平均每天要接到各地Rain迷的三四百个电话和四五百封电子邮件。”
在他的第三部电视剧《这该死的爱》中Rain一改以往形象，出演一个街头猛男。
Rain：“在这部电视剧里你会看到我全新的一面。”
在剧中他要向背叛了哥哥的女人复仇最后却爱上了她，这场爱情以悲剧告终。
Rain：“是一个很有挑战性的角色，这个人物有着两面性。”
Rain侵尽全力展示演技，希望通过这部新剧确立自己性格演员的地位。拍摄通常要到凌晨五点才告结束，他几乎每天都要干个通宵，拍电视剧每天要占去20个小时，另外他还要抽出两个小时为亚洲巡回演出做准备，每天的休息时间只剩下两个小时。
Rain：“我的座右铭是‘不断地谦虚、不断地努力、不断地忍耐’我提醒自己如果我不努力工作我就会一无所有、就会被抛弃。”
朴振英：“说实话，我想如果他一直这样坚持下去他就不会落伍，除非有人比他还拼命否则他就不会过时。在这一行，总会有别人把你比下去不是你自己你就这样变成了过气明星，但如果有人想取代Rain的位置，他就得付出双倍的努力而这是不可能的因为Rain实在是太拼命了。”
（火辣的身材、迷人的笑容、韩国当红艺人）
他是亚洲最炙手可热的超级青春偶像，所到之处都会掀起一阵不可抵挡的旋风韩国当红艺人－－Rain郑智薰 2005年1月Rain的魅力雨遍亚洲巡回演唱会在韩国汉城奥林匹克公园开场，这是他的首次个人演唱会。演唱会上的所有舞蹈包括Rain自己的都由他本人亲自编排，这些极具个人风格的招牌示舞步都是他的独创。
Rain：“我的舞蹈风格可以定义为‘自由’我用舞蹈表达我的内心世界，
当我悲伤时你能从我的舞步中感受出来，当我快乐时也是一样。因为我在设计舞步的时候我会让自己跟随音乐的情绪，我记录下自己所有的想法然后从中选出最好的，这就是我的创作过程。从一开始我就是这么做的，我决定我自己舞台上的一切，这就是我所说的自由的舞蹈。” 郑圣拓（JYP娱乐公司编舞队队长）：“Rain看了很多演唱会后说‘这样做、这样做’他编出动作然后教给我们，经过整理之后再演出经常是这样。”
对Rain来说2005年是忙碌和值得纪念的一年，“魅力雨遍亚洲巡回演唱会”在中日韩三国连续持演8场观众人数
总计达到十五万人。 “我觉得现在亚洲地区他基本上已经是我觉得最近一两年没有人可以挑战他的地位，只要他能保持这个状态（未来）还可以更好”Rain的影响力已经覆盖了整个亚洲但他还有更大的目标。
Rain：“我确信亚洲人可以领跑世界娱乐市场，我真的希望韩国、日本、中国以及亚洲其他国家的艺人能够尽快团结起来，打造一个世界级的文化基地，我想成为这个团体的领袖之一。”
2006年2月2日“魅力雨遍演唱会”登陆有‘世界音乐中心’之称的美国纽约麦迪逊广场花园。Rain成为首位在这里成功举办演唱会的亚洲明星。4月Rain入选美国《时代周刊》全球年度最具影响力100人。
吹牛老爹（美国著名说唱歌手）：“是的，我上次看了他在麦迪逊花园的演唱会真的是感到亚洲和美国的文化好像没有界限。”
鲁迪－拜德诺（美国ABC电视台制片人）“他是横跨东西方文化的具有强大实力的人，我认为Rain就是未来。”
Rain：“曾经有人对我说‘我是韩国的骄傲和快乐’，我肯定他这么说是有原因的不过听到这样的评价，我真的很高兴。当一个外国游客问他身边的韩国人知不知道Rain，他们也许会带着自豪感说‘Rain就是韩国人’就是这样的事推动着我不断前进，我希望这样的事经常发生。如果把我列在一个歌手的名单上，我希望那上面会写着－－Rain 勤奋的艺人。我真的发现当我付出自己最大的努力时，人们都会看在眼里，我真的希望人们会记得我是一个努力工作，为他们带去快乐的歌手，一个用自己的真心唱歌的歌手。”
莱昂纳多/马特·达蒙：硬币扔出的黑白道 一个改编自香港电影的美国商业片会有什么作为呢？《无间道风云》给了一个极好的回答：自从10月6日在美国上映以来，不仅票房无敌，而且口碑极佳，不仅在影迷网站IMDB上排名进入前60，更被诸多影评人认为是导演马丁·斯科塞斯继《四海好家伙》以来最狠、最酷的电影。目前该片在美国本土的票房直逼1亿美元，全球票房也有1.3亿之多。作为本片的两大主演，马特·达蒙和莱昂纳多·迪卡普里奥自然也功不可没，他们有话要说。
1 “澡堂会”决定出演 记者：你们俩是怎么决定拍这部电影的？ 达蒙：制片人布拉德·皮特、莱昂纳多和我有一次一块去澡堂子。我想在那时一切都萌芽了，这是个重要的…… 布拉德来找我因为他的公司和这个项目有联系，我第一次听说这个项目是因为布拉德，这对我来说就像梦幻中的梦幻。“嗨，你听说马丁·斯科塞斯正在导演一部关于波士顿的片子。”然后我就拿到了一份剧本的拷贝，非常喜欢它，我回到纽约后就会见了马丁。但我觉得在这之前我已经同意拍这部片子。但是多数这样的事都取决于两方的见面。“好吧，我们应该见面并且讨论这部片子。”我甚至没有考虑过要冷静地想这件事。 迪卡普里奥：在接到剧本之前我从未和布拉德·皮特谈过。我接到了剧本，这是部丝丝入扣、以一种非常复杂的方式写成的剧本，这种剧本非常少见，我必须说在这一行里很少有一部剧本放在你的膝头，你感觉它能行，这部剧本属于这种少见的情况。这部剧本里充满了两面派的人物、情报、假情报、情节逆转。你知道，最终这一切都汇集在一个在这一行里很少见的令人满意的结局里。后来我和马丁讨论了这件事，这其实是一件不用讨论的事，他真的想拍这部片子，我也真的想拍这部片子。 记者：莱昂纳多，说说斯科塞斯，他是作为一个人，还是作为一个导演吸引你跟他一起拍电影？ 迪卡普里奥：我是他作品的粉丝，头号的。我想真实的情况是，我开始想要和马丁一起工作的时候是在和罗伯特·德尼罗一起演《这个男孩的生活》（This Boy''s Life，1994年）的时候，我开始熟悉德尼罗的作品，很显然这就意味着熟悉斯科塞斯的作品。所以我在很小的时候就已经是马丁作品的粉丝了。如果你问我开始时最想和谁合作，我的回答就是这个人。我有幸在2000年和他合作了《纽约黑帮》。这件事让我最兴奋的是可以有一起工作的好时光，而且我们对于电影有着相同的口味。在他的电影获得在电影史上和在影院中的显赫地位的同时，他肯定扩大了我的演艺类型，这确实提升了我作为一个演员的档次，所以我把斯科塞斯当成人生导师。 2 扔硬币分定角色 记者：你们对香港的原版《无间道》熟悉吗？对扮演你们片中角色的梁朝伟和刘德华熟悉吗？ 迪卡普里奥：是的，我的意思是我们都看过这部片子，我们都喜欢这部片子，但我觉得我们一定要在一定距离上和这部片子分离开。没错，我们的片子的故事结构和原片类似，但和他们讲述的“地下世界”完全不同。这部电影讲述波士顿的爱尔兰黑帮。我们很早就看过香港版，但我们不得不忘记很多这部片子里的元素，因为我们知道我们必须要创造一部全新的电影。 达蒙：好吧，我只能做莱昂纳多的“回声”了。我爱那部香港电影，我想它很神奇。我也爱那些香港演员。但这部片子讲的是如此不同的一种文化，更何况波士顿的文化在美国都是独特的。我们的故事结构使用香港电影的，但是编剧基于波士顿的特殊性创造了一个完全不同的世界。 记者：最终你们俩是怎么分谁演哪个人的？ 达蒙：我们真的扔了硬币，我就是靠它决定的。我和莱昂纳多都认为这是些了不起的角色。我可以替莱昂纳多说，我们都会为演其中任何一个感到开心，所以我们就靠扔硬币决定了。最终的结果真是不错，现在我已经无法想象扮演另一个人。像这样的大投资电影很少会有这么有趣的角色。一般来说投资越大，人物就越无趣，但实际上我们都能演上有趣的角色，这真得感谢比尔·莫纳罕的剧本。有那么多事可以做，让你每天的工作都很棒，然后我们又到处听说这个导演拍了一部好片子，所以…… 迪卡普里奥：我百分百同意马特的话。这两个人物在很多方面都是硬币的两面。他们有不同的背景，他们很容易选择另一个人选择的路，一切都依赖于环境影响。事情差不多就是这样的。 达蒙：我还想演维拉·法米加（Vera Farmiga，扮演两个男主角共同的恋人）的角色。 迪卡普里奥：我想演杰克·尼科尔森（扮演黑帮头子）的角色。 3 杰克把我们吓着了 记者：和杰克·尼科尔森一起工作怎么样？ 迪卡曾里奥：就像大家对杰克一贯的期待，我们可以说是“期待着意外”。我知道如果让杰克·尼科尔森参加马丁·斯科塞斯的电影，演一个黑帮分子肯定是很多影迷期待的。有一个场景我记得特别清楚，我们以一种方式拍了这场戏，我记得杰克马上找马丁谈话，他说他觉得他在这场戏中“不够咄咄逼人”。 这是一场会议桌的戏，这是作为演员我在人生中印象最深的事件之一。我们开始用一种方式拍这场戏，第二天我来的时候道具师告诉我：“小心点，他拿了一个灭火口、一枝手枪、一些火柴，还有一瓶威士忌。所以你知道，他做的事有的出现在电影里，有的没有。对我来说，作为一个演员，我觉得这并不是非常必要的。 我们都是职业演员，我们都要扮演角色，但是这回真的找到了角色的感觉———想想看，如果我告诉他们我的真实身份他们就会把你的脑袋打飞，而且桌子对面坐着一个可能会把你点着的家伙，这真是24小时不停的恐慌呀！ 这给作为演员的你一种——我不想说是恐惧感，而是一种作为角色的真正内驱力，它彻底地改变了场景的走向。 达蒙：我们有很多“杰克故事”。第一天我和他一起工作的时候，他已经和莱昂纳多演了一周的戏了。我想我们都知道如果让他上场他会抓住角色的脉络，然后让自己自由发挥，我们每天走到片场的时候都会做好准备看他有什么新花样。他在场的时间并不多，拍完自己的戏就走人，他出场的戏都是电影中最紧张的场面，作为一个人，这些场面我永远不会忘记。 迪卡普里奥：我不知道杰克做了多少研究，或者一切都靠直觉，或者他的工作过程是什么样的，但我发现他总能致力于让角色可信，并且把一切都推向极限，他真是这么做的。肯定有一些东西没有最终被剪进片子里，但看他为角色做了多少思考，他把多少思考投入到角色里，为了让角色可信他会做多少事。 4 上街参加“踹门行动” 记者：你们能讲讲你们的成长背景中的暴力，你们是如何用它来塑造角色的？ 迪卡普里奥：我想我对暴力的了解是通过看马丁·斯科塞斯的电影，对不起，我对暴力的威胁不是很熟悉，但它却是你要作为演员要演的东西。如果你不能从真实生活的经验中找出东西，你可以去见做过这类事的人，我的另一个步骤是去波士顿———我之前从没去过那儿———去了解波士顿的亚文化，见一些经历过上世纪80年代真实生活的人，但我真想见的是那些从南波士顿来的人。 我在洛杉矶见了一个人，花了很长时间和他在一起，他告诉我很多关于街头暴力的故事，波士顿真是一个有趣的地方，因为每个人都知道别人是做什么买卖的。这里就像一个微型宇宙，人们的生活交织在一起，他们都有着彼此重叠的故事。 达蒙：在成长过程中，我不是很爱打架的人，我看到了很多暴力事件，但可能并不比其他在城市里长大的孩子多。所以我不能说我有着暴力的经历。有趣的是我的妈妈是一个儿童问题教授，她特别善于用非暴力的方式解决问题。我在电影里看到很多暴力，尤其是无缘由的暴力，我总是小心不做任何那样的事。但是在这部电影里的暴力没有一件是无缘由的，而且每个角色都为他们的暴力行为付出了代价。我觉得这对那些应该付出代价的人是有价值的信息。 迪卡曾里奥：我想马特说得对。不管我们成长在哪里，我们都会通过一种或另一种方式经历暴力。我们有一个很好的技术顾问，他名叫汤姆·杜菲，他在电影制作的全过程一直在那里，他知道波士顿的全部历史，知道街道是什么样的，而且那些警察给了我们难以置信的建议。那些警察有时候来剧组，但是马特好像参加了他们的“踹门”行动，是不是，马特？ 达蒙：亲自参加行动，是的，真是了不起的经历。你看过迈克尔·J·福克斯主演的电影《强硬行动》（The Hard Way）吗？我和片子的主角一样。他们真的给我一件防弹背心，让我站在队列的最后一个。我们一起打破大门。我跟他们说：“嗨，伙计，能给我一枝枪吗？”他们会说：“当然不成，闭嘴！”莱昂纳多接触了很多街上的人，而我接触最多的是警察，这使我得以对警察的“亚文化”有所了解。到街上做调查很有意思，因为一进片场，秒表就开始转，你会感到压力很大，但做街头调查你完全可以自己制定步调。比如说“踹门行动”吧。 我知道我没有真正的危险，他们每次行动对全体警察和每个警察的生命安全都考虑再三，我站在队伍的最后一个而且我有防弹背心，直到他们扫清屋里的敌人后我才会进去，但我可以看见行动的过程，这对了解剧中角色成长的暴力环境非常有用。马丁导演总是告诉我们拍任何片子都要有真实感，不能让人觉得是“假的”。所以他的电影中用很多真实人物出演，并且让演员接触这些真实人生，这样演员才会理解他们扮演的人物。最终，他的电影是一个巨大的魔术，如果你离开了角色，就不会做好你的工作。（来源：新京报） 马基迪：像个观众一样被《小鞋子》感动
1959年出生于德黑兰，是伊朗当代最著名的电影导演之一。14岁起即在业余剧团中表演，后加入了政府伊斯兰文化指导部的艺术部门，参演过许多伊朗电影。其中他最重要的经历就是在另一位伊朗著名导演马克马巴夫的多部作品中担任主角。 而马克马巴夫对于乡野传奇近乎天马行空的想像力，以及擅于利用影像制造出强烈戏剧张力的手法，对于日后虽然投身于极简风格的马基迪，在叙事方法上也有很大的影响。 1991年马基迪拍摄了第一部剧情片《手足情深》，戛纳电影节导演双周单元放映。1996年他执导的《父亲》一片在若干影展上获奖。1998年，他先是以《小鞋子》入围了奥斯卡最佳外语片，最终惜败于《美丽人生》，但在美国取得百万美元的票房，创下伊朗电影在美国的票房纪录。随后《天堂的颜色》再次在各个影展上备受好评，并在美国拿下170万美元的票房，成为票房保证的“伊朗之光”。他还在2001年和2005年分别执导了《巴伦》和《风吹柳树静》。
记者：《小鞋子》是你最喜欢的一部作品吗？ 马基德·马基迪：我一共拍了六部长片，《小鞋子》是第三部。虽然在喜好上我无法取舍，但是《小鞋子》的确是我比较特别的一部作品。其实《小鞋子》在国内公映时并没有引起重视，评论界认为这是一部拍摄手法和叙事都很平淡的影片。但是之后影片在国际上拿到很多奖项，当获得奥斯卡最佳外语片提名的时候，国内的舆论也随之高涨，在它是一部好电影还是一部坏电影之间有着激烈的争论。 但是无论如何，我因为这部作品而受到关注，在世界影坛也引起了很大反响。 记者：还记得创作《小鞋子》时的情景吗？ 马基德·马基迪：《小鞋子》是真人真事带给我的创作灵感，只不过我把现实中的兄弟俩同穿一双鞋改成了兄妹。影片我想表达的是贫穷之外的另一种意境：孩子是如何去面对和理解贫穷的。我想最终我找到的答案是，再苦再穷的人都有希望和光芒，他们其实是非常乐观的。此外，这部电影里也包含了我对儿时生活的一种怀旧，我曾在影片中的那种环境里生活过，非常熟悉，也非常难忘。 记者：这次又与北京的观众一起重温了《小鞋子》，看完后有什么特别的感受吗？ 马基德·马基迪：很奇妙。十年前我拍这部电影的时候有10万美元的投资，虽然在拍摄时我内心有一股力量和激情在不停地推动着我，但还是要考虑不要超支等很多问题，无法从客观的角度来对待这部电影。 如今我却可以像一个普通观众一样，被影片的细节、情绪所感动。 记者：新加坡导演梁智强曾把《小鞋子》拍成了《跑吧，孩子》，其剧情完全照搬，他在拍之前与你打招呼了吗？ 马基德·马基迪：他们的确和我说过，不过我当时提出的要求就是要保留原著的风格。尽管他们做得很努力，但是我对出来的效果并不满意。 记者：你为何对儿童题材如此感兴趣？ 马基德·马基迪：我从十几岁的时候就开始表演，但是一个孩子和一个成人的感受是完全不一样的。成人可能因为当了演员而有意地改变自己，但是孩子是没有那么多包袱的，他们的世界是很纯净和美丽的。儿时的很多记忆都是十分让人难忘的，所以在我当了导演之后，就想用自己的方式来讲述自己的一些经历，讲述孩子们的世界。 记者：伊朗电影的现状如何？ 马基德·马基迪：伊朗每年会制作拍摄80到90部电影，共分为三类。一类是商业片，大约占到60部左右；一类是政府组织拍摄的影片，拍这种电影的导演都是政府钦点的；还有一类是独立电影人，占到10部到15部，主要会在国外参赛参展和上映。 记者：众所周知，伊朗电影的审查制度是非常严格的，选择拍摄儿童题材的影片是否也是因为受到了这方面的限制？ 马基德·马基迪：的确有这方面的原因，但这并非主要原因。伊朗约有7500万人口，但是百分之六十到七十的人口年龄在30岁以下，所以拍儿童片也是因为有大量的观众群体。 看过中国古装大片但没什么印象 记者：你的电影多追求一种纪实风格，在拍摄中有没有刻意回避阴暗的一面？ 马基德·马基迪：我试图让影片能够还原真实的生活状态，所以我喜欢用多机位同时拍摄，喜欢用非职业演员。《小鞋子》在蒙特利尔影展上获得成功后，有一位加拿大人买了很多双鞋子，让我转交给小阿里，他认为这都是真实的。但是所谓的阴暗面我并没有刻意回避，《小鞋子》里兄妹两人同穿一双鞋还不足以表现他们的贫穷吗？但是孩子的视角和成人是有区别的，他们不会因为贫穷而觉得低别人一等，也会对穷人一样富有同情心。关键是他们的快乐是简单而不含杂质的，他们的乐观也不是做作出来的，否则观众也不会被感动。 记者：就影片类型和来自的国家而言，你的电影在美国的票房相当高，你如何看待美国或者说好莱坞电影在当今的影响和地位？ 马基德·马基迪：好莱坞电影模式有它的特点，关键是你怎么看待。只看中电影投入多少是对电影业的一种损害，从这个角度来说，好莱坞电影是一种病毒。虽然伊朗电影在世界上并不算强势，但是他的成功之处就在于可以抵制好莱坞大片对本土的侵袭。当我了解到中国有十几亿人口，每年的电影产量仅有200多部的时候，还是非常担心的，好莱坞电影对中国电影的冲击很大，在我看来中国应该每年至少有1000部的电影产量，希望这一局面能在今后得到改善。 记者：那你如何看待欧洲国家的电影，比如法国的？ 马基德·马基迪：我们现在是在中国，要谈就要说中国电影和中国导演，一个伊朗导演在这里说法国电影似乎不太合适。 记者：你对中国电影有了解吗，近年的中国古装大片你看过吗？ 马基德·马基迪：近年的中国大片我的确看过几部，好像是古装片吧，我并不能确定是哪一部，总之是没有太大的印象。这也是我第一次来北京，希望可以通过这个活动了解更多的中国电影。 记者：这次为北京拍摄“奥运北京”宣传短片，将会从哪个角度来表现北京？ 马基德·马基迪：除了表现北京古老传统文化的建筑之外，我对北京的胡同很感兴趣，因为在这里我竟然找到了拍《小鞋子》时的感受，这些胡同与片子里的场景十分相似，让我感觉非常亲切。此外，北京人让我看到了一种积极向上的生活态度。我向一个老人询问，他胳膊上的红袖标是用来做什么，他告诉我他在维护治安。这个回答让我惊诧不已，因为在其他国家，老年人都是被遗忘的群体。从这一点上就可以了解中国为何可以在这么短的时间里让世人关注。这次短片我依旧会以一个孩子的视角来看现在的北京，至于到底怎么来讲这个故事，我想在拍完播映之后再和大家探讨这个问题。 ■记者手记 在我N次看伊朗影片《小鞋子》的经历中，这次的观影表现最不集中。因为影片导演马基德·马基迪就坐在观众中间，我总是忍不住回头去看他的反映。我想在近10年间，他已经不是第一次享受观众在看片过程中多次爆以发自内心的掌声了，不过难得的是，他却像第一次看这部电影的普通观众，为主人公的命运皱眉，因片中的幽默细节而开怀大笑。伊朗有着几乎是世界上最严格的电影审查制度，或许我们的电影人更应该向这位导演学习该如何去突破，而不是一味地抱怨。 令我感到遗憾的是，交流环节并没有像影片本身那样令人激动，可能是主办方要求只能通过纸条来提问题吧，现场的气氛不但没有交流起来，甚至还有些沉闷。原本是邀请张杨与马基迪对话的，但是这位伊朗导演并不认识张杨，对中国电影更是不熟悉，无奈张杨也只好充当了念纸条的“特别嘉宾”。（来源：新京报，采写/记者孙琳琳 摄影/记者郭延冰） 安意如：人生若只如初见
前不久，一本名为《人生若只如初见》的古诗词赏析书悄然走红书市，在今年下半年创下在卓越网连续一个月高居销售榜冠军，而作者安意如随后的第二本书《当时只道是寻常》也创下销售佳绩。一直没有怎么做宣传的安意如，上周日终于带着自己“浪漫古典情”系列的第三本书———《思无邪》出现在了公众面前。 《思无邪》延续过去风格 《思无邪》中选择了40余篇诗经中的文章进行解读，以“国风”为主，深入还原了诗经面目，大气而活泼的同时也延续了《人生若只如初见》和《当时只道是寻常》两本书的清新自在。对于《人生若只如初见》的热销，安意如和出版方都颇感意外，没做什么宣传却火了。安意如自己说，希望能够把古典诗词融入现代社会，目前所流行的复古风潮不应该是一味复古，应该在古今之中找到共通。她认为自己所选择的解读古典诗词的方法没有错，惟一需要的只是让文笔更收敛。
有褒奖自然也有质疑，不少网友甚至是业内人士认为，安意如的书中有不少内伤。将“谁念秋风独自凉”写成了“谁念西风独自凉”：“泪眼问花花不语，乱红飞过秋千去。”这首欧阳修的词被张冠李戴给了晏几道，“这是不可能的，如果真的写错了，那肯定是无心的硬伤。”她有些惊讶，“不要说像我这样这么喜欢晏几道的人，就是稍有涉猎的人也不会犯这样的错误。”还有《哭李商隐》中的“虚负凌云万丈才，一生襟抱未曾开”十四个字错了三个等等。 对于这些质疑，安意如首先说出了个别字眼自己的理解，比如在用“西风”还是“秋风”的问题上，安意如说诗词在流传下来时，会出现不同的版本，而自己根据对诗词的理解，认为“西风”更为适合。对于另外的一些错误，她表示，这都是硬伤，是自己马虎所致，再版时会注意，但绝对不是因为自己不知道、知识储备不足而出错。 不过也有人认为，那些不熟悉古诗词的读者，很容易受到这些错误的误导。 ■人物名片 安意如：自由写作者，出生于1984年6月20日，双子座A型血。自幼喜爱古典诗词，2003年，以网名如冰恋枫混迹于新浪金庸客栈；2005年，出版传记文学《看张·爱玲画语》；2006年8月，出版文学随笔《人生若只如初见》；2006年8月，出版随笔《当时只道是寻常》；2006年10月，出版文学随笔《思无邪》。喜欢变换不同城市居住，现在旅居云南。
“我觉得年少成名其实很有好处” 关于生活 她问自己安能如意 安意如是她的笔名，她本姓张，名字也很是普通，早前在网上的笔名叫如冰恋枫，早一批的粉丝和网友都喜欢叫她冰冰。安意如是2004年起的，选择姓安是因为她觉得这个字能表现她对生活的向往与态度———安定、安宁，即使现在尚在漂泊，她的内心也要寻求这样的感觉。而安在古语中有表示疑问的意思，“安能”就是怎样能，安能如意，怎样才能如意呢？这种闲情逸致也正是她对很多东西的看法，“安”当中既有确定也有不确定的因素在其中。将如意翻过来变成意如，只因觉得安如意太过俗气。 是先天性脑瘫，小脑运动神经有问题，你看她在那里坐着没什么，但是走起路就不平稳，大脑不能很好地支配身体。和她接触，你只能感觉到自内而外所散发的开朗和自信，于是忍不住要问真的没有自卑过吗？”自卑的感觉其实存在于内心，后来伤口渐渐淡了。你知道它存在，但已经不会有什么影响。”她并不避讳回答这样的问题，但她也强调，并不希望因为身体异于常人，就借此搏出位。 关于写作 没受过张爱玲影响，不愿与安妮宝贝比较 虽然写了《看张》这本书，但她却并不认为自己是一个纯粹的张爱玲迷，“我觉得我在写作上也没有受张爱玲的什么影响，反倒是受她的丈夫胡兰成的影响更深”。相比之下，她倒是更认同张爱玲的做人原则，她通过自己的心去理解张爱玲为什么有些行为与众不同。“如果说我和张有什么相似点，那恐怕是年少时都缺少了一些东西。我是身体不好，她是被家庭压抑，不过我觉得真正能写出好文章的人，一定是内心受过压抑的人。”更多的人喜欢拿她与安妮宝贝相提并论，她很认真地说：“我觉得与安妮并提，是我占便宜。”她不否认自己和安妮文气的确相同，比如在写作中都融入更多西方作家如杜拉斯等人的犀利语言，她说她们连情感表达都是一样的。安妮是都市女性心声代表，她将古典的东西与现代相融，本质上没有太大区别。但是她认为她们的内在认知是不同的。她和安妮没有直接接触过，不过她听朋友说，安妮对她的评价是：“是个好苗子”问她想不想见见安妮，她却说：“安妮应该是一个很关注自己生活，不希望外人打搅的人。所以我不会主动去见她，也没有必要打扰她，我和安妮没有见过，只能算是神交。 不过经常被大家问到和她的比较，我既高兴也担心，长期这样可能会有一些负面影响，会有人觉得我拿她来炒作。” 关于年少成名 她觉得挺好 很多人在读诗解词，为什么现在她火了，她觉得有两个原因：态度和才气。说到自己写作的特点，她打了个比方，“别人在点评一幅画的时候，会说这个画怎么好，哪里好，为什么好，但是我的文字是直指这幅画里的故事，那些牵动内心的情感，将感性溯源，我认为这符合现代人的需要。”她说：“我的成功是不经意的成功。”的确，包括公司也颇感意外，开始也没有制定任何宣传策划。 她觉得她———也包括易中天———都是被风口浪尖推到了众人面前，到这个时候，她要做的就是做得更好，而不是更坏。 她自认心智比较老，很多同龄人看不懂想不明白的事情她已经看得很明白。问她心智多大，她说：“我觉得我有着40岁女人的心态，工作之外我很疯，但是当我坐到你面前，当我要去签合约，那么很多成熟或者别的东西，我就自然流露了出来。”谈及年少成名，她却说：“我觉得年少成名其实很有好处，让你提前进入某些角色提前预热，我觉得只要你心态好，早熟也没什么。”（来源：新京报，采写记者 姜妍） 好利来总裁罗红：卖蛋糕的摄影青年 视频：《人物》刻画的罗红
还是回到2004年9月12日下午四时的北京格林马会吧。碧草晴天、《指环王》的主题曲以及适时而涌的喷泉，《2004罗红西部风光摄影作品集》DVD首发式暨作品展就在这样的背景下出场了。男主角罗红则一身骑士行头——红罩衫、条绒长裤和及膝马靴——这样的装束帮助这位中国最成功的蛋糕生产商在黄昏的马术表演里洒脱自如。 开幕式致词简短实在，更多时间安排给了DVD展播。主办方安排的论坛出现了若干小高潮，比如罗红风光摄影“目中无人”的现状，比如艺术直觉跟商业嗅觉的关联。受邀嘉宾北京大学中文系张颐武教授不时从理论高度阐释他所理解的罗红摄影，而被评论者则在一旁专注地听，或者赧然一笑。
罗红10年行程18万余里的摄影之路并非玩玩那么简单，他选择在好利来事业上路后第三年，也就是1995年重新背起相机。17岁上见到这个物什的狂喜仍记忆犹新—仿佛有魔力，罗形容说。事实上，罗红的首次商业行为即与摄影有关，他曾开过一家照片冲晒店。在摄影和蛋糕之间切换的契机源于母亲退休后的第一个生日。跑遍全城也没能买到中意蛋糕令他沮丧，而补缺市场空白的意识也随之产生。 自称“山里人”的罗红跟所有不安分的年轻人一样，不愿止步于“本土”经营，决意看看“外面的世界”。卖掉雅安的“喜利来”（“好利来”前身）蛋糕店，罗北上兰州进行孤注一掷但最终证明成功的第二次创业。接下来，就是毫无悬念的一发而不可收。值得一提的是，罗的创业个案被机械工业出版社的《逆商》一书收编，该章节题目是《好利来白手起家十年十个亿—记好利来集团总裁罗红的成功之道》。 看上去，“好利来”版图要比罗的摄影版图清晰和明确得多。但一定要让罗红从蛋糕和摄影之间做出取舍，他的表情会显为难。对此，罗只肯这样解释：一个都不能少。蛋糕其实也是一种艺术，他会一直做到老；摄影是第二事业，倘若不能摄影，他会忍不住伤心。 将瞬间变成永恒的快意鼓动罗红不断远足，而心情烦躁、思维麻木等都市不适症一旦出现，罗就及时从商务活动中抽身。生意交给下属打理，独自驾车驶入无人区，镜头连连对准大山大水。 西部之所以成为诱惑所在，不独因为罗红出生在这里。从专业角度看，西部云彩与光影的变幻尤令人神往。自四川、广西、云南、青海到西藏、内蒙古以至非洲，一路上罗红边走边摄。罗红自觉去了这些地方，两三天之后心情变化很大。各种纷扰眼不见，心不烦，手机没有信号，外界想打也行不通。当然罗也承认有时会设定目标，更多考虑人力不可控因素，比如到肯尼亚拍动物的片子，就必须了解角马过河在什么季节，诸如此类等等。 10年间，罗的相机换了五六台，涉猎品牌包括佳能、康泰克斯、尼康、莱卡等，越野吉普也从“牧马人” （Rubicon）过渡到“沙漠王子”。罗红印象中第一台相机购于1995年，造价约1700元人民币。这之后，他再也没有精确统计过自己在摄影上面的投入，“实在记不清了，我对数字不太敏感。”罗红言语中有些无奈。
“世间不是缺少美，而是缺少发现。如果用心体会，你就一定能听见大地的呼唤。”罗红在其面世的摄影DVD里如是开篇。听上去有些矫情，倘若不能感悟的话。在罗红看来，正是镜头背后眼睛和心灵的同时参与造就了胶片上独一无二的风情。于是乎，九寨沟的“每一种颜色都努力呈现自身”，桂林山水则“愈沉静愈美丽”。若遇风景独好，罗红便会忘乎所以，如小孩一般兴奋，照片拍完把相机扔掉也无所谓。最近的两三年间，罗红多次驱车到非洲肯尼亚、坦桑尼亚等地，追寻不同于国内的特殊影像。他很快锁定了对他而言颇具挑战性的动物摄影。“拍动物我用120相机，这既需要掌握速度，还要注意跟动物的眼神交流。”罗红用手比划着。为拍好非洲动物，尽可能拉近与目标对象的距离，罗红特意换了长焦镜头来补齐原先设备的不足。 非洲鹈鹕是罗红津津乐道，他认为这种鸟相当漂亮，至今罗红难忘初次相遇：其时，鹈鹕离他有二三公里远，通体雪白，但他无法断定为何物。在拍火烈鸟间隙，它们悠然游至面前。罗红称当时激动得难以言表，按快门时手止不住发抖。 瞬间的光影能够成为永恒，但也难免稍纵即逝。尽管罗红拍到水上鹈鹕，然由于光线暗，照片放大后清晰度仍不够。为拍到最理想的照片，罗红一星期跑去纳库鲁湖七次。最遗憾的一次是他刚气喘吁吁把相机架好，角度调好，忽来一车非洲小孩，把鹈鹕全都吓飞。罗红登时傻了，有说不清的心痛。他自嘲仅有执著是不够的，或许还是没能感动这些生灵，但他不打算放弃，还会再来。 在西部摄影的岁月里，罗红不仅与美景打交道，也要跟险境较量。他与他的摄影朋友们曾经遭遇过泥石流突袭，在越野车由于共振失去方向之时只能祈求上天保佑。某地交通队队长陪他，调侃他比“偷鸡贼”还辛苦—日日起早贪黑。 倘若人有一个目标，就会变得非常勇敢。罗红每谈及此，目光坚定。梦想往往作用于为之倾心且付诸努力的人。对罗红而言，捕捉光影显然不能视为消遣，而确是生命必需，梦想所系，尽管时间相对有限。
如果以为搞摄影、玩马术的人一定生得“愤青”而“艺术”，这多少是个误解。罗红很朴素，爱微笑，惟一时尚的装扮来自几幅很“佐罗”的照片。不少人告诉罗红他一点不像老板，身上有种难得的纯粹。罗红认同也相当满意这样的评价。他自谓从大山里长大，山里人淳朴真诚的本性已融入骨髓，难以更改。 “名利在我心中根本没那么重要，而且一直都是这样。”罗红言语恳切。他用四川话学了一句“做人要厚道”（发音参照电影《手机》费墨语）—也就是做人比做事重要，而做事比算计金钱重要。付出努力本身就是幸福，迟早会有回报。作为一个白手起家的年轻商人，罗红的结论耐人寻味。 同时具备艺术直觉和商业嗅觉的罗红非常欣赏“傻”的气质。他的两个小儿子喜欢看电视连续剧《射雕英雄传》，罗红询问他俩喜欢做哪个角色，结果一个要做黄药师，一个要做洪七公。罗红纳闷为什么没人想做郭靖。两个孩子实话实说，把原因归咎为郭靖看上去很傻。罗耐心地教育两个儿子，告诉他们，郭靖虽傻，然最上乘的武功他学到手了，最漂亮聪明的女人他也娶到了。不知两个孩子是否能够尽快领会父亲的意图。但罗红自己觉得人有时应该更诚实和简单一些。他说，你们想想看，人的智慧已经发展到很高的程度了，这时品行更弥足珍贵。俗语讲的“傻人有傻福”不无道理。 没见过罗红飙车、摄影和骑马的朋友往往谓他平和安静，但罗红判断自己属双重性格：外表不冷漠，内心仍狂野。在旁人看来，跋山涉水去摄影既劳累又辛苦，不如安安稳稳在城里整蛋糕。但罗红不这么看。“我是一个不需要鞭策，自己带着发动机的人。”不善修辞的罗红用了一个形象的比喻。想到能跟更多的人通过胶片分享旷世美景，罗红一脸幸福。 凯瑟林－赫本凯瑟林－赫本
作为美国电影学院评选出来的头号银幕传奇，凯瑟林－赫本是那种大制片厂的主管们既头痛又不得不重用的明星。
赫本最为人们津津乐道的事迹，是她空前绝后地四次获得奥斯卡最佳女演员奖，此外还有八次提名。赫本27岁时，即凭借《早晨的光荣》第一次捧回小金人，这部影片也是赫本主演的第三部电影，有意思的是，影片的女主角和赫本一样，也是刚到好莱坞，对这里的一切都充满好奇的年轻演员。 赫本第二次被同行推上影后的宝座，是34年后的《猜猜谁来吃晚餐》，在这部影片里，赫本扮演的母亲震惊于女儿找了个黑人男朋友，继而又大度地接受了这个事实，这个角色的开通，不同流俗与赫本本人也很相似。一年后，赫本凭《冬狮》再次斩获奥斯卡奖，在这部历史剧里，赫本扮演了十二世纪的英国国王亨利二世令人望而生畏的王后艾琳娜，银幕之外，赫本的固执和坚强与她的这位直系祖先也是难分难舍。值得注意的是，赫本是以《猜猜谁来吃晚餐》和《冬狮》连续两年拿下奥斯卡表演奖，在学院近80年的历史上，只有三位演员做到了这一点，另外两人是斯宾赛－屈赛（1938年的《怒海余生》和1939年的《孤儿乐园》）和汤姆－汉克斯（1994年的《费城》和1995年的《阿甘正传》）。
赫本最后一次获得奥斯卡是在1982年，已经74岁的赫本在《金色池塘》里又奉献了一次伟大的表演，她把自己性格中的的热情乐观与女主角诺曼太太融为一体，与亨利－方达的诺曼教授的古怪认真正好相映成趣。
说到个性，成名于百老汇的赫本从来就不把好莱坞的规矩放在眼里。首先，她的高挑身材就已经违章了。赫本身高1米71，比她同时代的女明星大多高出一头。赫本的身高使她不必仰望那些傲气十足的男明星，而她选择的电影角色也总是和男人平分秋色的强势女人。《育婴奇谭》里，她扮演的富家女让加里－格兰特扮演的古生物学家一筹莫展，《冬狮》里，她是权力欲极强，与国王分庭抗礼的王后。
其次，赫本和她仰慕的葛丽泰－嘉宝一样，从来不接受记者采访，也不配合影片的宣传活动。三十年代末，因遭到影迷的强烈抵制，赫本成为票房毒药，然而当她以《费城故事》卷土重来时，影迷还是抵抗不住她的魅力，涌到电影院一睹为快。
在2004年那部大出风头的史诗传记片《飞行家》中，赫本与霍华德－休斯有一段浪漫的恋情。影片中没有提到的，是赫本最终离休斯而去，因为她找到了一生的情人——斯宾赛－屈赛。赫本与屈赛合作过九部影片，包括屈赛的最后一部电影——《猜猜谁来吃晚餐》，两人苦恋将近30年，但没有结婚，当时的舆论给了两人极大的道德压力。实际上，屈赛早就与妻子分居，但由于宗教信仰的原因不肯离婚，而赫本一直在屈赛身边照顾他，直到他因病逝世。
处女作：《离婚清单》 A Bill of Divorcement
诞生年代：1932年 凯瑟林－赫本1907年5月12日出生于康涅狄格州哈特福德市，父亲是律师，母亲是妇女参政权活动家，两人都希望女儿继承自己的事业。赫本上中学时就是出色的运动员和精力旺盛的学生活动家。然而赫本14岁那年，哥哥汤姆死于意外，这让她不能继续上学，消沉了很长一段时间。
当赫本从悲痛中恢复过来后，就进入了有名的不莱恩－摩尔学院，在这里，她演了很多舞台剧，毕业后便一头扎进百老汇。赫本那不寻常的美貌和略带沙哑的嗓音很快引起了人们的注意，不久她就在百老汇舞台剧《勇士的丈夫》中担任主演，扮演亚马逊公主。赫本的出场戏很壮观，是从15英尺高的地方跳到舞台上，非常值得一看。
当时，好莱坞大制片厂的主管们都致力于发掘新星，他们觉得赫本极有潜力。但赫本最初不太愿意进入电影业，而认为舞台剧才是她的终身事业，于是她向制片厂要了一份高的离谱的工资。令她难以置信的是，雷电华公司满足了她的要求，在试镜后给了她一份周薪1500美元的合同。
雷电华最初给她看一个叫做《假期》的剧本，但赫本没有接受，这是个聪明的决定，因为剧本有很多问题。新来的雷电华主管大卫－O－塞尔兹尼克认为赫本没有吸引力，不打算重用她，但导演乔治－顾柯非常欣赏赫本的演技，赫本试镜中的一个听到坏消息后把手中的花瓶轻轻放下的动作让他印象深刻。顾柯说服了塞尔兹尼，让赫本在大明星约翰－巴里摩尔和比利－伯克主演的《离婚清单》中担任女主角，为了让赫本片中显得不那么咄咄逼人，顾柯让赫本把头发剪短些。
影片拍摄的很顺利，但也传出有关赫本和有伟大的情人之称的巴里摩尔的谣言，实际上，两人相安无事。片中，赫本扮演的悉尼－法费尔德照顾长期患病卧床的父亲，这位性格暴躁的父亲非巴里摩尔莫属，片尾悉尼－法费尔德拒绝与未婚夫成婚，因为她担心自己已经患上家族的遗传病。赫本把这个角色的坚强和有主见表现的令人过目难忘。《好莱坞报道者》的专栏作家这样评论：今晚，一颗明星从地平线上冉冉升起，她的名字是凯瑟林－赫本，很快她就验证了这个预言。
转载《看电影》杂志 gloomy sunday布达佩斯之恋- -gloomy sunday布达佩斯之恋- -
在上世纪30年代的匈牙利，诞生了一首经典名曲《忧郁的星期天》，它之所以出名是因为有150多人在听过这首曲子后自杀，所以也被称为"历史上最悲苦的音乐"，后来作家尼克·巴克以此为背景创作了同名小说，1999年，德国导演若夫·舒贝尔把小说搬上银幕，就是这部怀旧唯美的《布达佩斯之恋》。
"当羞辱不断降临，最后惟有选择离开这世界，但也要有尊严"拉士路这样对伊莲娜解释"Gloomy Sunday"的含义。一个死亡的时代，一首触动心灵的歌曲，一段错综复杂的爱情，这是《布达佩斯之恋》中伊莲娜的生命历程。犹太老板拉士路、钢琴师安拉斯共同分享了伊莲娜的爱情，很干净的画面，暖暖的光晕，透着怀旧与追忆的氛围，女主角妩媚动人，男主角有两位，帅气忧郁而才华出众的钢琴师，善良而略练达的餐厅老板，但真正的主角似乎都不是他们，而是那首Gloomysunday(《忧郁的星期天》)的曲子——钢琴师写给女主角的生日恋曲。
爱情本已缠绵动人，三人之间的暧昧更多一份缱绻而忧伤的情怀，何况，乱世中的颠沛与心灵的失落，德国人在布达佩斯的飞扬跋扈更让忧伤在这个骄傲的民族变得无法忍受，钢琴师的自杀是那样凄楚和决绝。那首忧伤的曲子导致了157人在乱世中自绝，于是当忧伤被迫成为德国军官的佐餐音乐的时候，死亡似乎是钢琴师最自然的方式了。
......
在黑暗里
寂寞令我忧伤
我闭上双眼
你在我面前离去
你进入梦乡
但我期待至天明
黑影在我眼前
我向你提出请求
请告诉天使给我一点空间
忧郁的星期天
......
我心情不再沉重
我一息尚存
也要重踏家乡
在那平安的土地上漫步
忧郁的星期天
我试图破解这首自杀歌曲之迷，它究竟击中了人们心灵的哪一部分？除了伤感和凄凉，我没有感受到绝望，看来让人毅然赴死的显然不是音乐，而是那个让人无所适从的年代，在那个尊严无处存放的乱世，音乐的出现是那样恰逢其时，于是，无限的凄楚和关于命运的种种悲观的联想都一同出现了，于是才有了157个慨然赴死的生命。如果试图从片中获得更多思想的启迪，我想你注定失望，也许范美忠所说的从艺术的角度切入该片的思路才是正解，而这恰是我的软肋。
塑造的最出色的是纳粹军官汉斯韦克这个形象，一个直率纯真的求爱者、一个惟利是图的穿军装商人，一个忘恩负义者、一个拯救了许多犹太人生命的"辛德勒"，四个形象和谐的统一在了他身上，他对伊莲娜说："跟我结婚，到柏林去，那是世界上最美丽的城市，我会成为全德国最大的贸易商"，第一次跟伊莲娜面对面，在两个强大的情敌面前，他结结巴巴地这样表白，没有策略，没有风度，淳朴的可爱。结果求爱不成，即觉得生命无趣，于是他跳河自杀，幸被拉士路所救，德国人一根筋的个性体现得淋漓尽致。后来作为一个纳粹军官，他把战争当作了最大的生意机会，从营救犹太人的生意中获取暴利，为他战后成为德国最大的贸易公司奠定了基础。他也曾对贫穷的犹太人产生过恻隐之心，免费救了一些人，但他却拒绝营救他的情敌、朋友、也是他的救命恩人——拉士路，当开往集中营的列车即将启动时，身穿党卫队制服的汉斯韦克匆匆出现在拉士路面前，拉士路的眼睛重新燃起了生命的热情，眼神中透露出来的焦灼几乎突破他与生俱来的高贵和节制的束缚，他以为自己得救了，残酷的是，汉斯只是冷漠的和他眼神对峙了一下，然后，迅速地从前往集中营的犹太人队伍中救走了另一个人，那一刻，拉士路的心碎了，我的心也碎了，友情和恩情都成了碎片时，生命还有什么值得整理的呢？当拉士路望着汉斯转身离去的背影时，眼神中的火焰逐渐熄灭，取而代之的是诧异，继而是绝望，不是对生命的绝望，而是对人性的绝望，那一刻，我泪流满面，对背叛一个人的愤怒超过了我对他营救成百上千人犹太人而产生的好感，我宁愿他只救了拉士路一个人，不为别的，只为两个字，"朋友"。 银幕一家亲我们都知道，影视圈是一个残酷的竞技场，因为观众的眼睛里从来容不得半粒沙子，凡才华拙劣、长相平平者，都将在最短的时间内被淘汰出局。那么留下来的pk赢家就一定禁得起推敲吗？他们是否也得到了某些光环的庇护？我们可否问一问这些英雄的出处呢？在今天的节目里我们将带领您逐一清点电影界的亲属关系，解读这些明星们神秘的幕后故事。 乔恩沃伊特vs安吉丽娜朱莉
这是一个可以被称为尤物的女人，单是那双充满热望和诱惑的眼睛，以及宽大饱满的双唇就足以达到摄人心魄的目的，加之完美的身线、野性的纹身，即使是在美女如云的好莱坞，她也有着足够骄傲的理由。
关注朱莉的人会发现，她的每一个角色都似乎是为她量身定做，在文艺片里她有着机智的头脑、丰富的内心，在动作片里，她有着矫捷的身手，结实的臂肌。良好的素质与天分，使得她轻而易举地抱得了奥斯卡小金人，而她富有戏剧性的婚姻，和多姿多彩的绯闻则足以让观众目眩神迷、应接不暇。对于这样一个真正的明星，我们不会联想到她会借助家人的东风飞上枝头，而事实上，朱莉也在很长时间内回避父亲这个字眼。因为在成长过程中，茱丽和父亲有着长期的不合，虽然我们可以把茱丽在演艺圈的发展视为子承父业，但实际上，茱丽在成功之路上似乎并未受到父亲的帮助。
亨利方达vs简方达
对于大多数中国观众而言，亨利方达的名字并不陌生，但是他年轻时主演的影片却因为年代久远而鲜为人知，但是女儿简方达成了他最好的注解。1980年，他与女儿共同出演了影片《金色池塘》，并因此而在他去世的前一年获得了他生命中唯一一座奥斯卡的小金人。
影片《金色池塘》讲述了一个温馨的家庭故事。描述退休的老教授与老伴在新英伦湖畔的度假屋中度假，在平静的日子里却面临年老的各种危机。他的女儿刚离了婚，正处于徘徊的心境。一向关系不佳的父女，终于因为十三岁的孙子跟祖父母同居了一段日子而解开了各种心结。
和影片中所表现的父女情如出一辙，现实中，女儿简·方达喜欢跳水，但却遭到父亲的反对，从此父女感情产生了诸多误解，甚至产生仇恨心理。亨利为此一直很内疚，常常想找机会补偿对女儿的爱。他一直期待着个人生命史上与女儿和解的这一页，机会终于来了，导演马克瑞戴尔找来父女俩共同出演此片，我们暂且不必知道导演是出于什么原因让二人合作，但也正是此片使得父女二人有了和解的机会。
亨利曾说：“我一直心神不安地等待着拍摄表现父女和解的镜头的时刻终于来了，这是我们成为朋友的时候，”简·方达则补充道：“我非常清楚，此时此刻的特点应该如何掌握。我知道该怎样表演，因为从我年轻的时候起就经历过这种事件，有过同样的感情。我在这里扮演的是一位40岁的妇女。她的父亲以某种方式破坏了她的生活，因此在拍摄过程中的某个时刻我们应该交换一种意味深远、充满敌意和紧张的眼光，这实在不是一件容易的事。”
人们弄不清这父女俩是在演绎电影里的规定情景，还是演绎生活的本身。因为这两者就是一回事，所以扮演夫人的凯瑟琳·赫本说：“我留在摄影棚里，仅仅是为了看看这场和解的镜头，这个镜头是动人的，深刻的寓意超出了原著加工后的电影脚本。那些日子对于亨利和简方达来说都是有很重要的意义的。他们正寻找他们失去的东西。”
影片以夫妻情、父女情以及子孙情的方式来探讨了老年与年轻人之间的代沟关系，片中风景美丽，演员实力雄厚。此片曾获最佳改编剧本、最佳男主角、最佳女主角三项金像奖，使凯瑟琳．赫本成为影史上唯一的四届金像奖影后，亨利．方达也在病床上如愿以偿地获得了他渴望已久的奥斯卡奖。这不能不说正是这种血浓与水的亲情，成就了简方达父女在精神上的团圆，成就了这部电影。
库克道格拉斯vs麦克尔道格拉斯
在好莱坞如果你不知道库克道格拉斯，那么就等于在中国的京剧界你不了解梅兰芳。在那个明星制盛行的年代，一个明星的势力往往令制片人和导演感到恐慌，而库克道格拉斯就是一位具有强烈个人魅力和明星影响力的演员。出生于1916年的道格拉斯给人们留下了近80部电影，两本畅销书和两本自传，还有他的精神。在这部由著名导演库布里克执导的影片《斯巴达克斯》中，库克．道格拉斯在片中饰演一名不堪被欺压虐待，被罗马贵族用来娱乐的奴隶，但也正是他的卑微反衬了他的伟大。“我不是畜生”的宣言吹响了公元前73年奴隶起义的号角。库克-道格拉斯协同劳伦斯-奥利弗等大牌明星演绎了一部荡气回肠的史诗巨片。
而后库克道格拉斯更凭借1949年的影片《冠军》、1952的《玉女奇遇》、1956年的《欲望浮生》三次获得奥斯卡提名，但每次都排挤出局。1956年奥斯卡颁奖之后，他的家人送了他一尊仿制的奥斯卡像，并在上面的题字“给我们的父亲，在我们心目中你一直就是奥斯卡得主”。 1996年美国艺术与科学学院颁发给他奥斯卡终身成就奖，以表彰他杰出的电影成就和正直的品格。他的四个儿子都跟随着进入电影届，大儿子麦克尔-道格拉斯几乎完全继承了父亲的刚毅面孔，这也使他在进入好莱坞时背负了沉重的心理包袱，也正是出于这种逆反心理，他拒绝接演像父亲那样的勇者形象，而更愿意自己另辟蹊径。正如后来我们所知道了，麦克尔同样获得了成功。
1944年9月25日出生的麦克尔-道格拉斯，1975年担当了《飞越疯人院》的制片人，他对于影片全篇的控制能力丝毫不逊色于自己的父亲。这部描写精神病院的影片让麦克尔出尽了风头，一举夺得了1976年度奥斯卡最佳影片、导演、男女主角及剧本等五项大奖，并创造了1.8亿美元的票房。
而在1987年他本人因主演《华尔街》，也获得了当年的奥斯卡影帝称号。在表演道路上，麦克尔俨然成为了好莱坞票房的保证，在这部《超完美谋杀》中，麦克尔扮演了一个有钱有势，却遭到妻子背叛的富商史帝芬泰勒，于是他设计展开了对妻子报复。该片根据西区库克的惊悚片《电话谋杀案》改编而成，片中的主人公全非正面角色，和父亲只愿充当正面英雄的观念不同，麦克尔道格拉斯表示，演坏人其实是一件很好玩的事情，因为坏人通常是戏剧中最有趣的角色。这也正是这部电影最有趣和最精彩的地方。
比起老道格拉斯脸谱化、程式化的表演方式，小道格拉斯的银幕之路显然要宽阔许多，无论是扮演商界大亨、美国总统或是普通警员、流浪汉，他都将这些刚毅、阴险的角色刻画得入木三分。虽然父子二人在外形上也有许多不同之处，但他们有着同样与生俱来的气质。那就是坚韧、霸气。
2005年《父与子的好莱坞传奇》在洛杉矶举行了首映礼，这部纪录片讲述了演艺世家道格拉斯家族的精彩往事，他们显然已经成为好莱坞子承父业的典范，得到世界各国影迷的追捧。
成龙vs房祖名
1954年出生于香港的成龙，原名陈港生，7岁时进入著名京剧武生于占元主办的戏剧学校学戏，8岁涉足影坛。1962年在影片《大小黄天霸》中出演了小配角后，便开始在一系列影片中出任武打替身、特技替身和助理武术指导等。当年力捧成龙的香港导演罗维给他取艺名“成龙”，除了挟中国人"望子成龙"的美意外，也希望他能成为像李小龙一样成功的巨星。而成龙也不负众望，从一个平凡的一名武打学徒做起，先是在80年代称霸亚洲市场，继而在90年代后期进军好莱坞，交出了喜人的成绩单，成为独树一帜的动作喜剧巨星。
而成龙更是一位集电影制片、导演、编剧、主演、剪辑、武术指导、特技设计、特技表演及主题歌演唱者于一身的全能型的艺术家。在自己的电影里，成龙几乎是无所不能。
然而作为父亲，成龙在相当长的一段时间里是不称职的。由于日本影迷自杀事件，成龙长期隐瞒了他与林凤娇的婚姻状况，对于他们爱情的结晶更是箴口不谈。
正是由于成龙饱尝演艺圈的种种艰辛，在成名之路上经历了太多的磨难，所以不想让自己的下一代再吃苦头，在影片《千机变2花都大战》中，看到了背负着成龙儿子盛名的房祖名，比起父亲成龙来说，房祖名幸运了许多，一出手即是影片的主角，这部电影虽然因为“龙太子”的主演而吸引了观众的视线。但影片中房祖名的茫然、恍惚、不自信的表情，以及显得花拳绣腿的招式，显然无法与成龙初出道时的自信与功力相提并论。
初登银幕的房祖名显然还有些摸不清状况，成龙似乎也预料到这一点，于是他友情加盟了这部电影，出演了一个类似于道具的角色。成龙的名字被列在了演员名单的第九位，仅管成龙在片中的演员名单排名第九，但他在片中与甄子丹苦炫了一阵与该片毫无关联的打斗场面仍然极具看点，而后莫名其妙的消失虽说委屈了我们的成龙大哥，但是这让我们看到了一个爱孩子的父亲。
成龙与儿子的长年分别，让这对父子有些生疏，但是房祖名的出道却正是得益于这位老爸，也许这也是成龙在儿子成年之后的一种补偿吧。
2005年，房祖名出演了尔冬升的新片《早熟》，并再次担纲男主角，而配角则汇集了毛舜筠、曾志伟、黄秋生等重量级大腕。但是在这部影片中，房祖名的进步只是体现在状态的松弛当中，演技方面仍然有待提高。这部影片让这对父子同时获得了香港电影金像奖的最佳男主角的提名。
成龙的成功来源于他谦恭的态度、良好的武生素质，以及常人难以企及的敬业精神，这也是那一代香港电影人的普遍追求，于是也才有了曾经雄霸一方的香港电影。但成龙对儿子的爱显然与在好莱坞打拼的乔恩沃伊特对女儿朱莉的爱有些不同，这也正是中西方文化的区别所在。也许是人们知道房祖名是成龙儿子的原因，所以对房祖名的要求自然也就高了一些，但演艺圈的竞争是非常残酷的，如果只靠家庭背景，演艺之路能走多远，仍然还是一个未知数。 秘境寻奇(4)丛林深处秘境寻奇(4)丛林深处
人类从丛林中走出，天性却又容易在其中迷失，亚马逊雨林斑驳的光影中险象环生，南亚丛林里战火连绵，丛林在焦灼中上演人生的故事。
丛林深处，阳光被树木所分割。幽静的空间、纷乱的空间、复杂的空间。这里具有私密和开放的双重属性，人们总愿意将它同人的潜意识和梦境相联系。
这里还是童话的王国，白雪公主和七个小矮人、大灰狼、小红帽、蓝精灵，森林是人类想象力的重要源泉。也是引发孩子们各种幻想的神秘空间。
然而，丛林也是恐怖的。亚马逊热带雨林，绵延数千英里，覆盖将近一半的南美洲大陆。许多地方至今仍是人类从未涉足的领域。蟒蛇、鳄鱼、毒蜘蛛，还有嗜血成性的蝙蝠、蚂蟥，这些生物潜伏在无边无际的雨林当中，随时等待猎物的出现。
丛林有时候还会成为血腥的战场。在美国拍摄的大量反映越南战争的电影当中，丛林作战成为主要的场景。熊熊战火、疯狂的杀戮、人性的迷失，这些电影在越南的丛林中不但深入反思了美国发动的这场非正义的战争，更是借助越南那绵延的丛林完成了对于战争这人类最愚蠢、最贪婪的举动的彻底剖析。
在今天这个树木不断被砍伐、森林面积急速萎缩的时代，丛林之旅似乎已经成为了一个奢侈而又昂贵的梦。这一点，从一些以丛林的故事为背景的电影当中就可以感觉得到，因为，原本属于森林的童话，在现代电影当中却多了几分反讽的意味。
丛林迷梦
电影：《梦》、《格林童话》
影片《梦》是黑泽明晚年最重要的作品之一。（影片的第一个梦是关于一场太阳雨降临）一个孩子不顾母亲的警告，来到树林之中。传说下太阳雨的时候，正是狐狸娶亲之时，这个走入密林的小男孩儿同时走入了神秘的童话世界。
黑泽明，这位以《罗生门》、《蜘蛛巢城》等影片闻名于世的电影大师，在一生拍摄的数量颇多的电影中，无数次出现过树林中的场景。黑泽明似乎对于将摄影机放在树林之中有着某种偏执的爱好。他迷恋树林中的什么呢？
《罗生门》的树林里发生了一起扑朔迷离的劫案，《蜘蛛巢城》中的武士在树林中遇到了神秘的女巫。黑泽明导筒之下的密林，总是弥漫着瑰丽或者诡异的色彩，恰恰如同他晚年拍摄的这部《梦》在一开始所讲述的一切，这是童年的梦，它是美梦、是噩梦、是神秘的梦，这个梦黑泽明将它做了一生。
将童年的梦一直做到成年甚至是老年的不仅仅就黑泽明一人。人类历史上数不清的童话作家、寓言诗人不都是终极一生都在做白日梦的人吗？曾写就了《灰姑娘》、《白雪公主》、《小红帽》等等不朽童话的格林兄弟就是一个最好的例子，他们的童话梦大都发生在丛林之中。
2005年的惊悚片《格林兄弟》是一部以童话的作者为主角的电影。本片并不是一部讲述童话大师“格林兄弟”的传记片，而是一则以他们为蓝本，畅游奇幻世界的全新童话故事。片中的格林兄弟，是两个颠覆性的角色，这对著名的童话作家，威尔·格林与杰克·格林，在影片中成了一对游手好闲、靠诈骗为生的骗子。他们周游不同的世界，先是雇人扮成怪物在那个地方大肆破坏，然后再以驱魔人的身份出现“消灭怪物”，靠这种卑鄙营生，他们赚了不少报酬，同时也恶名远扬。
于是法国国王听说了二人的大号，他们被传招到宫里，等待他们的将是一场穿越魔法森林的冒险。
神秘诡异的黑色森林，奇幻的事情接二连三的出现。稍不小心就会掉入致命的陷阱。而勾连这些迷一般的神秘空间的，正是一个又一个曾经在格林童话中出现过的角色。
相比安徒生童话，格林童话似乎总让人感觉到有点残酷，因为它们中间总会有些血腥或黑暗的情节，这些故事肯定不适合在孩子睡觉前在床头讲述，因为随之而来的肯定是噩梦。但对于一部充满迷幻色彩的电影来说，格林童话却绝对适合。
首先出场的是神秘的狼人，他是这个诡异故事中大部分罪恶的执行者，一出场他就给格林兄弟的坐骑吃下了迷失蜘蛛。
《格林兄弟》这部电影最后出场的是电影史上最性感最美丽的女巫，由莫尼卡－贝鲁奇饰演的丛林女巫正是格林兄弟要对付的主要敌人。
为了拯救被当作贡品献给森林女巫的小女孩，杰克·格林爬上了森林女巫居住的一座高塔一探究竟。而塔外的威尔·格林为了寻找逃离森林的方向不得已舔了恶心的蟾蜍，意外的是他却因此发现了被当作贡品的小女孩。此时保护女巫的狼人再一次出现，原来正是它将小女孩掳到森林中献祭给女巫，这个森林中隐藏的秘密就此揭开。狼人将被迷惑的小女孩引到一具石棺之内，女孩的血将通过这具石棺被献祭给住在高塔里死去的女巫。
女巫复活了，格林兄弟同女巫之间的正邪较量就此展开。作为最性感的女巫，《格林兄弟》中莫尼卡－贝鲁奇饰演的这个角色最厉害的招数就是勾引男人，使他们失魂落魄成为自己的傀儡，而破解她的诱惑的唯一途径就是打破那面诡异的魔镜。
《格林兄弟》绝对不是童话改编，而是由此演绎发挥出来的全新电影。与那种典型的糖果式的好莱坞童话相比，《格林兄弟》里面的童话更黑色，更另类，这是它对越来越幼稚简单的好莱坞商业片的反叛，同时也正是它最有魅力的地方。
如果说影片《格林兄弟》是对传统森林童话的一次颠覆，那么，在更多的关于森林动物的影片当中，这种颠覆性可能走得更远，因为传统童话中的狼外婆，已经彻底演变成了狂蟒之灾。
丛林野兽
亚马逊河，发源于安第斯山脉，它是这个星球上水量最为充沛的河流。这条大河横亘南美洲大陆，它蜿蜒1600公里，孕育了世界上最大的热带雨林——亚马逊丛林。与这片广袤的雨林一同被孕育的还有一个充满生机的生态系统，各种各样的美丽动物在这片天堂中繁衍生息。它们成为了人类探索这片丛林的最为关键的目标。
亚马逊河对于探险电影来说是一个不可忽略的地方。从探险电影出现伊始，反映亚马逊热带丛林的影片就开始在全世界各种银幕上闪烁。而在这些电影中的主角就是亚马逊丛林中的各种恐怖野兽。
1997年哥伦比亚电影公司推出的惊悚片《狂蟒之灾》正是好莱坞此类探险片的代表作品。
神秘的亚马逊，这里是探险勇士的乐园，更是贪婪小人的坟场。纪录片导演莱瑞带领一个摄制组乘坐一艘机动船进入亚马逊的内部，他们的目的是寻找一个被称为麻族的神秘部落。
在途中他们偶然发现了一艘搁浅的小船，一个神秘的男子正向他们呼救。
摄制组搭救的这个叫做塞隆的人看起来有着相当丰富的热带雨林生存经验。很快他向他们透露了自己的职业。他是一个捕蛇者。
水网密集的亚马逊丛林如同是一个巨大的迷宫，在这里任何外来者都需要一个熟悉当地环境的向导。熟悉丛林生活的捕蛇者塞隆似乎是上天赐给摄制组的一个珍贵礼物，尽管组员们都对他有些怀疑，但探险船还是按照塞隆的指引方向行进了。这个轻松、快乐的探险旅程就这样被引向了一条巨大的、凶猛的蟒蛇。
《狂蟒之灾》这类影片是靠营造悬念取胜的。观众在观看电影之前，都会对影片的冲突有一个自然而然的预期。狂蟒之灾中的这个摄制组，肯定会同那条巨大的蟒蛇发生一番生死搏斗，并最终战胜它。但好莱坞的剧作家们就是能够将这样一个已经设定好结局的故事讲述得惊心动魄。悬念的层层揭示暗合着观众的观影心理，每一层包袱的打开都为那个即将出场的恐怖怪兽营造着氛围。
自然科学家斯蒂芬博士成为营造悬念的第一个牺牲品，探险船按照塞隆指引的方向前进不久，就被水草缠住了螺旋桨。斯蒂芬自告奋勇潜入水底修理船只。他因此遭到厄运。钻进斯蒂芬喉咙里的黄蜂只是亚马逊给予这群不速之客的小小警告。更大的考验还在前方等着他们。很快，各种来自野兽的威胁纷至沓来，一个晚上，两个年轻的组员遭到了野猪的袭击。
不过野猪还算是小麻烦，真正的麻烦在于摄制组搭救的那个神秘的捕蛇者，随着旅程一步步走向险境，他的邪恶目的也逐渐暴露出来，这个声称会带领摄制组找到神秘的麻族部落的家伙，实际上是要借助摄制组的力量去捕捉一条巨大的蟒蛇。这些随着爆炸落到船上的小蛇预示着，离那条凶狠无比、强大无比的巨蟒出现已经为时不多了。
狂蟒之灾终于降临了，面对大自然孕育的这个邪恶生灵，人类表现得那样不堪一击。一个又一个的生命被吞噬了，这或许就是来自自然的惩罚。
《狂蟒之灾》实际是一部标准的好莱坞影片，它具有惊悚片一以贯之的恐怖因子，比如巨蟒、杀人的石蜘蛛、茂密阴森的大森林等等，同时它又设置出人性的善恶较量情节，让片子本身有了一些可供解读的人文意味。影片中，人并不仅仅是和自然界中的巨大食人动物较量，而且人也和暗藏在自己内心的邪恶力量进行着斗争。人心里面的邪恶力量在特殊时候特殊环境下，往往会超出原先的想像，其危害性也远非所谓的恐怖动物能比。影片将人内心的邪恶形象化，人心中的“恶之花”有了更为清晰的现实参照物。
影片的高潮来临的时候，一个废弃的场景中，两个幸存者挣扎求生。而这个废弃的营地正是过去探险者的营地。它象征着亚马逊从被发现到被开发直至被破坏的历史。在历史和现实之间，究竟是谁将迎接最终来临的审判？这是这部惊悚探险片埋在最深处的质疑。
影片的最后，三个幸存者终于死里逃生，这时候，神秘的亚马逊雨林中出现最令人心动的场景，那个被成为“麻族”的神秘原始部落出现在现代人的视野当中，在原始的目光和现代的目光交集的那一刹那，广袤凶险的亚马逊突然露出了少女一般青涩的表情，夕阳中，有种气息温婉而暧昧。
今年在全球引发轰动的好莱坞巨片《金刚》中的骷髅岛上也是丛林密布，在这片阴森的丛林当中同样少不了巨大的怪兽。《金刚》是如今好莱坞大制作中少有的精品，导演彼德－杰克逊通过扎实的叙事方式为观众淋漓尽致地展现了一个充满想像力的丛林探险旅程。骷髅岛上的所有生物都是特大号的，除了最大的猩猩和恐龙之外更为恐怖的还有无数巨大的、令人发指的昆虫。骷髅岛上的这片丛林探险是如此令人感觉惊心动魄，它通过近乎疯狂的场面将人物推向绝望的境地。
当然，人们在娱乐的同时不应就此认为丛林本身是凶险、丑陋的象征，实际上不管蟒蛇也好，巨大的虫子也罢，无非都是一个惊险有趣的游戏而已。
丛林是地球绿色的肺，因为有了它，我们这个家园才显得更加富绕、更有生机。然而在人类欲望的作用下，森林正遭遇前所未有的危机，尤其是当战火蔓延到丛林的时候。
丛林战火
从古至今，战争这个魔鬼总是伴随着人类社会的发展进程。它随着机器时代的到来变得更加凶残，现代科技武装起来的各种武器拥有着越来越强大的杀伤力。毫无疑问，战争就是人类的噩梦。
与许多噩梦一样，这个噩梦同样时常出现在丛林当中。大量以宣扬反对战争理念的影片都有一个丛林的背景。这其中尤其以美国的越战片为代表，1965年到1975年发生在亚洲东南部的这场战争，是第二次世界大战之后的规模最大、历时最长的局部战争。越南位于热带，有着大片的、繁茂的热带雨林，因而越南战争更多地被表现为一场丛林战争。
（越南战争从一开始就是一场不对等的战争，强大的美国的对手弱小的越南，武装到牙齿的美军面对的是基本枪械都很难保证游击队。凭借压倒性的空中优势、高度发达的信息手段、巨大的国家财力作为依靠，美军开战之前根本没有把越南放在眼里。B-52从太平洋的空军基地起飞，直接对越南北部进行地毯式的轰炸，他们以为很快，越南共产党和他的游击队就会丧失抵抗能力，陷入崩溃边缘。然而事实并非如此，越南人很快适应了美军的狂轰滥炸，隐藏在无尽的、茂密的丛林中保存了自己，一场历时十年的游击战争悄悄开始了。）
丛林战争是极其残酷的。在这方面，美国作为参战的一方曾经拍摄了大量的以越战为背景的影片，其中又有着许多经典的丛林战争场面。
影片《我们曾是战士》
2002年梅尔－吉布森主演的战争大片《我们曾是战士》是越战电影沉寂多年后的又一力作。这部电影吸取了众多七、八十年代拍摄的越战影片的经验，在拍摄丛林作战方面进行了更新的尝试。尤其是电影技术的发展使得这部电影在视听方面更是震人心魄。
故事发生在1965年的越战初期,美军第一骑兵师第七骑兵团第一营的450名战士，在盲目的指挥下，竟毫不知情、毫无准备地降落在越南军队集结的中心区域。越南方面在降落地点周围早已部署有2000以上的兵力，第一营的战士不得不面对近5倍于自己的敌人。尽管他们背后拥有强大的远程和空中火力支持，但是毕竟众寡悬殊，一营的官兵不得不展开一场异常惨重的生存保命战。
丛林作战中有许多独特的战术方法，其中最主要的就是利用树林的隐蔽性，隐藏自己攻击敌人，所谓明枪易躲、暗箭难防，越南游击队正是充分地利用了这一优势，将武装到牙齿的美军困在丛林深处，对丛林地理不甚熟悉的美军，即便拥有强大的武器装备却在丛林深处的枪口下失败得一塌糊涂。
尽管《我们曾是战士》的场面更加眩目，但它并没有超越一般的美国越战片的路线。丛林之中，太阳的光线被茂密的树木所分割，幽暗、神秘的氛围特别适合电影在悬念方面的营造。越战影片正是利用了这一特点，铺陈了大量的紧张得令人喘不过气的丛林探索场面。这些武装到牙齿的美军既是侵略者又是探险者，当他们踯躅在丛林当中时，这个场面同二百年来，西方的殖民侵略场面没有本质上的区别。
越南战争中的丛林游击战争是漫长而残酷的，它犹如是一片吞噬一切的沼泽让人不得动弹，因为动作越大陷得越深，只有能够坚持到最后的那一方才是真正的胜利者。
美军遭遇失败之后，越南游击队因为情报有限，并没有抓住乘虚而入一举歼灭整个营地的机会。经过两天伤亡逾百人的战斗之后，美军第一营终于可以脱离战场，与前来解围的第二营返回基地。但是，途中由于第二营营长缺乏经验，竟然只为了审讯两名战俘，而命令丛林中已拖至了近500米的纵队停止前进。这个愚蠢的决定引发了另外一场更加惨烈的丛林战斗。
‘引蛇出洞’是结束丛林战争最有效的手段，‘暗藏的单兵作战’是游击战争最普遍的形式，繁茂的丛林对于大兵团作战而言无疑是场噩梦，因此将敌人的兵力吸引出来一举歼灭几乎就是拥有强势力量一方的唯一出路。
《我们曾是战士》是一部标准的美国主旋律作品，除了大量的对于从林战争场面的铺陈之外，它更注重于对于所谓的美国式的家庭伦理道德的宣扬，惨烈的死亡总是同脉脉温情的家庭场面剪辑在一起，以体现投身东南亚丛林的这些美国大兵的人性光辉。但这简直就是一个谎言，因为战争毕竟是战争，士兵在战争中不可避免地被制造成为杀人机器。《我们曾是战士》是一部基本没有对战争本身进行反思的电影，美国式的家庭观念和个人英雄主义的极度渲染，使得这部影片更像是美国政府的一个征兵广告。
影片《野战排》
美国导演奥利弗－斯通最广为人知的作品同样是一部越战影片，《野战排》具有同《我们曾是战士》一样惨烈的丛林作战场面。不过这些场面的背后确实导演对于这场非正义战争所进行的彻底的反思和批判。
《野战排》中的热带雨林是沉重而压抑的，斑驳的光影的映照下，这片茂密的丛林如同是一张细密而巨大的蜘蛛网，更为恐怖的是在幽深的丛林中，士兵们的心理上始终存在着一种草木皆兵的莫名恐惧感，任何一棵树木、一个草丛，都有可能是敌人隐藏的地方，冷枪、暗战、地雷、陷阱这一切都使得这原本鸟语花香的树林成为了恐怖的坟场。
人性的迷失使得越战影片当中的丛林有着独特的象征意义，尤其是对《野战排》这样的对于战争进行深入剖析的影片而言，那望不到尽头、令人绝望的丛林是一个内涵丰富含义深刻的背景。
越南战争是在美国的全球霸权统一规划之下进行的一场战争，这个战场远离美国本土在世界的另一端，在另外一种文明当中进行。当然发动战争的美国政府会为杀人本身加载许多看似伟大的理念，比如“为了和平，所以要战斗”这种稀奇古怪的口号，显然有一个巨大的悖论存在其中，因为战争和杀戮只会给人类带来更多的仇恨，而一个充满仇恨的世界又怎么能和平呢！
不过对于参与战争的美国普通士兵而言，他们往往会在新兵训练阶段被强行灌输某种思想和理念，通过盲目而虚无的爱国主义来激发斗志，但是谎言一遇到现实就如同肥皂泡一般破灭了。越南战争中，陷入旷日持久的丛林游击战争的美国大兵们在理想破灭之后，在心理上还长期遭受着‘越战后遗症’的困扰。战争还激发了人性中最幽暗的那一部分，他们甚至会将枪口对准无辜的平民百姓，用别人的死亡来满足自己变态的心理。而另外的人，则在同罪恶那无力的抗争中体会到生命的无常和人世的荒谬。他们会对自身以及这场战争，进行深入的剖析和反思，《野战排》正是导演奥利弗－斯通，对于自己曾经亲身经历的那场越南战争的深刻解析。
丛林以它无可替代的形式，形象地向观众展现了人的精神世界，尤其是当片中人物在战火之后那如同末日一般的丛林中缓慢行走时，他周围的丛林背景、每一个细节都渗透出语言难以描述的意义。直到今天我们还在谈论，越南战争给参战的士兵留下了怎样严重的精神创伤，实际上不仅仅是越南战争，人类的所有战争对于人类的精神世界而言不都是严重的创伤吗！在战争到来时人类就如同迷失在了恐怖、幽暗的丛林中一样。
丛林中梦幻般出现了一面纳粹的旗帜，这个场面如此透彻地揭示了美国标榜的，正场所谓正义战争的本质。
《野战排》用将近三个小时的时间为我们展现了一个地狱一般的丛林战争场景，同时更是以手术刀一般的镜头，剖析了在战争中堕落成野兽的人类。它通过两个主要人物，对于战争的不同认识，深刻反思了美国发动的这场越南战争。影片拍摄于1986年，正是美国大国沙文主义喧嚣尘上的时期，真实的越南战争在经过被多年的蒙蔽之后开始被揭露出来。《野战排》及其同时期出现的《全金属外壳》等影片，无疑是给了好战份子一记响亮的耳光。
有一位哲人曾经说过，我们本来应该奔向草原，却不幸走进了马厩。这句话说的是人性的迷失，其实，在一系列的关于丛林的电影中，所表现的内容都包含着这种人性迷失的主题，也包含着对这种迷失的反思，只要我们善于反思，也包含着对这种迷失的反思，只要我们善于反思，并从这些反思当中校正自己，相信丛林还会是童话的故乡。
丛林，密布在我们这个美丽的星球上，他为人类以及所有生命提供了新鲜的氧气，它是绿色的源泉，是我们所依赖的生命线！然而，人类的贪婪却一直在摧毁着它，无休止的砍伐、过度的开发，都使得我们这个星球上的绿色日渐减少，而人类自己已经为自己的愚蠢付出了沉重的代价。
电影在展现这些丛林秘境的同时，更是在呼吁“为我们、为那些可爱的生物、为我们的孩子多留一片绿色的丛林，多留一点迷梦的空间”。
迄今为止，科波拉的《现代启示录》一直被视为是越战影片中至今无人可超越的颠峰之作。他将人类对于战争的最深入的反思通过电影的形式呈现出来。他在影片中所进行的反思超越了一般的泛政治化的反思，而是直接抵达人那深藏不露难以界定的精神世界。而丛林战火在他的镜头里更是呈现出一种神秘而高远的境界。
当然被人提及最多的还是这个场面，海军陆战队驾驶挂满武器的直升飞机开到越南沿海的村庄上空，在瓦格纳歌剧的伴奏下，重机枪向无辜的百姓喷出恶毒的子弹。
不过这部电影最重要的并非是那些已经被无数次表现的丛林作战场面，影片的后半部分，威尔德上尉奉命去寻找一个名为库尔兹的叛逃的美国军人。接到命令后，威尔德率领小分队，乘小艇逆河而上，冒险深入柬埔寨。沿途多年的战火将热带雨林制造成为人间炼狱，威尔德和他小分队所乘坐一叶孤舟，串行在这巨大灾难场景当中，如同是串行在一场噩梦当中。
在一处偏僻的热带丛林内，他们找到了诡异的库尔兹上校，马龙－白兰度饰演的这个角色以其嗜血成性的残暴统治着当地土著居民，成为他们盲目崇拜、迷信的图腾。威尔德一行人似乎卷入一个超乎现实、彻底疯狂的世界，淹没在人类灵魂最黑暗、卑劣的阴影里。
科波拉镜头当中的热带雨林实际上是他运用超现实主义的手法所营造的一个精神世界。在这个空间当中，科波拉制造的这部战争史诗片不仅对于越南战争的道义问题做出了彻底而深切的探索，而且在某些方面，它迥然于哲学和文学所能达到的境界，这个境界也许只有真正的电影艺术才能最有效的表现出来。《现代启示录》最后这片怪诞、神秘的丛林是电影大师为人类奉献的又一个关于丛林的经典场景，它长久的帮助着我们对于自身进行深入的思索。
《野战排》1967年，19岁的克里斯·泰勒放弃学业，和其他美国士兵一起，乘飞机飞抵西贡。他被编在一个步兵排里执行任务，步兵连中对泰勒影响最大的要属巴恩斯中士和伊莱亚斯中士，但两人对战争的看法完全不同，因战争而成了疯狂杀人机器巴恩斯，心肠极为冷酷，而伊莱亚斯认为即使在残酷的战争中，也要遵守必要的行为准则。
很快步兵排投入到丛林当中，随着战斗的展开，巴恩斯逐渐表现出他那凶残的本性。他不断将枪口对准无辜的平民百姓，用别人死亡来满足自己变态的心理。
在一次战斗中巴恩斯下令用火焰喷射器烧毁一个村中，伊莱亚斯则极力劝阻巴恩斯的暴行，两人从此正式分道扬镳。
又一次激战到来，伊莱亚斯负伤，巴恩斯闻声而至，命令泰勒背另一名伤员撤退，自己则趁机将枪口瞄准伊莱亚斯。巴恩斯甚至想杀掉知晓真情的泰勒，然而，此时正好一颗炸弹落下，两人都失去知觉。他们醒来后，巴恩斯命令泰勒去找军医，而泰勒则将枪口对准了巴恩斯，扣动了扳机。
秘境寻奇(7)太空惊情秘境寻奇(7)太空惊情
太空探险是人类历史上最为瑰丽，最为壮阔的探险活动，无论是火星人玩转地球，还是地球人进军宇宙都会让你感受到一种想象无极限，情感无边界的电影风暴，大片荟萃，明星云集这就是太空惊情。
人类对太空的探索是二十世纪最值得纪念的历史事件，它向我们展示了一种严谨的逻辑与盎然的诗意结合之后产生的时代辉煌。它将和谐与激进融为一体，汇集成一股滔滔不绝、娓娓动听的洪流，携带着人类对自身命运的联想一泻千里。
20世纪，人类对“是否存在外星生命”、“我们是否宇宙中孤独的智慧”这些话题保持着不间断的热度。只不过，“外星人”已经从“科学领域”走进到了“文学艺术领域”。对于大部分公众来说，外星生命并不是作为一门科学或哲学进入他们的生活，而是通过幻想小说以及影片的形式使他们得到感性认识。科学激发了文学的创造力，而文学与电影又激发了大众的想象，外星人的概念成为新兴科幻小说的主题，这些作品以文学和电影的形式不断发展，而人们对宇宙的想象也在深受大众喜爱的影片中达到了顶峰。
逐渐发展的科学已经让我们知道，地球并非宇宙的唯一，不仅如此，整个宇宙里甚至还存在着无数个太阳系。地球是多么渺小、脆弱，她不过是一颗镶嵌在茫茫黑暗中的蓝宝石，人类对已知宇宙的探索也如同在黑暗中的前行，带着未知和希望开始起步。然而对于不能参与真实生活中的太空冒险的人们来说，他们对宇宙、对太空、对外星人这些词汇的认知，很大程度上都是来自精彩的科幻电影。对宇宙的未知并不是限制人们想象力的枷锁，电影中的太空反而成为了主人公们冒险的舞台，而宇宙中各种神奇而未知的生物也表达了人类渴望与外界沟通，成为宇宙一员的强烈愿望。无论是表现外星人造访地球的影片，还是描述人类外太空之旅的故事，都传达出一个共同的主题：那就是人类对自身的反省和对美好未来的渴望。
在德国哲学家和历史学家拉斯唯茨晚年所写的一篇关于外星生命的文章中说道：“我们在凝视星空时会想到，即使在那些无法达到的星球上，也可能存在着有血有肉、有思想、有感性的生物。认为宇宙中只有地球上有智慧和生命存在的想法是完全荒谬的！”即使如此，人类对外星生命的态度却是五味杂陈。影片《2001太空漫游》《ET》《独立日》以及《黑衣人》确立了外星人在电影艺术中的位置，太空时代的到来更增加了电影的影响力，以及它们潜在的现实意义。
太空漫游
影片《2001太空漫游》堪称科幻电影历史上的里程碑式作品，在这部被认为从根本上改变了电影面貌的作品中，我们看到的不仅仅是人类对未知宇宙的探索，更有关照人类过去和未来这样具有哲学意义的命题。
影片最早是由著名英国作家克拉克写的短篇小说《了望哨》改编而来的，《2001：太空漫游》以三四百万年前非洲荒原上一群猩猩开场，配乐是理查·斯特劳斯的《查拉图斯特拉如是说》，一首取材自哲学家尼采的交响诗。全片属于散点式结构，由相互独立的四个部分组成。
影片从300万年以前的远古岁月开始，横跨整个人类历史到达21世纪，写出了人类一步一步地走出襁褓，走向宇宙的艰难历程。在 整个影片中最令人费解的要算是一块黑色的石板，正是他的出现促使了猩猩进化，他们向天空中扔出的一根骨头幻化成一艘宇宙飞船，更是电影史中最经典的画面之一。
影片拍摄
《2001：太空漫游》的导演库布里克素以慢工出细活著称，影片的三百多个特技场面均由他本人设计、监制，这些独特而精美的画面空前绝后，影片的拍摄耗时四年，据说在拍摄期间投资方华纳的主管曾经忍无可忍的打电话问库布里克：“２００１到底是片名还是发行日期”。
《2001：太空漫游》于1968年公映，而人类登陆月球的真正时间是1969年，但电影中的太空旅行场景却精确的令人不可思议。在人类对于月球表面具体是什么样子基本上一无所知的时候，导演库布里克借助当时并不发达的电影特技技术，将这些场景营造的惟妙惟肖，简直让人以为是实地拍摄的。同时，作为一部严肃的科幻片，《2001：太空漫游》中出现了大量太空旅行的细节。本片的技术顾问曾在美国航空航天局担任宇宙飞行器的设计工作，无以伦比的真实性使得本片中几乎所有的细节都完美的模拟了太空中可能出现的情况。
在这样的影片面前，我们不得不赞叹：学术似乎有止境，但想象力永远没有尽头。面对无限未知的天际我们正需要更多这样的导演和电影作品
在影片《2001：太空漫游》中，更重要的是一种预言，一种有关人的净化，人性以及宇宙的沉思与遐想，而片中音乐和动作的完美结合则更是让人赞叹不己。影片的最后，宇航员在黑色石板的帮助下“羽化”成了一名宇宙的婴儿。象征着人类从此成为宇宙的一员。 影评家大卫·登比曾经写道：“那块黑色的石板，是一种超自然的进化力量，每隔长长的一段时间，就会在尖叫声中出现，给世界猛的一踢，使其在进化的阶梯上更上一级。”这句话无论是用来形容导演还是影片，都恰到好处。
天外来客《E.T.》
在上个世纪初，一本杂志连载了H.G.韦尔斯撰写的著作《宇宙战争》，在这个故事里，地球经常受到火星生灵的观察，由此开始，人类脱离地球、与外星生物接触的想法便越来越为人们喜闻乐见。20世纪中叶，外星人正加速地被改编成电影和电视。太空时代的到来更增加了电影的影响力以及其潜在的现实主义意义。视觉传播媒介将外星人与大众又拉近了一步。关于天外来客的想象不仅催生了现代小说中最重要的类型，也直接影响到了第七艺术的技术进步和内容发展。在这样的类型片中，关于美好友谊、人性善恶的《E.T.》迄今为止仍然被尊为经典。
电影《ET》的故事情节并不复杂。小男孩艾里奥特有个老是想着捉弄自己的哥哥和一个还不太会讲话的小妹妹，他们三个和不久前离异的母亲住在一起。由于工作忙碌加上心情压抑，母亲市场会忽视和孩子们的沟通，忘记对他们关爱。所以善良而孤独的艾里奥特只能依靠幻想打法自己寂寞的时间。然而有一天，他在玉米地里发现了一个奇怪的生物，于是，艾里奥特的生活改变了。
艾里奥特发现了一个被同伴不小心留在地球上的小外星人ET，他瞒着妈妈收留了孤独无助的外星人，给他吃巧克力，还把他介绍给自己的哥哥、妹妹、和小狗。虽然他们在语言上无法沟通，然而感情却跨越了一切外在的障碍；虽然他们的外形有如此大的差异，但却都有着一颗敏感善良、渴望着爱与呵护的童心。他们之间建立起了一种奇妙的心灵感应，孤独的ET和孤独的艾里奥特成了最好的朋友，于是他们都不再孤独。
不可避免地，ET被大人们发现了，于是他们如临大敌，警察、军队、FBI蜂拥而至，大人不顾孩子们苦苦哀求，无情地抓走了ET，根本无视此时的他是那么的无辜、脆弱、和绝望。他们只想把这个外星人当作千载难逢的珍贵试验品进行研究。
在大人们无情的双手之下，原本因为试图联系自己的飞船而着凉的ET到了生死的边缘
艾里奥特在哥哥和伙伴们的帮助下终于从研究中心救出了九死一生的ET，不料大人们又设下了重重关卡，意图拦截这支营救小队。就在大人的眼皮底下，ET展现了他不可思议的神奇力量，带领大家摆脱了包围圈。
《ET》一般被认为是最有人情味的科幻电影之一，这个腾空的段落是全片的高潮。影片中的外星人诞生之后就开始了它自己的历程，更为微妙的是，故事内容的不断发展得到了来自哲学和宗教等领域的越来越多的回应，包括对善与恶、人类的特殊与平凡等传统问题的探讨。在研究外星人的思想、动机以及对我们人类的看法时，人类会感到自身的生命界限得到了拓展。
在影片《ET》里孩子是主角是正面角色，他们富有同情心，尽力帮助被困在地球上的外星人ET，而大人则成了反面角色，他们为所谓的科学研究而四处追捕ET。孩子们的自行车飞跃了大人们的重重围堵也象征着纯真超越了世俗的力量。 ET和艾里奥特的友谊更成为影史中不老的时刻之一。 在《侏罗纪公园》出现之前，《ET》是好莱坞商业上最为成功的科幻影片。这一事实表明了公众在友善的和恐怖的外星人中更喜欢前者。然而并非每一部影片都像《ET》一样，对外星人的存在抱有美好的幻想。在上个世纪的最后四分之一时间里，电影艺术探索了人类对外星人本质想象的两个极端：善意与恶意。到20世纪末，诞生仅仅100年的外星人已经在大众文化和科学想象中发挥了重要的作用。在这一个世纪的历程中，我们可以找出属于不同风格的外星人文学派别。在19世纪末，拉斯唯茨曾十分乐观地通过外星生命来表达对乌托邦的希望，但怪物式的外星人毫无疑问是人类最强大的“对手”，并且在电影中得到了表现。在类似《独立日》这类的影片中，外星人被当成了人类的假想敌。
《独立日》的故事开始于未来某年的7月2日，美国各地的监视站发现一艘直径达数百英里的巨大飞船接近了地球。飞船发出的无线电信号干扰了地球的通信卫星信号。飞船放出了36艘直径达15英里的子飞船飞抵地球上各大城市的上空。世界上的人们感到了迷惑和恐惧，但也有人想要欢迎外星友好使者的来临。
总统在得知外星人发出的信号其实是攻击的倒计时信号。急忙下令撤离，但为时已晚。7月3日，外星人的飞船开始攻击地球。在一瞬间，人类就遭到了巨大的打击和灾难。
整个世界几乎遭到了灭顶之灾 ，为了生存美国空军向外星人的飞船发动了进攻，因为外星飞船具有保护罩，空军的打击有如以卵击石，毫无作用。不仅如此，外星人的飞船还向空军基地发起了进攻，最后唯有飞行员史蒂文设法诱使一架外星人的战斗飞艇坠毁。 并且抓获
了一名外星人俘虏。 总统一行人来到了代号为51区的罗斯韦尔基地。在那里，科学家们一直在研究一艘于50多年前坠毁的外星人飞艇。但由于国防部长个人的政治野心，总统却对此一无所知，从而未能提前预防惨剧发生。
史蒂文将外星人俘虏带到了罗斯韦尔基地。但复活过来的外星人却残杀了在基地工作的科学家。通过脑波交流，总统明白了外星人的企图，并下定决心进行了一次核打击。
众所周知，核武器虽然具有强大的打击力，但其遗留在地球上的副作用却更为恐怖，但即便是这样的毁灭性武器，还是由于外星人飞船的保护力场未能成功。人类最后的希望似乎也已经破灭。就在这个时候，电脑工程师戴维想出来利用电脑病毒使外星人的保护力场失效的方法。在修复了那架50多年前的飞艇之后，史蒂文要驾驶飞艇和戴维一起混入外星人的母舰。他们的任务是成功的输入病毒，解除了外星人的保护力场，并且将一颗核弹射入了外星人母舰的中心，最后在千钧一发之际逃出外星人的母舰。 与此同时美国也向世界各国的残存军队，发出了总反攻的信号，总统亲自驾驶飞机与外星人作战。
人类终于在最后的关头消灭了外星侵略者。在一片废墟上，我们将开始重建家园。
《黑衣人》
在星际电影已流行于泛滥之际，拍摄于1997年的《黑衣人》却出人意料地给人以新鲜有趣的感觉，受到了评论界的好评，娱乐效果甚高。本片根据罗威尔·坎宁汉的连环画改编，故事发生在未来时代，由于宇宙战乱不断，大批外星人纷纷到地球避难。而专门对付外星人的特殊警察就叫做黑衣人，他们的职责是监视在地球上生活的外星人以及侦察它们对地球的不良举动。
影片最成功的地方，在于它虽然改编自漫画书，却在恰当地营造出一种夸张的风格之余并没有忽略观众可能得到的信息，电影煞费苦心地说服观众：本片呈现的那个光怪陆离的外星人世界有可能是真的，只不过一般人不愿意相信罢了。为了让故事的发展符合逻辑，电影把观众带入了威尔·史密斯饰演的杰的观点，随着他的历险，认识在地球上有一个数十年来受到美国神秘机构监管的“外星人移民世界”。汤米·李·琼斯饰演的凯则负责解开谜底。
《黑衣人》不同于其他同类科幻片模式化的故事处理，它的高明之处在于，导演培瑞－桑尼菲尔并没有把外星人和特技作为全部的卖点，反而着重传统的人物性格对比和幽默感十足的对白与场景处理。
K和J的任务是监督外星人在地球上的活动，所以任何外星人如果图谋不轨，就会被这两位身穿黑色西装的特警歼灭。他们搭档到处对付奇形怪状的外星人，结果却笑料百出。例如这一幕：在K盘问外星人，而J则被迫
体外星人接生的场景中。观众们一定会因为人类与外星生物的互动，而忍俊不止。在一联串调查未登记外星人访地球记录时，K和J竟发现银河中的恐怖份子正秘密的行动-他们准备刺杀另一星球的大使。由于这个举动将引起宇宙间的征战、世界将面临崩溃，K和J必须在地球被外星人渣毁灭前找到这批恐怖份子，并且消灭他们。 当然K和J在一连串爆笑的场景中完成了任务。《黑衣人》的剧情发展在自圆其说之余，还有峰回路转之妙，最后更着力于刻画K和J的友谊。或于我们都应该意识到，不断变换着的生命形式，仅仅提供了故事的背景，描写外星人的电影必须超出探险故事本身，才能蕴含哲学、宗教以及道德的意义，才能以此探索更深奥的问题。
影片的最后K的记忆在他的要求下被消除，他回到了正常人的生活中，共中依然激烈地讨论着外星人的存在和政府阴谋论。但J和他的新搭档又开始了不同的任务。
太空的神奇魅力一直牵引着电影人无限的遐想。航天事业还没有开始时电影就预见了这一天的到来，人类踏入太空的科学探索，则进一步挖掘了电影人深度挖掘太空题材的欲望。
按照美国评论家布里安·阿什的说法，所有科幻故事都可以包容在19种题材之中，而在这19种题材中，星海远航和星际殖民位列第一。在这些前瞻性的影片中。许多经典的场面，不知激发了多少人对太空旅行和外星生命的想象和热情的探究。不管银幕上的太空征程使用的是哪种形式，都体现了人类对宇宙的向往和远远没有终结的征服欲望。
太空歌剧
以太空旅行为主题的科幻电影，脱胎于科幻文学中的一个主要流派——“太空歌剧”。辨别一部太空题材的科幻作品是否太空剧，其重要的标准就是，它是否严格地按照天文学和宇航技术的知识展开情节。如果在一部科幻题材的电影中，所有的情节都是严格按照已有的天文学和宇航技术展开的，那么它就是普通的太空题材的科幻作品。而在太空歌剧电影里，太空只是冒险的场所，现有的科学常识并不是限制人们想象力的枷锁。
在上世纪末，“外星情结”弥漫的氛围中，《星河舰队》结合了40年代的战争电影和50年代的怪兽电影，企图以最先进的电脑特效为科幻动作片开拓新境界。
未来世界，人类社会的终极敌人，是来自外星球的虫类。高中毕业时，在女友卡门的鼓动下，来自阿根廷的富家子弟约翰尼·瑞科毅然违背父亲让他上大学的意愿，报名加入了机械化步兵学校，而卡门则选择了海军学院，她梦想当一名星际舰队的女飞行员。
在训练过程中，卡门喜欢上了冷酷英俊的教官巴卡洛，而瑞科则与分配在同一军营中的女同学弗洛瑞丝产生了感情。不久，从瑞科的老家布宜诺斯艾利斯传来了外星球昆虫袭击的消息，他的家人和朋友均遭屠杀。负责侦察的卡门将从空中拍摄到的录像资料传送给瑞科，悲愤交加的瑞科决定率领部下投入战斗。
美国军方派星河舰队前往虫类的老巢，另一颗行星，对虫族进行围剿。但是大大抵估了这种类似蜘蛛的昆虫的威力，它们比人大出数倍，具有坚不可摧的外壳，强劲有力的钳子和锋利无比的牙齿，它们顽强好战，是一种非常可怕的杀人武器，第一场遭遇战以美军全面失败而告终，十万名士兵血洒疆场。
在一个山谷里，瑞科一部遭到成百上千只昆虫的袭击，它们像潮水般涌来，先进的机枪在它们面前显得无能为力。一番激战之后，只有瑞科几人幸存下来。这时，他们意识到必须借助于更先进的武器来抗击这些杀人怪物，于是瑞科带领余部加入了星际舰队，与卡门和巴卡洛并肩作战，向敌人发起还击。
虫类与人类的战斗愈演愈烈，卡门驾驶的飞船被击中，他们只能乘坐小型飞艇逃往虫类行星。在这里的一个洞穴中，卡门和巴卡洛受到了虫类的袭击，巴卡洛的死亡让瑞科等人明白了，这些昆虫为什么比人聪明的原因！原来它们拥有一个母体，这个庞大恶心的怪物会将死去士兵的脑髓统统吸进体内，这样它便将无数人的智慧集中于一身。
电影《星河舰队》作为太空歌剧电影的一种类型，未来的人类已经开始前往遥远的外太空进行移民， 但人类在移民过程中与外星世界发生了战争，人类庞大的太空舰队通过超光速飞行的方式，很快就达到了数百光年之外的外星球，然后再通过换乘小飞船的方式登陆到外星球上。这样的电影对于解释人类如何跨越遥远的星际距离毫无兴趣，太空只是故事发生的背景。于是我们在电影中就看到了这样的场景，在很容易做星际旅行的超未来，居然大部分步兵还在使用火药发射的动能弹步枪来对付蜂拥而至的外星虫族。而观众对于影片中主人公是如何从地球来到外星也毫不关心，他们只想看到骁勇善战的地球战士是如何在外星猎杀虫族的刺激场面。
重新回到之前讨论过的问题上来，在人类对外信生命的想象中，这些生物通常都会走两个极端：善意的与恶意的。一个有趣的现象是，在众多描写星际远航的电影中，人类在外太空遇到的生物大多是恶意的。《星河舰队》中的虫族怪物，让我们看到人类在面对“地球外存在何种生命？”这个问题时的矛盾心情。
宇宙异型
从现实的角度来说，我们耗费了巨资去搜寻外星生命的证据，然而迄今还毫无结果；从想象的角度来说好莱坞的电影工厂已经制造出了大量对人类充满敌意的外星怪物，除了虫类之外；还有更加夸张的－－异形。
众多异形电影中，系列电影《异形》可谓经典。
影片《异形》一开场便是一幅非常壮阔美丽的太空画卷，画面缓慢地在镜头中滑过，过了一段时间屏幕又开始产生了变化。善于营造气氛的导演雷德利·斯科特从一开始便让我们感受到平静的太空中所蕴含的恐怖感，一个小时的悬念铺垫营造出令人窒息的恐怖气氛。
一艘进行太空作业的宇宙飞船上，太空船员被一段奇怪的警告信息打断了他们的飞行计划，为了查明情况，他们降落在一个不明星球LV-426上，在LV-426上几名船员发现一艘被丢弃的太空船，这里寄生了一种不明生物，其中一名船员的脸上不小心粘附了这种寄生物，他失去了意识，然后被人抬回自己的太空船里。影片的前一个小时其实都在为后面做铺垫，营造悬念和恐怖的气氛。在前一个小时的时间里，我们看到的只有船员、太空、和LV-426，直到他们发现丢弃的太空船里的有活体有机生物，这个时候“异形”才第一次在本片显露它的原始形态。
异形成功的很大原因要归功于“幽闭”这个特点。简单来说就是：一艘太空船 + 一只异形 + 不断死去的船员 + 尖叫声的总和，再乘以幽闭恐怖系数，就等于异形系列。茫无边际的太空增加了恐怖系数，活体探测仪增加了幽闭感，这样一来，如此的“恐怖元素搭配”首次出现在荧屏必然令观众肾上腺激素猛增，尤其是当异形开始对飞船上人员的伏击和屠杀开始之后。 潜入科学家体内的怪物开始长大，第一个人胸腹破裂肚而亡。随后每十分钟左右就会死一个人，气氛压抑得令人难以承受。节奏虽然压抑，但是导演并没有像无数B级片一样，流于渲染暴力，而是在表现气氛的同时，让每个人的“死法”各不相同：达拉斯之死是“只闻其声”，帕克和蓝伯特死在一起，异形开始现身。最后只剩女机师雷普利独自战斗。
从制作方面来看，画面颜色的搭配、物体的质感和特技的效果都让人不敢相信这是1979年以前拍出来的电影。作为科幻电影，《异形》最成功的当然是那精心设计的未来背景和飞船，虽调子黑暗却细节齐备，即使今天看来仍令人叫绝，为此本片获了当年奥斯卡特技奖。作品一向以阴暗恐怖著称的瑞士著名超现实主义艺术家吉格是“异形”的设计师。在异形诞生的星球上，我们看到了有机生物与金属无缝衔接的怪异场景。电影呈现了它者的可肢解性，务求使这恐怖到极点的异形生命体，单只在造形上就代表了‘被压抑者的回归和复仇’。电影后半部被覆罩在阴森黑暗的气氛中，烘托出人类与异形、科学与妖魔之间一次剑拔弩张的对决。然而我们还应该看到，电影之所以让人觉得恐怖是因为异形幼虫要找人作为它的宿主。照这样看似乎是科学行动带来了异形，跟许多其他科幻电影大多带有一点点淡淡的反科学色彩一样，异形电影也不例外，归根结底，恶意的想像来自想像者的恶意，人类在跟外星生命打交道之前，在科学技术上固然要做更多的准备，在道德和心智上也还有待于进化到一个更高的阶段。
人的太空
电影的历史同时也记录了人类探索宇宙的历史与未来，真正的宇宙中可能没有异形、没有虫类、没有黑色的石板而有的，只是无限的星河点缀在黑色的天鹅绒上。电影描述人类征服宇宙时，现实世界中的我们已经登上了月球，并且向火星发送了探测机器人。想象人类最终成为宇宙一员的时刻，是多么令人心情激荡，在电影中，宇航员曾说宇宙之美几乎无法用语言来形容，它只适合诗人的文字。科幻电影其实充满了人类对宇宙的敬意，它们提供了一种方式，使人们把现在作为历史来理解，电影的真实绝不是它使未来充满生气的能力，相反它最重要的使命是反复表现或说明未来的不确定性，以及人类在这一过程中反省并且完善自身的可能。电影中的宇宙，有自己复杂而有趣的形式历史，她是神秘的，也有自己独特的力量，我们只有考察它们的特殊力量，才能把握电影作为一种形式和历史事件的形成，电影作为一种文类，它预测未来的性质是一种叙述的性质，这种叙述是现代化的、反映性的、也是自我破坏或解构性的。它们以自己的方式，传达出人类询问自身的终极问题，那就是“存在”。
2005年，一部低成本的英国电影《银河系漫游指南》用喜剧的形式将宇宙、人类甚至外星生物整个调侃了一遍。 阿瑟·登特是个普普通通的英国人，在某年某月的某一天，他发现自己的家已经被铲平，为的是修建一条新的大路。愤怒的阿瑟还没来得及回过神，就发现整个地球也遭到了和自己同样的命运——一艘巨大的外星建筑施工飞船正等着把我们的星球炸得灰飞烟灭，因为地球属于他们修建银河系高速公路上的违章建筑。外星人声称炸平地球的计划书已经在五十年前就搁置在阿尔法人马座的办公室里，所以现在的地球人即使想提出上诉也已经太晚了。
阿瑟被自己的朋友，一个和福特轿车同名的外星人解救，他们带着宇宙间的热门畅销书《银河系漫游指南》，开始了在星系间求生的爆笑旅程。
《银河系漫游指南》最早是以BBC广播剧的形式出现在上个世纪七十年代末期，与《星球大战》、《第三类接触》等星际题材的好莱坞电影属于同一个时代的作品。然而《银河系漫游指南》虽然结合了此类电影的特性，却用古怪且带有些神经质的英式幽默风格，嘲弄了许多流行的科幻作品，更传达出人类在面对宇宙时的渺小和脆弱。
在整个《银河系漫游指南》中，最出色的并非任何一个人物，而是那本电子书《银河系漫游指南》。电影工作人员，对应该以何种方式呈现这本书冥思苦想，在原著中这是一本普通的印刷品。而导演加斯－詹宁斯却希望书的内容能够以动画的形式，呈现在观众眼前。导演意识到，电影不需要过多的先进科技，也没必要超越当今的创作水平，这本书不应该像新款手机那样时髦，而是要世界通用，且永远不会过时。
这本书记载了银河系中各种星球和生物的主要特点，包括阿瑟和福特第一次遭遇的“把地球炸掉的”沃钢星人，这些长相恶心行动迟缓的家伙，最喜欢给另外的物种念自己写作的诗。
除了沃钢人之外，阿瑟还遇见了有两个头、并且神经不太正常的宇宙总统扎福德·比博布鲁克斯，他在当选总统之后，却离家出走，在宇宙间寻找（‘从何处来、往何处去’这个）终极问题的答案。
在比博布鲁克斯的飞船上，阿瑟发现了自己一直心仪的女孩，她还是地球的另一个生还者；以及永远心情沮丧的机器人马文。
电影最大的转折点出现在这些人去寻找机器人‘沉思’的星球上。在这里阿瑟遇见了名字异常古怪，专门负责制造星球的斯拉提巴特法斯特。阿瑟这才发现，原来自己一直生活的星球只不过是老鼠们制造的试验基地。正是老鼠们制造了‘沉思’，让她思考宇宙间最终极的问题：我们从何而来，又该往何处去？
因为终极问题的答案就在被意外炸掉的地球上，斯拉提巴特法斯特在老鼠们的授命下负责建造地球二号。而阿瑟终于回到了自己的家，但他已经不再是以前的自己。在这个看似荒诞不经的场景中，我们所见证的其实还是人类周而复始的循环历程，从这一点来说，《银河系漫游指南》和《2001太空漫游》其实揭示了同类的问题：那就是人类渴望成为太空的一员，参与到宇宙的循环历程中去。
《银河系漫游指南》提供了一个明显与我们意指的世界根本不同的世界，然而又以某种认识的方式返回来面对那个意指的世界。或许宇宙是一个系统的系统，一个结构的结构。结构的语言就是以一种虚构的方式对人类的处境进行探讨。宇宙，因其神秘和未知成为了这一探讨的舞台，我们应该牢牢记住：太空永远是启示的梦想，是人类的神话，是超越和改变人类的最终目的地。 生命周而复始，无论是在宇宙里，还是在地球上。
20世纪科学技术的迅速发展，拓宽了人们的物质世界，也拓宽人们认识的深度和广度。人们进行了太空之旅，为宇宙现象增添了类星体、脉冲星、放射星系和黑洞。这期间，旧观念有了修正和新意识也得到了建立，让种种壮丽的景象都增添了实现的可能。
在畅游宇宙的过程中 ，我们应该意识到，地球是多么渺小、脆弱，在浩瀚的宇宙中她是一个珍贵的小斑点，了解了这一点你就会豁然开朗，原来在这个蓝白色的小斑点上，所有的一切对我们而言，都是那么的值得珍惜 秘境寻奇(2)幽幽古堡光影交织的世界，石头和梦构筑的王国，昔日歌舞繁华的场所，在时间和地势的合谋下最终演变成人迹罕至的地方。神秘的古堡故事为什么总让人惊魂！古堡情节究竟反应了怎样的文化心理，幽幽古堡为你解读这光怪陆离的故事
秘境寻奇(2)幽幽古堡
建筑，作为历史的一个符号，几乎与人类文明同样古老。它们最原始的用途并不是享受，而是为了抵御自然伤害和外来侵略的防御工事。因此，远古的建筑大多伫立在山崖或者河边，远离尘寰。今天，当历史的踪影已经无处可寻，远古的硝烟和厮杀声早已湮灭，剩下的，就只有建筑本身，沉寂在现代的喧嚣之中。历经千年岁月的古建筑，一代又一代的主人更迭，让它们拥有了庞杂厚重的深刻记忆，于是，逐渐流传出一些异乎寻常的故事，恐怖的、美好的、真实的、魔幻的，都在被时间侵蚀的建筑物中，延伸开来。 在风靡全球的魔幻电影《哈利·波特》系列中，我们不会忘记这样的场景。
1991年，哈利·波特11岁生日的那天，他收到了一份意外的礼物。这张信件注明了寄往水腊树街四号楼梯下碗橱柜里的哈利·波特先生，而里面含有一张霍格沃茨魔法学校的录取通知书。从小就在姨父姨妈家被受虐待和歧视的哈利，虽然怀揣着懵懂和不安，却依然义无反顾地脱离现实生活，来到了这座由尖塔、雕塑、和庭院构成的神秘城堡。
在整个哈利·波特系列电影中，霍格沃茨城堡占有举足轻重的地位。主人公的整个成长过程，都发生在这里。城堡充满了古老欧洲的风味，这里拥有一切神秘的元素，迷宫般的校舍，未知的长廊，会说话的油画，通往密道的雕像，无一不带有中世纪神话的色彩。正是在这样神奇的地方，哈利登上了铸造英雄的舞台。
不过，魔法城堡仅仅是冒险的开始。更多带有幻想的古老建筑正在前方等待着我们。这些与魔法、骑士、命运、以及古老和神秘联结在一起的城堡，其实暗合了人们渴望逃避简单的现实、渴望奇迹到来的心理愿望。在这些古老的领域中行走，如同穿越历史的轨迹和想象的空间，而人类对于古建筑的一切幻想，都映射着经历神话仪式一般的原始心理。在这样的背景下，古老的建筑物慢慢地被人类赋予了许多超越本身用途的隐喻，在文学作品和电影创作中，这样的隐喻便得到了最为明显的表现。
毫无疑问，这些被历史和时间浸染的空间，将带领我们一起体验一次荡气回肠的冒险经历。
穿越莽莽丛林，眼前豁然开朗，我们的旅途又一次停驻，出现在我们眼前的，是另外一个神秘的领域：那些被弃置的、荒废的古建筑。
面对这样的建筑，我们最好奇的只有一个问题，那就是：这些建筑物里面有些什么？为了解开这个谜题，我们精心挑选了几处古宅和城堡，随着无处不在的摄影机，记录一次令人大开眼界的冒险。
古堡惊情
提到古堡，人们最先想到的，可能是流传于欧洲民间故事中最神秘、冷酷、却优雅并且充满贵族气息的——吸血鬼。有人曾经这样形容过吸血鬼的魅力：如果换来的是永生，那么失去太阳又算得了什么呢？这种寄生于人类尸体的怪物，把自己献给了浩瀚的黑夜，无法再见阳光，却拥有不老的容颜和永恒的生命。在经历漫长岁月的洗礼之后，吸血鬼拥有了渊博的知识和强大的魔力。他们能够化身成蝙蝠，吸取活人的鲜血，并且把被害者变成自己的同类。
关于吸血鬼的起源，有很多说法，然而令吸血鬼成为欧洲文化中的一个符号并且普及到艺术领域，爱尔兰作家布莱恩·斯托克在1897年根据民间传说改编写作的《德古拉》功不可没。“来自德古拉伯爵尖锐牙齿的一个吻，能够让任何一个英国淑女变成嗜血的恶魔。”斯托克写下这句话之后，这份由玫瑰花瓣和血腥伤口所组成的定律竟然蔓延开来，形成了一个庞大的吸血鬼亚文化体系，成为西方世界的传说中，最有魅力的故事之一，而德古拉伯爵也成了世所公认的吸血鬼始祖。大导演弗朗西斯科·科波拉拍摄于1992年的电影《惊情四百年》就改编自斯托克的小说，并且被视为所有吸血鬼电影中艺术价值最高的一部。
1897年。年轻的伦敦律师乔纳森·哈克接到了一份工作，前往位于特兰斯瓦尼亚属地的德古拉家族城堡，办理德古拉伯爵在伦敦的地产合约手续。为此，他与美丽的未婚妻米娜分离。心中想念未婚妻的乔纳森原本希望合约一完成就返回伦敦，然而伯爵却盛情邀请，希望乔纳森能够在城堡中小住，无法拒绝的乔纳森答应了伯爵的要求，却没有想到，这一切的原因远远并非自己的想象。
关于吸血鬼的起源，有很多说法，在《惊情四百年》中，运用的就是其中最著名的德古拉伯爵的传说。1462年，君士坦丁堡受到土耳其人的袭击，德古拉伯爵受命征讨。谁知就在他获胜的时候，却谣言四起，盛传他不仅被打败，并且已经被杀死。他的妻子伊丽莎白悲痛欲绝，投河自杀。所以班师回国的德古拉伯爵只看见了妻子的尸体。
因为伊丽莎白是自杀而死，她的灵魂无法升入天国。于是德古拉愤怒地责问上帝，为什么自己一生为主而战，最终却遭到这种结局。在失去爱人的悲痛和对上帝的憎恨中，他用长矛刺中十字架，圣像流淌出鲜血。从此，德古拉伯爵为了复仇而投靠魔鬼，以鲜血做生命，成为了一个不老不死的吸血鬼。
当乔纳森在幽冷阴森的古堡中见到深居简出的德古拉伯爵时，他已是白发苍苍、眉宇间洋溢着鬼魅气息的老人，梳着一种说不清道不明的古怪发型，拖着长长的血红色袍子。镜子中，德古拉没有映像。墙壁上，德古拉的影子如同鬼一般自由活动。这座古堡似乎就是的古拉伯爵本人，幽暗阴森，四处充满了离奇的事物，让乔纳森打心底感到恐惧。当德古拉伯爵看到乔纳森的未婚妻米娜的照片，立刻就发现她和伊丽莎白的长相一模一样，等待了四百年的爱情在伯爵的心中复苏，深信米娜就是妻子转世的伯爵常常在乔纳森周围徘徊。
为了寻找伊丽莎白转世的米娜，德古拉伯爵将乔纳森囚禁在古堡中，自己则变成年轻时的样子，来到了伦敦。他和米娜终于在熙熙攘攘的街头相遇、慢慢熟悉。
德古拉伯爵长达四百年的深切思念感染着米娜。和伯爵在一起的时候，米娜经常回想起一些过去似乎经历过的事情，当时的城堡、爱情、战争、和悲剧。那时的她是和伯爵一起的，以伊丽莎白的身份爱着伯爵。那是他们前世的故事，而眼前的这个男人正是她深爱的王子。
在任何传说中，吸血鬼都是异教崇拜的代言，《惊情四百年》中的吸血鬼也是如此。然而导演弗朗西斯·科波拉运用独特的视角，一反以往吸血鬼故事的基调，没有把他们作为一种邪恶和丑陋的化身，而是坚贞的爱情捍卫者。他虽然住在阴森恐怖的古堡中，能够呼风唤雨，支配黑暗的精灵，然而却依然充满了人类高贵的品格，虽然被命运玩弄，却并没有妥协，而是坚决地与之抗争。与之相对的人类，则显得渺小可悲。
因为米娜的好朋友露西被德古拉变成了吸血鬼，引来了一名叫范海辛的人，他一直追踪着这个古老的种族，并且带领人类消灭吸血鬼。另一方面，乔纳森终于逃出了古堡，要与米娜完婚。米娜虽然心中放不下伯爵，但还是写信告诉他，自己决定嫁给乔纳森。范海辛看出了米娜心中的疑惑，决定利用她与伯爵之间的关系，将伯爵彻底消灭。
因为乔纳森提供的信息，狂热的范海辛带着人找到了伯爵在伦敦的住所，但是却扑了个空，德古拉趁机找到了单独一人的米娜。米娜虽然恨着杀死露西的伯爵，但又不能忘怀自己对它的爱，最终，米娜恳求伯爵把自己变成和他一样的吸血鬼，这样他们才能永远地在一起。
影片《惊情四百年》自一开始看似冷静的叙述，逐步向越来越不可抑制的狂躁情绪方向发展，导演似乎是想通过影调的压抑，镜头的晃动不安，向人们描述一种激烈的、溢于言表的爱情，一种与传统圣洁的爱情相悖的、偏离了基督教教义的爱情，直到现在，这种爱情观还不能被人们所完全接受。然而，这样的爱丝毫不比传统的圣洁爱情逊色。
范海辛催眠了米娜，利用她对前世的回忆和对伯爵的爱找到了德古拉的城堡，为了与米娜在城堡中相见的伯爵在回家的途中遭遇了范海辛的伏击，人类与吸血鬼的斗争在此开始了最后的战斗。
在《惊情四百年》的故事中，没有明确的关于正义与邪恶的标准。德古拉伯爵的出现的确让我们感到邪恶，但许多邪恶并不是他制造的，而是因他而暴露在我们眼前的——他的力量使一些人屈服于内心的欲望。而那些自称正义的执法者，却让人感到软弱，多余。他们无法正视自己的欲望，却反而讲一切罪孽都责怪到伯爵身上。
在人类的追捕下，被逼上绝路的伯爵与米娜双双逃入了古堡，奄奄一息的德古拉要求米娜为自己结束这永世的诅咒，让他们的爱情超越一切，甚至死亡。德古拉对米娜这样说道：我蒙上双眼，向魔鬼贡献我的灵魂来换取永生。我迷失在岁月的长河中，追寻你的足迹，可，当我找到你，却怎么忍心牵引你陷入万劫不复的地狱？我的上帝曾离开了我，而我也曾背弃了他，但爱使我们远离邪恶。
虽然在整个《惊情四百年》中，科波拉对宗教所保持的是一种怀疑且批判的态度，古堡和妖魔所发出的邪恶狂笑是对人世的戏谑。可惜，在影片的结尾处，与命运抗争的斗士又变回了虔诚的信徒，古堡被入侵，德古拉死亡，在圣光的普照下，他的躯体终于重生。然而即使是这样一个略显不足的结局，也不会减弱那份四百年盟约的分量，因为那份超越世俗的真爱如此让我们动容。
入侵鬼屋
《惊情四百年》中，古堡作为故事的背景，并没有积极参与到叙事的进展中，然而这样孤独、苍凉、却又充满神秘感的建筑，可能除却居住者本身之外，本身在历史和记忆的沁染中，产生了独立的个性。在这样一栋荒废已久，却充满了故事的古宅中，抱着探险心态走入其中的人们，又会遇上怎样的奇遇呢？ 影片《鬼入侵》所讲述的正是这样一段冒险。电影运用了经典的恐怖环境和故事线索，一群互不认识的人被困在一个与世隔绝的地点，周围是恐怖的超自然力量。他们必须及时逃走，否则就会失去生命，然而邪恶的力量却不断地阻止他们。
在《鬼入侵》中，这个与世隔绝的地点是一座山中之屋，由纺织商休·克雷恩男爵建造于130年前，然而大宅建成之后就不断地发生血光之灾，留下了一个又一个死亡的故事，其中还包括纺织商全家。
一个世纪后，一个名叫大卫·马洛的博士对这所房子的过去产生了兴趣，他谎称要做一个关于睡眠失调的研究，其实想要调查集体恐惧的表现。于是马洛博士征召了三位参与者，这三个人是：妮尔，她是这群人中最敏感的一个；菲尔，一个外表比实际勇敢的女人；卢克，愤世嫉俗者，他第一个对马洛博士的动机产生了怀疑。
一来到这所古宅，妮尔就被其中某些东西深深吸引，冥冥中似乎有什么在呼唤着她。虽然有人警告他们，在这所房子里，没有人能够呆上一个晚上，但他们还是住了进来。不久之后，他们才明白为什么有人警告自己不能在这里过夜，尤其不能呆在黑暗中。房子的墙壁直立，地板坚固，然而当地人都知道，有什么东西总是在走动，在黑暗中，孤独地走动。 经典的惊悚电影倾向于制造一个又一个的悬念，同时通过声、光、影的结合，令观众产生恐惧感，然后在影片的最后几分钟给与解释，而且，由于参与者寥寥无几，在幽闭空间中制造恐怖和悬念就显得更令人信服。随着一个又一个谜题的揭开，观众也会越来越投入。《鬼入侵》改编自雪莉·杰克森的小说《希尔鬼屋》，曾经由导演罗伯特·怀斯在1953年翻拍成经典，对导演和制片来说，这个故事有趣的地方在于，一栋房子可能本身就充满邪恶，因此希尔豪宅便成为了影片的中心，叙事的主体，这个地狱般的场所，必须能够让人吓得魂飞魄散。
时至今日，电影特效在技术上有了重大的突破，尤其是计算机技术在电影制作上广泛而逐渐成熟的使用，令人们对恐怖电影有了更加逼真、乃至更具冲击力的全方位享受。随着数字技术的进一步成熟，使得电影中的恐怖特效愈发慑人。然而许多经典的恐怖手段依然存在于各类恐怖影片当中，一个简单的蒙太奇就可以让观众坠入银幕的梦境中。比如，影片中的半夜敲门的这个场景，其实严格而言，什么真正的恐怖镜头都没有出现，然而就是突然而然的视觉刺激和听觉震撼，出其不意地令人们产生恐惧感。
既然鬼屋的内部如此恐怖诡异，外观也必须符合这个标准。电影的工作人员经过仔细勘查之后，终于在英国的林肯郡找到了合适的宅院——海和斯顿庄园。据说这栋豪宅是一间名副其实的鬼屋，它坐落在道路的尽头，在冬天的白云中，似乎突然从地平线上冒了出来，令人不寒而栗，而且不同的季节还有不同的面貌，确实是建筑上的杰作。美术指导尤金·尼欧扎奈提融合了歌德、新古典、巴洛克、和罗马式的建筑风格，为这栋鬼屋营造出一种有机物的感觉。鬼屋的内部充满了迷宫般的走廊和房间，美术指导和工作人员花了两个月时间，才在摄影棚中搭盖完这些延绵不断的走廊和房间，另外，他们又在长岛造出了庞大的圆形屋顶和华丽的楼梯，最后又回到摄影棚中搭建起影片中最诡异华丽的镜室，一旦打开大门，这间房间就会像打开的音乐盒一样转起来。
从最根本的意义上来说，恐怖片存在的心理基础在于人类的一种终极的情感——对死亡的焦虑。而任何一种足以引起这种焦虑的景像都可以给观众带来挥之不去的恐惧。而这类凶险的景像或幻影的一个共同的特点是，它们往往来自一个为人们所未知，或所知甚少的世界；它所涉及到的题材因而常常超出人类正常知识和经验的范围。实际上，不论是来自超自然世界的魔怪还是来自现实生活中的种种恐惧，它们都代表着一种来自外部世界的威胁，它构成了恐怖电影世界中的第一个梦魇。从这个角度上来说，虽然表现手法和主题都不同，但《鬼入侵》和类似的影片都会强调同样的一点，那就是内部与外部的界限。身在古宅之内的人是无法摆脱被厄运纠缠的命运，只有走出那个空间，才能摆脱最终的陷落。这一点，其实和心理学上治愈幽闭恐惧症的方法异曲同工。借由挖掘童年回忆，能够治疗许多成年人的心理问题。
在《鬼入侵》中，冥冥中被鬼魂吸引的妮尔，终于发现了这个古宅的秘密，在此过程中，妮尔本人的过去也随之浮出水面。她之所以能够听见孩子们的呼唤，其实是因为她是古宅的主人克雷恩男爵的后代，这幢宅第原本应该是她的家。克雷恩男爵害死了在自己工厂工作的孩子们，并且在死后还一直纠缠着这些孩子的灵魂。
妮尔对真相的发掘使得影片《鬼入侵》带有一定的宿命色彩，在很大程度上，更像一个自我救赎的故事。类似‘父债子偿’的观念也在此得到了体现。只有克雷恩男爵的后代才能听到孩子们的求救，因此，也只有他的后代才能弥补祖先所犯下的罪孽。揭开谜题的关键落在了妮尔身上。不仅如此，影片还涉及了许多与童年记忆相关心理学问题。这一点体现了构成恐怖电影世界的另一个、甚至可能是更加重要的梦魇，这就是来自人类自身及其充满各种欲望的内心世界。
恐怖片极少触及到艺术的王国，它没有悲剧性的人物，也不能改变我们看世界的方式。然而它也并非仅仅只有刺激人们感官的恐怖场面和使人惊吓的骇人故事。从早期直到今天，恐怖片实际上在不断作为一个道德的校正物向人们宣扬人类自身的弱点，以及放任这些弱点可能带来的灾难性后果。因此，影片才会仿造罗丹的著名雕塑《地狱之门》，而造出一扇公正无私的审判大门。如果说古宅是第一道门的话，此处就是第二道门，连接着阴阳二界，直接影射基督教中的最后审判。
正是在这扇门前，妮尔勇敢地面对恶性不改的祖父克雷恩男爵，影片中最恐怖的怪物。克雷恩男爵的幽灵不愿放过任何可能揭穿自己秘密的人。利用老宅的机关杀死卢克之后，他连马洛博士和菲尔也不放过。
无数的审判者自宏伟的大门倾巢而出，将克雷恩男爵拉下了地狱。完成了使命的妮尔和孩子们一起升上了天堂，马洛博士和菲尔则留在了人间。电影最终还是借由恐怖片和鬼屋的外衣，向我们传达了正义必将战胜邪恶的永恒主题，因此那幢古宅，也终于开始沐浴在阳光之下。
神秘的古堡，幽暗的老宅，因为它们本身的古老和孤独，一度成为人们想象中连接不同世界的大门，甚至是人们对异世界幻想的代表。从科学的语境下解读，这些建筑一方面是真实的、供人居住的所在，另外一方面又是超自然的存在，有时甚至是与人间完全分离的形而上空间。然而正是这样的建筑，与它所代表的符号意义一起，为我们渴望冒险的心提供了一条解脱困境的道路，有助于人们发现自身在世界之中所处的位置，更好地诠释那些奇异的瞬间迷狂，从我们的日常平凡当中超脱出来。
通往异世界
通往异世界的想法从远古时代就一直伴随着人类文明，直到今天，这不仅仅是人类对无法改变的现实的逃避心态，一种冒险的渴望，更代表了人类期盼超越神灵，成为创世纪主宰的永恒心愿。能够参与到这一过程当中的人们，在个体与现实完全隔绝的过程中，将激发出另一种深层力量，进行人格重建。如同神话中的升天之旅，这个过程包含着‘死亡’和‘重生’两个部分，其中，古建筑所起到的就是媒介的作用。
由波兰斯基导演、改编自小说《杜马斯俱乐部》的影片《第九道门》，便是借用了这样一个噱头，将一座荒凉的古堡想象成证明信仰的渠道。
书商科索为了追查三本古籍《影子王国的第九道门》的真伪，来到了欧洲，在这里他遇上了无数离奇的事件，而原本简单的使命也因此浸染了危险的气息。每一本《第九道门》中都有不同的、作者署名为‘露西弗’的插图，它们就是通往异世界的钥匙。为了这些插图，科索的委托人伯肯不惜杀害了书籍的拥有者，来到了这座荒凉的古堡，举行升入异世界的仪式。
撇开影片中怪力乱神的内容不谈，《第九道门》实际上揭示了从古至今一直掩藏在欧洲天主教文明之下的异教想象，一种对宗教现实的叛离，正因为这些仪式的隐秘性和离奇感，以此为主题的流行文学作品一直盛行不衰。故事中所提及的魔鬼崇拜直到今天还有信奉者。
虽然伯肯收集了九张插图，但最关键的最后一张竟然早就被人调包。在假插图的欺骗下，走火入魔的伯肯白白浪费了自己的生命。而侥幸从古堡逃生的科索找到了最后那幅真正的插图，在一片悬疑鬼魅的金色光芒中，走进了未知的世界。
《纳尼亚传奇：狮子、女巫、和魔衣橱》
正是在与现实完全不同的世界里，才能提供一切可能创造神话的必要元素。而神话，自人类诞生之日起便伴随着我们，一直延伸到今天。无论是在西方还是东方的神话传说中，对领域的划分都是十分明显的，因为人类对自己的历史往往不过一知半解，这才催生了许多对起源的追寻。对于未知的探求和仿佛超越历史的建筑结合在一起，打开了通往另一个领域的大门。 第二次世界大战阴影之下的伦敦。裴文斯一家的四个小孩，为了躲避战争的硝烟，被母亲送到了遥远的乡下，住进了教授的老房子里。
为了打法无聊的时间，四个孩子玩起了捉迷藏，年纪最小的露西慌乱中闯进了一间空屋，发现了里边的秘密。
神秘的衣橱似乎没有尽头，它连接着现实世界和纳尼亚大陆。这里有会说话的动物，而这个世界的造物主是一头狮子，名叫阿斯兰。在人类世界中平平无奇的四个小孩子，竟然成为了纳尼亚预言中的主角，他们将带领这里的子民一起对抗残忍的独裁者，创建新的世界。
当我们最终穿越那扇门，来到一个全新的大陆之后，出现在我们眼前的，就是一个自成一体的世界，它充满传奇，代表着冒险，完美地诠释了电影最能令人着迷的特质，那种让我们彻底忘记现实的逃避主义。在这片土地上，最常出现的就是鳞次栉比的城堡和古宅。它们作为神话的种种符号，结合了过去与现在，提供了超越自身的信息。
当四个孩子踏上纳尼亚大陆的时候，出现在他们眼前的是冰天雪地的世界，这里已经一百多年没有春天来临。而制造这片寒冷冬天的罪魁祸首，自称纳尼亚女王的白女巫所居住的是一座由冰雪堆砌的城堡，尖尖的屋顶和瘦长的形状，十分符合白女巫自私残忍的性格。而古堡中更是寒气森森，里面到处都是因为反抗而被白女巫变成石像的动物们。四个孩子其中之一的艾德蒙被白女巫欺骗，抛下三个家人，独自跑到了女巫的城堡。
《纳尼亚》的小说作者C.S.路易斯曾经亲身经历过第一次世界大战，并且在第二次世界大战结束之后发表了他的《纳尼亚编年史》，用整整七部小说的篇幅为我们营造了一个异世界从诞生到衰亡的整个过程。而《狮子、女巫、和魔衣橱》是路易斯《纳尼亚编年史》中最先写作的一部，其中含有许多寓言式的隐喻，纳尼亚的战争，白女巫所创造的冰河世纪，与她所居住的冰雪城堡与战争之中的欧洲重叠，表述了一种对独裁的恐惧。
单独一人走进女巫城堡的艾德蒙，只看到了孤独的王座，然而当他意识到自己犯了错误的时候，已经晚了。
然而与白女巫的宅第相对的卡巴拉城堡，属于纳尼亚大陆的正统继承人，亚当之子和夏娃之女。这座伫立在海边的豪华建筑无论从形状还是色泽都与白女巫的领地有着天壤之别。
正是在这里，最终打败了白女巫的四个孩子继承了皇位，开创了纳尼亚纪元有史以来最辉煌的盛世。以四位继承人取代白女巫一人统治的时代，重新回到人类的初始阶段，从寒冷的冬天进入到春暖花开的四季更迭，有着从毁灭中重建的另一层含义。
当然，最后四个孩子再次通过魔衣橱回到了现实世界，这样的循环往复，则开启了新的冒险篇章。
《指环王》
从《纳尼亚》中我们可以看出，在西方幻想文学已经形成体系的今天，异世界的大陆上，原本被历史淹没的建筑重新被赋予了各自不同的意义，从形式到内容都有一定的轨迹可循，成为解释故事的特定符号。除了《纳尼亚》之外，与之同时期出现的、另一个最明显的建筑代表，属于幻想史诗《指环王》。评论家们曾说：被称作幻想小说的作品，在它们前后都出现过，但只有《纳尼亚》和《指环王》成了幻想小说的里程碑。
在《指环王》里，黑魔王索伦的都市魔多，在小说作者托尔金的想象中，是人类世界最可怕的未来。因为这个城市仅仅为了黑魔王和他的戒指而存在，也就是说，这个城市完全是建立在对权力的依赖之上的。魔多充满了爆发的火山和炙热的熔岩，暗黑魔塔之上，黑魔王的眼睛虎视眈眈。在这样一个邪恶的地方，除了黑魔王那些外貌扭曲、心灵黑暗的随从们，没有人能够生存。
托尔金曾经在他的作品中提出了一个“第二世界”的理论，即第一世界是神创造的世界，也就是我们日常生活的那个世界，而不满足第一世界束缚的人们，用幻想创造出一个想象的第二世界。这个第二世界的所有一切都是由一种看得见的真实形象建构起来的。无论是托尔金还是路易斯，都积极支持并且实践着这样的理论。
与黑魔王的都市魔多相对，代表人类的诸皇之城米那斯提利斯，又被称为白城，它属于钢铎王国，象征着人类世界的联盟，纯洁的白色建筑也彰显了人心中充满希望的一面。打败了黑魔王、并且摧毁了至尊魔界的各族联盟，聚集在这里目睹接受加冕的阿拉贡，则宣告了人皇的时代已经到来。这一过程，相当于经历了‘心理崩溃’和‘生命复苏’的神话仪式，象征性地代表了神灵的黄昏之后，世界重新回归到人类手中。
无论是多么神奇的冒险故事，总有结束的一天，因为无论是作为故事，还是作为建筑空间，都会涉及进和出的问题，从另一个角度来说，幽闭空间一旦被打破，悬念就会失去，随之而来的，就是现实与幻想的冲突。
自古堡中开始，也自古堡中结束，让我们回到德古拉的命运中来，与其说正义最终战胜了邪恶，倒不如说 ‘异类比人类更具人性’，同样传达了这一主题的，还有蒂姆·伯顿1990年的作品《剪刀手爱德华》。他将梦幻赋予了这双手，带出人世的冷暖，带出爱情的纯粹。
古堡奇情
很久很久以前，古堡中住着一位发明家，他制造出了各种东西，最后还造出了一个机器人，并给他起名叫爱德华。发明家对这件作品倾注了全部的心血，他甚至教授爱德华人类的礼仪和诗歌，告诉他该何时微笑，何时沉默。在爱德华生日的那天，发明家送给他一双人类的手，然而，没有等到给自己的孩子安装上这双手，发明家就因为疾病突发去世了，留下已有人类心智却残留着一双剪刀手，想爱人却无法触碰人类的爱德华，独自在古堡生活。
不知经过了多少岁月，远看阴森黑白的古堡让小镇居民一直感到不安。一位中年女子佩格为了推销化妆品大胆走了进去，才发现里面郁郁葱葱，竟然有另一片天地。与之形成对比的是佩个居住的小镇上蜡笔画一样的居民别墅。城堡中一派童趣的园艺营造出一个远离尘嚣的奥兹国世界。
蒂姆·波顿的影片与众不同的地方在于，他的片子一贯画面干净，色彩明亮，犹如四季一般的分明，却又充满梦幻的气息。抽象化的故事背景，似乎非现实的题材，仿佛一则寓言，每个人都可以从中读出不同的意思来。在影片《剪刀手爱德华》中，有两个设置不能不提。其一，是爱德华和发明家所居住的古堡，一方面，古堡本身的神秘感增添了故事的幻想色彩，让不可能成为可能，另一方面，古堡与我们钢筋水泥的世界保持着忽远忽近的距离，正是这样一个未遭尘世污染的乐土，才能给爱德华一颗纯洁的赤子之心。而古堡和人类社会的格格不入，暗示着童话最后的终局。
在这个世界里，佩格发现了形容古怪的爱德华。好心的佩格没有被爱德华惨白的肤色和张牙舞爪的剪刀手吓倒，而是怜其孤独，把他带回了自己的家。由此引出了第二个不能不提的设置，那就是爱德华的剪刀手。它的机械本质使爱德华具有两重性。一方面，他被排除于人类社会必需的身体交流之外，因为他会伤害任何碰到的东西，并且，奇异的剪刀手令他面对人类的复杂生活时会显得拘谨、困窘；另一方面，这双手又使他具有常人不具备的亲近事物的方式和技巧，比如修剪草木，理发，冰雕，切菜，和开锁。爱德华本是与世无争的机器人，却要用剪刀手进行创作来证明自己存在的价值，并博得人类的喜爱。
佩格把爱德华带回家的时候，并没仔细考虑自己的行为，她只希望给爱德华一个家。但佩格的女邻居们，那些喜欢调情、窥探、以及搬弄是非的人们却并不这么想。爱德华的出现，给她们百无聊赖的生活增添了新鲜的刺激，所以大家都对他表现出了极大的友好甚至亲昵。当他展露出用剪刀手修剪植物、设计发型的才华，全镇的人几乎都为他癫狂了，把他当成了明星一样的宠儿。
然而这样的爱德华也有自己的痛苦，他爱上了佩格的女儿、美丽绝俗的金。金早已有了男友吉姆，而且对这位家庭新成员一直有抵触情绪。
为了金的一个请求，爱德华硬着头皮潜入吉姆父亲的豪宅。
看到情况危险，吉姆和朋友们仓皇逃窜。而触动机关的爱德华被警察逮捕，却没有吐露真相。虽然他不久由于“没有判断是非的能力”被释放，但周围的人都把他看成蓄意抢劫财物的危险分子，对他以及佩格全家敬而远之。在这个过程中，金逐渐看清了吉姆的丑恶嘴脸，并对爱德华产生了好感。
那年的圣诞节，小镇上开始飘起了第一场白雪，爱德华站在院中高高的架子上，为金做出了天使一样的冰雕，冰屑飞扬，飘成了雪，金在雪花中翩翩起舞。爱德华无法用剪刀手拥抱他的爱人，只好用自己的创作去向她倾诉。但就在此时，矛盾达到了最高潮。
因为无意间划伤了金的手，爱德华被原本就讨厌自己的吉姆赶走，接着，他救了金的弟弟凯文，却又被大家当成罪魁祸首。爱德华是一个不懂世俗的规则,充满幻想，没有长大的孩童，他的单纯如同洁白的冰雪。因为无知，所以无欲，因为孤独，所以忧伤。他虽然穿着黑色的衣服，梳着凌乱的头发，苍白的面容还带有划痕，可他只是一个纯洁孤独的孩子，他会像孩子一般，对于陌生惊恐，对于慈善眷恋，对于欺骗愤怒。
全镇居民对这样的爱德华误会越来越深，他们都要求驱逐爱德华，这个地方再也不是爱德华的乐园，被孤立的爱德华只能逃回古堡之中。
虽然金接受了爱德华不求回报的爱，然而有的童话从一开始就会有个悲伤的结尾，不论它表面上多么轻快、花哨、令人忍俊不止。因为故事里的主人公是不属于这个世界的人，他们与现实世界从本质上就格格不入，终究不能被世人所接受。与爱德华的纯粹相比，现实世界的人显得异常非人，他们虚荣、恶毒、自私、复杂，他们往往为了一己之私，甚至可以轻易牺牲他人的生命。吉姆就是一个最好的例子。
《剪刀手爱德华》真正树立了蒂姆·波顿个人的电影风格，有着安徒生式的伤感结局，而造成这一结局的原因就是梦想和现实的冲突。如同来自另一个星球的小王子终于无声地倒下；如同快乐王子被丢进铸造厂的火炉焚化；如同海的女儿化成水面上的泡沫，永远失去了她的爱人。而爱德华，一个机器人，一个有一双剪刀手的，连自己爱人都不能拥抱的机器人，最后只能永远隐藏进不为人知的角落，在那里修剪他的植物、冰雪、和爱情。
大凡含有古堡的故事，故事的背景大多被抽象化，而故事的内容却仁者见仁，智者见智。或许有关爱情，或许有关道德，或许有关人性。在这些故事里，古堡都是清一色的哥特造型，地理位置都在人烟稀少的荒山野地，虽远离居民区但也隐约可见。实际上，在电影中，古堡的作用不是拒绝、屏障，而是敞开、迎入，古堡的主人也并不自闭、满足，而是更多地处在等待、孤独的状态，这一切都说明：古堡的主人比普通人更加渴望交流，更加没有威胁。换句话来说，古堡的负面形象倒更加适合普通人，而爱德华才配得上一双真正的手和一栋温暖的房子。
古堡的过去，也许只是一团叱咤的火焰，超越了悲喜而存在。如今，在城门之外想找到完整的护城墙已经是不大可能的事了，〔四周围水，建筑坚固，迷宫一般的古代城堡，有着惊人的美丽，然而这样的辉煌却往往浸染着血色。冰冷的水牢、带着痕的刑具、行宫式的房间、甚至一把竖琴的摆放，似乎都在提示着一种存在，在那里你仿佛看到无数眼睛，飘浮在半空中，像一个个黑洞，种种疑问畏缩在莫名的恐惧里，隐匿其中的事件超越文字，已经无从表述，却刻进记忆和传说。〕因此，胶片上所记录的，所给予我们的传奇，只是无边无际、无穷无限蔓延的片段和极零碎而细微的镜头，它让我们受到人类幻想中最令人兴奋的冒险。
《秘境寻奇》金字塔下金字塔下，丛林深处，幽幽古堡，小岛惊魂，奇思妙想，引领梦开始的地方；
太空惊情，深水世界，洞穴玄机，传奇故事，正所谓终极幻想。 解读电影场景中的七大秘境 搜寻秘境背后的电影传奇 一日一秘境，七天七历险 《秘境寻奇》 从美轮美奂、人物荟萃的埃及亚历山大港南行一百二十九英里，是“沙漠巴黎”开罗。从开罗再往南行，撒哈拉的边缘，漫漫黄沙之中，金字塔会突然以一种不容分说的方式耸立到你的眼前。好像是从天而降，又好像是从大漠深处喷薄而出。而北非那笼罩一切的大太阳为这些同样巨大的四面锥体，涂抹上了捍人心魄的金黄色，它们就这样一直横亘在地平线上，除了沉默还是沉默。它们以这样的方式拒绝着凡人的踏足，它们永远地将尖顶直插天际，似乎在聆听着太阳神的召唤。 金字塔已经存在了五千年，这个时间跨度几乎就是我们所知的人类文明的长度。它阅尽了人世沧桑，俯瞰了在它脚下上演几千年的灾难和繁荣、战争与和平。而它自己却在坚硬的、密不透风的巨大的岩石包裹下不肯轻易展露自己。即使是在科学高度发达的今天金字塔对于我们而言，还仍然有着诸多的未解之谜。而以金字塔为背景的探险片更是为这些谜团渲染上了更加神秘的色彩，今天就让我们通过电影走进金字塔的内部，一步步揭开它那神秘的面纱吧。
金字塔下 一说到金字塔，人们自然便会联想到木乃伊，因为金字塔和木乃伊实在是一对无法分割的卵生文化现象。金字塔成为古埃及法老的最终归宿，木乃伊却是他们期待生死轮回的一个永远虚妄的幻想。然而在电影中，在后人虚构的故事中，围绕着木乃伊，却有那么多生死爱欲的故事在延续着。
木乃伊的生死爱欲
古埃及人相信，死亡并不意味着结束，而仅仅是向另一个世界——冥界的转移。那些关于金字塔建造之迷的猜想，那些令人费解的象形文字，以及那些奇幻的咒语，伴随着沙漠的风语久久地流传着。这些都为电影故事提供了神秘的舞台，因为木乃伊正是古埃及人追求永生和不朽的象征。如果说古埃及人是灵魂的永生，那么摄影术，正是影像的永生。所以也有人说：“电影就是影像的木乃伊。”当这两种情况相遇时激荡出的一定是炫目的激情。
在好莱坞，以木乃伊复活为主要的内容的惊悚片为数颇多，早在1932年，美国早期着名的摄影师和导演卡尔－弗朗德就曾拍摄过一部名为《木乃伊》的恐怖片。尽管这些黑白的影像在今天看来已经没有多少刺激可言，然而在当时，这具面容可憎、浑身缠满了破布条、行动迟缓而执着的僵尸着实吓坏了美国人民。
被吓坏的人当中就包括一个叫斯蒂芬·索莫斯的人，他后来成为了1999年版《木乃伊》的导演。
斯蒂芬·索莫斯因为幼年时代偶然的一次观影经历而彻底迷上了金字塔和木乃伊。或许是在某种神秘感应的召唤下，1998年他带着一行人马和自己编写的剧本，闯进了撒哈拉的漫漫黄沙之中，在古老而神秘的亡灵之城他将会为我们讲述一件什么样的故事呢！
影片的故事有一个很久很久以前的历史背景，那时候的埃及处于历史上是最为强大的时期。那些雄伟的、充满巨大石柱神庙正是在这一时期修建而成。法老塞蒂一世，历史上最富裕的埃及君主。不过这位有着亿万家财和广袤疆土的法老却也难免遭到绿帽子的厄运。给他戴上这顶绿帽子的正是他最信任的大祭祀和他最宠爱的小美人。
他发现了这一切，于是那顶绿帽子就变成了至他于死地的弯刀。
大祭祀埃默霍特普和他的情人阿克苏娜合力杀死了法老，而他们也因此难逃浩劫。
谋杀君主是十恶不赦的大罪，埃默霍特普和他的手下被活生生地制成木乃伊。埃默霍特普更是被施以虫噬的酷刑。这是传说中最为恶毒的诅咒。
就这样，三千年过去了。
大部分以埃及为背景的探险片都有一个一承不变的套路，神秘悠远的历史背景交代之后，一个欧洲的探险队来到埃及，他们的首领一般都是一个英俊潇洒、身手不凡的孤胆英雄。斯蒂芬·索莫斯的《木乃伊》也不例外。这次来到埃及探险的是一个名叫奥康那的退伍军人。在埃及他将遇到他的红粉知己，喜欢研究埃及古文字的图书管理员艾弗琳。
艾弗琳漂亮、聪颖，不过却有些马马虎虎、不受重视，影片中她一出场就闯出了一个不大不小的祸。
艾弗琳的哥哥乔纳森赌钱赢到了一个漂亮的盒子，而这个盒子正是打开一个千年谜团的钥匙。
为了揭开谜底，艾弗琳和乔纳森找到了被当地部落首领囚禁的奥康那，并在最后关头把他从绞刑架上救下来。 于是这个故事就有了勇士加美女的必备要素，一个神秘的未知旅程开始了。
汉姆奈普特拉，埃及的亡灵之城。宝藏和诅咒并存之地。奔向它，就如同奔向死亡。
阿奴比斯，古埃及的死神。在它的身下，奥康那、艾弗琳开始寻找他们梦寐以求的太阳金经。然而一开始他们并没有找到心仪的宝物，却意外地发现了一具神秘的木乃伊。然而另外一群探险者却意外地发现了另外一本，这是神秘的亡灵黑经，它正是木乃伊复活的咒语。
晚上艾弗琳偷走了这本亡灵黑经。
木乃伊埃默霍特普复活了。同他一同复活的还有吃人的圣甲虫、无坚不摧的法老侍卫、以及铺天盖日的蝗虫。底比斯城，这座三千年前的帝王之都，转瞬之间成为了人间地狱。 伊埃默霍特普复活的目的就是为了使他的旧情人，法老的爱妾阿克苏娜复活，为此他虏走了艾弗琳。在亡灵之城深处，埃默霍特普和他的属下念响了亡灵黑经，他要让死去的阿克苏娜依托艾弗琳的躯体重新复活，他要拯救自己沉沦苦海的情人，他要和她重温鸳梦。
与伊埃默霍特普一样，奥康那唯一的目的也是要拯救自己的恋人艾弗琳。两个痴情的汉子，在亡灵之城展开了一番搏斗。
在最后关头，太阳金经出现了。
太阳马车带走了埃默霍特普的灵魂，他和他的阿克苏娜再次堕入万劫不复的幽幽冥界。
斯蒂芬·索莫斯的木乃伊与以往好莱坞电影中的那些残忍的木乃伊僵尸最大的不同在于，他为自己笔下的大祭祀埃默霍特普加入一条贯穿始终的强大的感情线索。这条感情线索为他那凶残、丑恶的外表涂抹上了一层人性的光辉。他为爱而死，又为爱而复活。他还必须面对自己不可抗拒的悲剧命运。 《木乃伊》在北美公映后，掀起了票房沙尘暴。首周的票房高达4000万美元，累积票房更是达到了两亿三千万美元。除此之外，这部电影更是掀起了探秘金字塔和埃及古代王陵的热潮。一部电影塑造的这些繁荣胜景，简直如同撒哈拉沙漠中的海市蜃楼一样虚幻。而大祭祀埃默霍特普呢？他还会回来吗？
影片《木乃伊》一经上映，便取得了空前的成功。虽然古埃乃法老的木乃伊还是那么静静地躺在几千年的岁月之中，然而，电影票房和人们的幻想欲望却注定让它在电影的这个光影世界里再次成为话题的延续，于是便有了《木乃伊归来》。
木乃伊归来 （由古埃及人的信仰引入）——古代埃及宗教信仰的基础是对于自然的崇拜。因而这种崇拜是包罗万象的，任何生灵都有可能成为神的代言人。比如智慧之神在人间的具像是狒狒，太阳神在人间以老鹰的面貌出现。电影《木乃伊》中吃人的甲虫更是被人们称为圣甲虫，因为大部分人相信，太阳就是由甲虫推动的一个大粪球。至于狼头人身的阿奴比斯，更是无数次出现在背景当中，它是埃及的死神。实际上，在金字塔和法老的陵墓中，除了乾尸之外，还发现了大量的动物尸体制成的木乃伊。在当初，它们都是作为护佑法老的神被请进金字塔的。这些远古的神圣的传说在《木乃伊》这样的商业大片中，被赋予了新的内涵：它们都是邪恶而强大的亡灵。
在《木乃伊》获得巨大成功之后，环球公司于2001年推出了这部电影的续集《木乃伊归来》。同大部分续集电影一样，《木乃伊归来》的故事，完全是在它的前作的基础上发展而来，很多地方未免有牵强附会之嫌。一个邪恶的博物馆馆长妄图统治世界，为了达到目的，它通过《亡灵黑经》让大祭祀埃默霍特普再次复活。为了战胜法老的护卫者，他们必须召唤蝎子王的百万狼头军，于是一场大战再次在撒哈拉的慢慢黄沙中上演。
《木乃伊归来》是一部让人大呼过瘾的续集之作，这并不是因为它在故事创新上面有何突破，主要原因就在于，它详尽展现了许多前作中没有进行充分展示的内容。尤其是埃及宗教文化中的诸神，包括圣甲虫、死神阿奴比斯、智慧之神狒狒托托，蝎子王等等，在这部续集中都有大段的精彩亮相。 《木乃伊归来》整个故事 都围绕着蝎子王 遗留人世的一只手镯展开，多年以后奥康纳和艾佛琳已经结婚生子，他们的儿子艾里克斯 恰恰集合了两个人的优点 ，聪明、睿智、同时又勇敢无畏。这个小家伙同他的母亲一样痴迷于埃及文化 ，他对母亲从埃及带回来的所有玩意儿都充满了兴趣，这回他瞄上了一个神奇的手镯。艾里克斯带上手镯的一刹那同时也打开了通往一个神奇传说的密码锁，幻动的光影要将整个故事引向一座神秘的金字塔，那里埋葬着传说中的蝎子王。
关键词－圣甲虫
黑色甲虫是影片《木乃伊》和《木乃伊归来》中最令人发指的一种生物。他们总是在木乃伊复活之前大量的出现，这些黑色的，幽灵一般的昆虫嗜血成性，只要碰到人类的身体就迅速地钻进去，从皮肤下向脑部发起攻击，并最终钻入人的大脑转瞬之间致人于死地。
正如影片中所展示的在埃及法老的陵墓中，这样的甲虫雕像随处可见。但甲虫在埃及那种类庞杂的动物崇拜中很少与诅咒联系在一起，实际上甲虫在古代埃及被称为“圣甲虫”，是一位相当受人尊重的大神。每一个古埃及人都相信正是甲虫每天推着太阳东升西落，如同是它们在田地里推粪球一样。
这种可爱的生物，不幸在以渲染诡异著称的导演手下同诅咒联系在一起，因而也改头换面成了邪恶的象征。甲虫总是伴随埃默霍特普一同出现，它如同是笼罩在木乃伊身上的一团黑色烟雾，让人时刻不忘曾经施在他身上的那种无以伦比的恶毒诅咒。在《木乃伊归来》中对于这种可怕生物的表现更加夸张，为了实现统治世界的野心博物馆馆长集结人马在亡灵之都夜以继日地挖掘，他的目的就是寻找深埋地下的大祭司埃默霍特普的木乃伊。
在一个漆黑的夜晚他们即将触及这个邪恶的亡灵，然而首先出现的正是如同黄沙下面黑色喷泉一样汹涌而出的甲虫。
关键词－阿奴比斯和蝎子王
阿奴比斯是埃及的死神，它是一个狼头人身的怪兽。而魔蝎大帝则是埃及传说中的一个著名君主，他总是以化身蝎子的形象出现。在《木乃伊》这个电影系列中狼和蝎子，这两种同样凶狠的生物总是联系在一起。
影片《木乃伊归来》中隐藏了另外一个故事，就是关于蝎子王的故事。由好莱坞著名肌肉明星岩石扮演的蝎子王是古埃及历史上的一个传奇人物，他在与法老作战中被击败，带领残兵败将逃亡在无尽的沙漠之中。最后，蝎子王只剩下独自一人，这时候他仰天乞求死神阿奴比斯的帮助。阿奴比斯为了控制他，用一个蝎子对他实施了诅咒，从此蝎子王真正成为半人半蝎的恐怖精灵。为了复仇他带领阿奴比斯的百万浪头军向法老的城池发动摧枯拉朽的攻击，但最后关头他又被阿奴比斯出卖化作一阵黑沙，消失在历史的尘埃之中。
蝎子王是《木乃伊归来》中最后出场的大魔怪，如同是电子游戏的最后一关出场的Boss一样，这个人头蝎身的怪兽将整个电影系列所营造的诡异神奇的气氛推向顶峰。
关键词－法老侍卫
邪恶的博物馆馆长让蝎子王复活的目的正是要让他召唤出足以灭绝世界的阿奴比斯狼头军，然后用审判之矛将蝎子王杀死，那样自己就可以统帅这支天下无敌的军队。然而他的如意算盘似乎打得不太精确，因为他忽略了另外一只力量，那就是法老的侍卫军。
《木乃伊》中的奥德斯贝是一个非常重要的配角人物，这个身材魁梧、身手不凡的黑衣人总是在最为关键的时刻出现帮助奥康纳和艾佛琳渡过难关，他是埃及法老侍卫的后代，世世代代守护着亡灵之城汉姆奈普特拉。除了护佑法老的陵墓之外他和他的同伴们另外一个重要的任务，就是看住被施以万恶诅咒的大祭司埃默霍特普，不让他重新危害人间。
忠诚和勇敢是这些法老侍卫的共同特征，手里的弯刀是他们杀敌的武器。这是一只不可小觑的力量，实际上他们才是这片土地的真正主人。
但在《木乃伊》中为了突出主要人物，奥德斯贝只有为数不多的出场机会，即便如此以色列演员奥德菲尔饰演的这个人物还是给人留下了非常深刻的印象，尤其是女性观众更是被他那伟岸的身躯和独特的气质所倾倒，因此在这个电影系列的第二集《木乃伊归来》中法老侍卫的戏份大幅度的增加。影片最后当蝎子王复活后召唤来的百万狼头军，正是由奥德斯贝率领的法老侍卫来对付。一场大战在漫漫撒哈拉中激情上演了。
有趣的是法老侍卫在这个电影系列中并非只有奥德斯贝和他的伙伴们这些正面角色，被复活的埃默霍特普控制的几个木乃伊同样是法老侍卫，他们本来是同奥德斯贝一样守卫法老的陵墓，但因为埃默霍特普咒语的蛊惑成为了影片中最厉害的杀人机器。影片的作者给他们赋予了各种强悍的本领，他们格斗能力甚至比片中的任何一个角色都强大。《木乃伊归来》中这几个家伙再次出现，在伦敦他们与奥康纳等人上演了一场惊心动魄的决斗。
金字塔的神秘主义 浩大的工程，神秘的咒语，消失的文明，几千年的传说，都让金字塔有足够的理由披上神秘的面纱。甚至在现代科技条件下，当人们用新的目光去重新认识和解释它时，在人们的意识中，又制造了一系列新的神秘现象。也许这些神秘现象，也只是人们的幻想而已。而这些幻想，在电影中就有着最好的表现。
人们对于金字塔同宇宙空间的联系并非空穴来风，除了金字塔那结构上的巧合之外，在金字塔的内部，也有着很多神秘的现象。这其中被好莱坞利用最多的就是刻在石壁上的象形文字。这些文字中很多至今也没能有一个权威性的翻译，不过这却为科幻电影提供了进行杜撰的空间。
《第五元素》
《第五元素》是法国导演吕克－贝松充满想象力和激情的科幻巨制，穿梭宇宙时空连贯人类的历史、未来和心灵。这部科幻电影史上的瑰丽作品一开始便将场景放在了神秘的埃及。这个在荒漠的一座残垣断壁中发生的故事直接将古代埃及文明同外星生物联系在一起，刻在岩壁上的几何图形那样清晰却又令人费解，它似乎指向一场未来毁灭人类的大灾难，同时预示了来自浩淼太空的某个拯救力量。
整个故事的走向恰是如此，三百年后那个大灾难如期而至，而试图在最后关头拯救自己的人类在迷一般的千年遗址内部，只能寄希望于几块石头。
人类当然会得到拯救，商业电影总不能把观众带入彻底的绝望。这些暂且不提，可那五千年前的埃及人呢？他们难道真的是通过建造这些巨大的锥形体，同外星人联系的吗？如果法老的墓地仅仅是他想象中飞往永生的太阳船，那些刻在岩壁上的象形文字仅仅是子虚乌有的咒语？那又是什么原因使得人们自从发现埃及文明起，就将它同宇宙空间的神秘现象联系在一起呢？
科学与迷信，在各自的尽头交织在一起含混不清。一切都可以怀疑，都可以否定。当然想象力除外！
《时空之门》
《时空之门》中研究埃及古文字的丹尼尔－杰克逊就一直遇到各种怀疑和否定，他对于埃及象形文字的研究和所有传统观念都风马牛不相及，他的论文发布会成为了尴尬的失去观众的人生舞台。
不过无人问津的观念，并不等于是错误的观念。丹尼尔－杰克逊被一群神秘兮兮的人请到一个同样神秘兮兮的地方。在这里，美国政府正在倾尽全力研究一些来路不明的象形文字。按照一贯的路子丹尼尔一上来就将人家研究了十几年的东西推翻了。不过这次丹尼尔－杰克逊并没有受到冷落，他的观点对于这些研究者们来说简直就是绝处逢生的树藤，他们不得不像丹尼尔挑明了真相。发掘自埃及的这个巨大的圆环，它在无意义中却隐含着从未被人揭开的迷题，丹尼尔就是那个掌握钥匙的人吗？
《时空之门》的前半部分是一场想象力同陈腐观念的大碰撞，它义无反顾地站到了关于埃及神秘主义的阵线上，对迂腐的传统考古知识发出嘲笑。不过电影，尤其是好莱坞电影很少严肃认真地探讨一个学术问题，从某种程度上说它只能站在神秘主义的立场上，因为只有神秘电影才会有票房，这就是埃及神秘主义之下的好莱坞娱乐精神。
《异形大战铁血战士》
让我们回到金字塔，有时候金字塔并不在埃及出现而是出现在北极。去年美国的票房冠军《异形大战铁血战士》的故事就是发生在北极地下一座神秘的金字塔中。这里需要介绍一下关于异形和铁血战士这两个主角。简单地讲他们是好莱坞科幻片中的两个经典人物，而且都是威猛无比的外星生物。这部大片显然源自一个拍脑袋想出来的念头，让它们俩在金字塔里打上一架会怎么样！
不可否认，科幻电影本质上从来不将立足点落在逻辑严密、态度严谨的科学精神上。从一开始它就是一场娱乐的盛宴，不过人类往往是在娱乐中产生天赐一般的想象力。这种想象力结合日常性的研究，才最终推动人类从石器时代进入太空时代，想象力和研究作为科学这把利剑的双刃，缺一不可。当然，关于《异形大战铁血战士》最值得我们关注的是那座深埋于北极地下的金字塔。作为一个特定空间，金字塔无论放到哪里都是一个什么地方都是一个神秘的象征符号，再荒诞不经的故事只要发生在金字塔里面似乎就变得让人信服起来，这使得我们不由得感叹，埃及文明给我们提供的是一个怎样广大的想象空间！
从地理学的角度上来说，古埃及文明属于亚非历史的一个重要组成部分，然而由于错综复杂的原因在历史上它却和欧洲有着纠缠不清的文化关系， 作为一种失落的文明，在很长一段历史时期，古埃及历史的主述者不是埃及本身而是欧洲，所以今天我们读到的关于古埃及的记录大多也都是欧洲版的古埃及，然而今天我们有理由相信，作为这片土地的文明建造者古埃及是埃及人自己的埃及。
公元前４５０年对于那时候的埃及人而言，巨大的斯芬克斯雕像，石柱林立的神殿、雄伟的金字塔，这些早已就是司空见惯的事情了，然而这一切对于地中海对岸的欧洲人来说，却都是难以置信的奇迹。
希罗多德古希腊第一位历史学家，他是有历史记载的第一位到达埃及的欧洲人，从此埃及的文明史开始由欧洲人转述，他们从自身角度出发为全世界提供了关于埃及－－这个古老伟大的人类文明的所有细节。不能否认的是，如今我们听到的古埃及的历史本身就是一部由欧洲人参与的历史，因而在绝大多数以古代埃及为背景的影片中都有欧洲人的身影。
欧洲－埃及－好莱坞
《埃及艳后》
《埃及艳后》是一个最早也是最著名的例证，在这部当时算得上是好莱坞历史上投资最大的历史巨片中，代表欧洲人来到埃及的正是那位古罗马不可一世的著名君主凯撒，而埃及为他奉上的第一礼物，就是美貌的埃及艳后－克里奥帕特拉。《埃及艳后》中凯撒与克里奥帕特拉的旷世恋情背后，实际上集合了美国人对于神秘的埃及文明的充满了主观色彩的想象，这种想象必须结合的内容包括：奢华的宫廷场景、变幻的历史烟云、居心叵测的阴谋和性感美丽的女主角。
在六十年代，以传统和保守著称的好莱坞，这些内容恰好就是构成一部票房大片的必备要素，《埃及艳后》的大部分场景是在好莱坞的摄影棚里搭建而成，这些充满古埃及符号的影片的创作者对于古埃及文化有着深入而透彻的了解。只不过，这些简直还可以以假乱真的场景当中，上演的却并非是真正的埃及埃及故事，欧洲人始终是拥有强势地位的主角。
这当然不是第一次欧洲人以主人公和占领者的姿态出现在埃及的背景中，实际上《埃及艳后》以及同它类似的大量以探险冒险埃及为主要内容的好莱坞影片，不过是欧洲人以自己的方式阐述历史的小小例证，在富含科学精神的同时，殖民主义这个词汇也标注在每个镜头上。
值得一提的是《埃及艳后》的饰演者伊丽莎白－泰勒，这位好莱坞历史上最美丽同时也最富争议的女明星，以她结合了东方与西方最佳优点的美貌，历史性地完成了这个角色。然而在这部电影之后，她马上陷入到各种各样的绯闻当中无法脱身，无数次的婚姻，使她成为人生活报剧的主角，而非电影的主角。
克里奥帕特拉这个埃及艳后，也成为她最后一个给人们留下深刻印象的银幕形象。
在这部影片的最后，她饰演的角色用眼镜蛇结束自己生命的场景，简直就是一个充满预言的场面。而更诡异的是在真正的历史上，艳后克里奥帕特拉也恰恰是埃及古代王朝的最后一个君主，在她去世之后，埃及被纳入来自欧洲的罗马帝国的版图，延续了３７００年的法老统治宣告终结。一个曾经无比辉煌的古代文明，从此，彻底湮没在滚滚黄沙之中。
欧洲VS埃及
在倡导平等、自由、思想更为开放、反思精神更加强烈的法国，那种妄自尊大的影片从来也没有成为过主流，即便是在他们拍摄的商业影片当中也能够鲜明地
体现这种批判态度。 ２００２年的法国喜剧大片《女王任务》以充满智慧和幽默的方式，将《埃及艳后》之类的影片进行了彻底的颠覆和调侃。
故事发还是生在凯撒和埃及艳后克里奥帕特拉之间，在完成两平定天下的大任之后两个集权人物，在无聊中打发着时间。某一天，他们心血来潮准备打一个赌！为了显示埃及人在建筑方面的天分，克里奥帕特拉下令在三个月内建造一座皇宫，而如果皇宫建成不可一世的凯撒就必须当众承认“埃及人是世界上最伟大的民族”。建筑师奴美洛比斯被强令负责这项几乎不可能完成的任务，更为糟糕的是对他忌妒要命的另一个御用建筑师阿蒙鲍非斯，还不断制造着各种麻烦。无奈之下奴美洛比斯只好原赴高卢，请来了三位拥有一种神奇药水的高卢大师帮助自己修建皇宫。需要解释一下的是高卢正是法兰西的前身，当时他们同埃及一样处于凯撒的罗马帝国的统治之下，显然影片的编导从一开始就将自己同古代埃及人民，放在了同样的处境当中。
在埃及人、高卢人以及神秘药水的共同努力下，修建皇宫的工程以匪夷所思的进度进展着，雄伟的皇宫眼看着就如同沙漠中海市蜃楼一般矗立起来。丧心病狂的建筑师阿蒙鲍非斯，准备在著名的胡夫金字塔下做一个最终了断，他使用阴谋诡计将三个高卢法师困在金字塔中。在小狗的帮助下三位高卢法师从金字塔里逃了出来
，不过糟糕的是，德帕迪约饰演的法师奥贝利克斯闯下了大祸！这是特有的法国式的自嘲，坐落于最大的金字塔－胡夫塔前方的师身人面像,面部遭到损坏却使没有鼻子，而据说将斯芬克斯毁容的正是当年入侵埃及的法国皇帝拿破仑，影片的编导在此处实际上是在替祖先道歉。 《女王任务》这部电影用尽了一切手段，对欧美的传统的历史观念进行嘲讽和颠覆，尤其是对以凯撒为首的罗马帝国更是将其挖苦到体无完肤的地步，在这里影片的作者的态度已经不仅仅是戏说历史那样简单，很显然罗马军团的做派像极了某个霸权主义的超级大国。
影片的最后皇宫按期建成，而不可一世的凯撒也不得不当中承认:埃及人是世界上最伟大的民族。可是凯撒的话不过是上下嘴唇相碰的事情，真正享受这不富丽辉煌的宫殿的还是阴谋家和集权者。影片的结尾作者带着一丝淡淡的哀愁回到人民当中，而背景就是由金字塔和神庙、王宫组成的伟大的埃及文明，欢腾的人群只是在阐述一个观点－只有普通大众才是历史真正的创造者。
一段曾经辉煌的文明，在历史的烟海中曾经失落，又得以重新认识。作为这段文明的见证，金字塔不仅为我们讲述了过去，也会我们提供了一个更大的幻想的起点。也许这正是金字塔近乎神奇的魅力所在吧。今天，我们一起跟随电影领略了这种魅力，不仅仅是金字塔的魅力，也是电影有魅力。电影外，关于金字塔的猜测还在继续，电影中，也许还会有更多关于金字塔的故事。 银幕一家亲银幕一家亲（上） 影视圈是一个残酷的竞技场，因为观众的眼睛从来都容不得半粒沙子，凡才华拙劣、长相平平者都将在最短的时间内被淘汰出局。那么留下来的PK赢家就一定禁得起推敲吗？他们是否也得到了某些光环的庇护呢？
这是一个可以被称为尤物的女人，单是那双充满热望和诱惑的眼睛以及宽大饱满的双唇，就足以达到摄人心魄的目的，加之完美的身线、野性的纹身。即使是在美女如云的好莱坞，她也有着足够骄傲的理由。关注茱莉的人会发现，她的每一个角色都似乎是为她量身定做，在文艺片里她有着机智的头脑，丰富的内心；在动作片里她有着矫捷的身手，结识的臂肌。良好的素质与天分使得她轻而易举地抱得了奥斯卡小金人，而她富有戏剧性的婚姻和多姿多彩的绯闻，则足以让观众目眩神迷、应接不暇。对于这样一个真正的明星，我们不会联想到她会借助家人的东风飞上枝头，而事实上茱莉也在很长时间内回避父亲这个字眼。因为在成长过程中，茱莉和父亲有着长期的不合。虽然我们可以把茱莉在演艺圈的发展视为子承父业，但实际上茱莉在成功之路上似乎并未受到父亲的帮助。 茱莉曾经憎恶的父亲就是乔恩－沃伊特，当然从这张苍老的照片上很难找到他与茱莉的血缘关系。那就让我们乘着电影的翅膀回到30年前，他在拍摄于1969年的影片《午夜牛郎》中的精彩表演，在剧中饰演了一个梦想到纽约挣大钱的大眼睛皮条客乔－巴克。作为新人的沃伊特将精力旺盛的得克萨斯州青年巴克，塑造得栩栩如生而一夜成名，这似乎于茱莉的成名有异曲同工之处。父女俩都是靠本身的优势——性感！做为成名的敲门砖，而成名后又都是以良好的演技受到人们的认可。这部描写两个男人之间情感的电影，因为乔恩－沃伊特和达斯汀－霍夫曼的演绎成为了好莱坞永恒的经典。乔恩也因为该片获得了奥斯卡最佳男主角的提名，在其后的几年里他多次获得提名，并因为《归家》中的出色表现抱得了小金人。但是这些在年轻的茱莉眼中一钱不值，早在茱莉两岁时父母的离异给童年的茱莉留下了阴影，使得茱莉坚决与这位明星老爸划清界限，声称这个人对于她，无论是演艺生涯，还是现实生活都毫不相干，如同陌路。当日前，茱莉与皮特的绯闻闹得沸沸扬扬时茱莉还宣誓：她绝不当可耻的第三者。逼得皮特与原配离婚，她才名正言顺地生下皮特的女儿，可见幼年时的阴影留给她多大的伤害。当然她没有意识到正是父亲在他成长过程中的缺席，造成了她好胜、倔强和内柔外刚的性格。 1993年安吉丽娜－茱莉在影片《电子人》中出演了一个跑龙套的小角色，接着1995年又在影片《骇客》中扮演了一名计算机黑客。虽然都是一些小角色，但安吉丽娜—茱莉清秀的面容和不俗的演技，很快便引起了观众和导演的注意。同时，这段颠沛流离的成长经历也为她积累了鲜活而真实的人生体验。茱莉第一次的婚姻破裂让这对父女关系有所缓和，茱莉在这一次人生的重创中理解了父亲，除缺血浓于水的亲缘关系，相似的职业道路和情感经历也使这对父女二人惺惺相惜，从此开始了在事业上的一些合作。 2001年沃伊特参加了麦克尔－贝执导的史诗战争巨片《珍珠港》的拍摄之后，他与女儿茱莉合作推出了西蒙－韦斯特执导的动作惊险片《古墓丽影》。影片改编自流行电脑游戏《古墓丽影》，他在剧中饰演劳拉的父亲，考古学家克罗夫特公爵。乔恩－沃伊特与女儿茱莉的张狂、性感不同，他更多的是一种沉稳与儒雅，好似一瓶美酒越久越淳、沁人心脾。他有着强壮的体魄、开朗的性格、富有魅力的个性，在一定程度上甚至我们可以把他视为，当代美国人梦想的化身。而《古墓丽影》中乔恩－沃伊特出演父亲一角显然是给光彩夺目的女儿，作了一片平淡的绿叶。茱莉这个名字伴随着这部游戏改编的影片，被全世界的影迷们记在了心里，而身为昔日影帝的乔恩－沃伊特则在渐渐地淡出人们的视野，这看似是应验了有些悲凉的生物界的进化论，但是在感情的世界里相信这对父女正在收获着圆满。
对于大多数中国观众而言亨利－方达的名字并不陌生，但是他年轻时主演的影片却因为年代久远而鲜为人知，但是女儿简－方达成了他最好的注解。 1980年他与女儿共同出演了影片《金色池塘》，并因此而在他去世的前一年获得了他生命中唯一一座奥斯卡的小金人。影片《金色池塘》讲述了一个温馨的家庭故事，描述退休的老教授与老伴在新英伦湖畔的度假屋中度假，在平静的日子里却面临年老的各种危机。他的女儿刚离婚，正处于徘徊的心境，一向关系不佳的父女终于因为十三岁的孙子跟祖父同居了一段日子，而解开了各种心结。和影片中所表现的父女情如出一辙，现实中女儿简－方达喜欢跳水但却遭到父亲的反对，从此父女感情产生了诸多误解，甚至产生了仇恨心理。亨利为此一直很内疚常常想找机会补偿对女儿的爱，他一直期待着个人生命史上与女儿和解的这一页。机会终于来了，导演马克－瑞戴尔找来父女俩共同出演此片，我们暂且不必知道导演是出于什么原因让二人合作，但也正是此片使得父女二人有了和解的机会。人们弄不清这父女俩是在演绎电影里的规定情景还是演绎生活的本身，因为这两者就是一回事，所以扮演夫人的凯瑟琳－赫本说：“我留在摄影棚里仅仅是为了看看这场和解的镜头。”这个镜头是动人的，深刻的寓意超出了原著加工后的电影脚本。那些日子对于亨利和简－方达来说都是有很重要意义的，他们正寻找他们失去的东西。 影片以夫妻情、父女情以及子孙情的方式来探讨了老年人与年轻人之间的代沟关系，片中风景美丽，演员实力雄厚。此片曾获得最佳改编剧本、最佳男主角、最佳女主角三项金像奖，使凯瑟琳－赫本成为影史上唯一的四届金像奖影后，亨利－方达也在病床上如愿以偿地获得了他渴望已久的奥斯卡奖。这不能不说，正是这种血浓于水的亲情成就了简－方达父女在精神上的团圆，成就了这部电影。
在好莱坞如果你不知道库克－道格拉斯，那么就等于在中国的京剧界你不了解梅兰芳。出生于1916年的库克－道格拉斯给人们留下了近80部电影，两部畅销书和两本自传还有他的精神。在这部由著名导演库布里克执导的影片《斯巴达克斯》中库克－道格拉斯在片中饰演一名不堪被欺压虐待，被罗马贵族用来娱乐的奴隶，但也正是他的卑微反衬了他的伟大。“我不是畜生的宣言”吹响了公园前73年奴隶起义的号角。库克－道格拉斯协同劳伦斯－奥利弗等大牌明星演绎了一部荡气回肠的史诗巨片。而后库克－道格拉斯更凭借1949年的影片《冠军》、1952年的《玉女奇遇》、1956年的《欲望浮生》三次获得奥斯卡提名，但每次都被排挤出局。1996年美国艺术与科学学院颁发给他奥斯卡终身成就奖，以表彰他杰出的电影成就和正直的品格。 他的四个儿子都跟随着他进入了电影界，大儿子麦克尔－道格拉斯几乎完全继承了父亲的刚毅面孔，这也使他在进入好莱坞时背负了沉重的心理包袱。也正是出于这种逆反心理他拒绝接演像父亲那样的勇者形象，而更愿意自己另辟蹊径，正如后来我们所知道的麦克尔－道格拉斯同样获得了成功。1944年9月25日出生的麦克尔－道格拉斯1975年担当了《飞越疯人院》的制片人，他对于影片全片的掌控能力丝毫不逊色于自己的父亲。这部描写精神病院的影片让麦克尔－道格拉斯出尽了风头，一举夺得了1976年度奥斯卡最佳影片、导演、男女主角及剧本等五项大奖，并创造了1.8亿美元的票房。而在1987年他本人因主演《华尔街》也获得了当年的奥斯卡影帝称号，在表演道路上，麦克尔－道格拉斯俨然成为了好莱坞票房的保证。在这部《超完美谋杀》中麦克尔－道格拉斯扮演了一个有钱有势却遭到妻子背叛的富商史蒂芬－泰勒，于是他设计展开了对妻子报复。该片根据希区柯克的惊悚片《电话谋杀案》改编而成，片中的主人公全非正面角色，和父亲只愿充当正面英雄的观念不同麦克尔－道格拉斯表示：演坏人其实是一件很好玩的事情，因为坏人通常是戏剧中最有趣的角色。这也正是这部电影最有趣和最精彩的地方。比起老道格拉斯脸谱化、程式化的表演方式，小道格拉斯的银幕之路显然要宽阔许多，无论是扮演商界大亨、美国总统或是普通警员、流浪汉，他都将这些刚毅、阴险的角色刻画得入木三分。虽然父子二人在外形上也有许多不同之处，但他们有着同样与生俱来的气质，那就是坚韧、霸气。
1954年出生于香港的成龙，原名陈港生，7岁时进入著名京剧武生于占元主办的戏剧学校学戏，8岁涉足影坛。1962年在影片《大小黄天霸》中出演了小配角后便开始在一系列影片中出任武打替身、特技替身和助理武术指导等。当年力捧成龙的香港导演罗维给他取艺名成龙，除了挟中国人望子成龙的美意外，也希望他能成为像李小龙一样成功的巨星。而成龙也不负众望，从一个平凡的一名武打学徒做起，先是在80年代称霸亚洲市场，继而在90年代后期进军好莱坞，交出了喜人的成绩单成为独树一帜的动作喜剧巨星。
2005年房祖名出演了尔冬升的新片《早熟》并再次担纲男主角，而配角则汇集了毛舜筠、曾志伟、黄秋生等重量级大腕。但是在这部影片中房祖名的进步只是体现在状态的松弛当中，演技方面仍然有待提高。这部影片让这对父子同时获得了香港电影金像奖最佳男主角的提名。成龙的成功来源于他谦恭的态度、良好的武生素质以及常人难以企及的敬业精神，这也是那一代香港电影人的普遍追求，于是也才有了曾经雄霸一方的香港电影。但成龙对儿子的爱显然与在好莱坞打拼的乔恩－沃伊特对女儿安吉莉娜－茱丽的爱有些不同，这也正是中西方文化的区别所在。也许是人们知道房祖名是成龙儿子的原因，所以对房祖名的要求自然也就高了一些，但演艺圈的竞争是非常残酷的，如果只靠家庭背景演艺之路能走多远，仍然还是一个未知数。
子承父业似乎早已成为古今中外的一个传统，如果说演员的成功多半得益于父母所赐的精制面孔，那么遗传学在精神方面的贡献则更多地作用在那些大牌导演的身上。 索菲亚 AND 弗朗西斯 AND 尼古拉斯 你可以在任意版本的世界电影史上找到弗朗西斯－科波拉这个名字，也可以毫不费力地说出铭刻着这一名字的知名影片。弗朗西斯－福特－科波拉生于底特律，祖籍意大利，曾就读于加利福尼亚大学洛杉矶分校影剧系，获电影硕士学位。从1963年起弗朗西斯－科波拉开始独立拍片，1970年为电影《巴顿将军》撰写了剧本，以传记的形式描绘了巴顿将军的传奇经历，成为了一部经典好莱坞巨片，八十年代曾在内地轰动一时。而弗朗西斯－科波拉也凭此片获美国奥斯卡最佳编剧奖。 片中扮演巴顿的演员，乔治－斯科特在片中的表演堪称经典，他出神入化地塑造了这位桀骜不逊、威严傲慢的传奇将军。导演福兰克林－沙夫纳在二战期间曾以海军中队长的身份，参加了巴顿指挥的西西里岛登陆战，这种特殊经历使他在影片处理上显得游刃有余。影片在摄影上运用宽银幕技术，使影片的画面显得相当漂亮，许多巨大场面拍摄清晰而集中令人赞叹。影片自公映后获得好评，在1970年奥斯卡评选中战胜了由大明星主演高成本投资的《爱情故事》《航空港》等片，夺得最佳影片，最佳剧本，最佳导演，最佳，最佳男主角，最佳美工，最佳剪辑与最佳音响七项大奖。 1972年弗朗西斯－科波拉导演了《教父》一片，此片一经上映便引起空前的反响。《教父1》也获得第45届奥斯卡最佳影片奖，影片讲述了一个黑手党家族的振兴史，影片的深层意义在于他为美国电影史上一个十分悠久的经典类型犯罪片，开拓了宽广的前景，它不仅拓展了犯罪片的表现领域其思想意义和内涵也远远超越了暴力的范畴。并将主题升华为人类社会中最常见的权力交替的深层意义，权力与罪恶的关系。而弗朗西斯－科波拉在片中将暴力美学带进了一个全新的时代，影片在70 年代曾轰动一时并取得了商业和评论上的双重成功也使弗朗西斯－科波拉成为最受瞩目的年轻导演之一，由此奠定了他在好莱坞中的地位。1974年弗朗西斯－科波拉的《对话》在法国戛纳国际电影节获金棕榈大奖，同年《教父续集》在美国获得7项奥斯卡金像奖，1990年弗朗西斯－科波拉拍摄了《教父》第三集此外《现代启示录》《斗鱼》等影片也都为他创造了极高的声望。 影片《现代启示录》改编自英国作家约瑟夫－康拉德的名作《黑暗之心》，这部影片是弗朗西斯－科波拉对于战争暴力所早造成的人的异化的深切反思。在影片中弗朗西斯－科波拉巧妙地将古老的情节模式与现实主义的主体融合在一起，以旅程本身为情节展开了一种近乎荒诞的实况记录。这部影片不仅是对人性本质的探讨，也是对战争的深刻反思，尽管影片在商业上遭到惨败但它仍然为弗朗西斯－科波拉赢得了艺术家的声誉。科波拉是一个生活在理想与现实之间的导演，他总是试图拍摄一些艺术化的电影来实现个性化的梦想，但是有些时候这些影片没有经受住票房的考验，他本人的腰包也会因此而迅速地枯瘪下去，这时他就会拍摄一些十分商业的影片挽救自己的公司，等到羽翼再次丰满他又会打起精神为实现个人理想而打拼。 在这样的起起落落中他的女儿索菲亚－科波拉迅速地成长起来，索菲亚－科波拉从小就受到了老爸的电影熏陶。她第一次走上银幕是在1972年父亲执导的影片《教父》中饰演一个男婴麦克－弗朗西斯－里兹，大概是因为刚出世不久的女儿的主演才使得做父亲的导演大人，给了这个相当次要的群众演员一个意味深长的特写。两岁时索菲亚－科波拉又在《教父2》中饰演了一个在轮船上玩耍的儿童，随后的几年中索菲亚－科波拉又继续在父亲执导的《局外人》《斗鱼》《棉花俱乐部》和《时光倒流未嫁时》等四部电影中有过短暂的亮相，可以说老科波拉是在用自己的电影记录着女儿的成长。 1990年索菲亚－科波拉在《教父3》中顶替了威诺纳－赖德出演的角色饰演了老教父的孙子，遗憾的是该片却使她得到了金酸梅奖的两个奖项即最差新人奖和最差女配角奖，这次打击让索菲亚－科波拉在很长时间内远离了电影行业，看来美国观众对名人之后有更高更严格的要求。1993年她考入加州艺术学院学习现代艺术设计，后来做服装品牌，做平面模特，混迹于乐队圈子和上流社会之间，顶着大导演女儿的头衔却宁愿做任何与电影无关的事情，但是父亲的理想主义最终帮助了索菲亚－科波拉。1999年，28岁的她被一部小说打动，决心拍摄自己的长篇处女作《处女自杀》，并顺利地从老爸的公司里拿到了宝贵的投资。影片讲述了一个发生在七十年代美国中西部地区的故事，密歇根州一个宁静的小镇上住着里斯本一家，这对中产阶级夫妇有着五个如花似玉的年轻女儿，是所有男孩子心仪的对象。然而五个少女对外界的渴望早已冲出了自家的庭院，她们在试探性地冲破父母的束缚，在无望之后她们相继选择了死亡作为最终的归宿。该片以黑色喜剧的特殊形式表达了深处危难之时的家庭情感矛盾，以饱满熟稔的笔触描绘出对青春期欲望的迷惑困顿之态。整部影片的思绪范畴游走于满怀渴望与不可获求的对立之间。索菲亚－科波拉并没有像弗朗西斯－科波拉制造的教父那样显得老态，以导演处女作《处女的自杀》重新赢得惯于喜新厌旧的人们对科波拉家庭的注目。 2003年索菲亚－科波拉执导了她的第二部长片《迷失东京》，本片树立了索菲亚－科波拉在世界影坛的先锋地位，也使她成为奥斯卡历史上第一位获得最佳导演提名的女性导演。影片《迷失东京》把镜头对准了身处东京的异乡人，以西方的视角诠释西方与日本文化的间离。东京寂寞的夜空下，两个失眠的美国人在酒吧里相遇了，或许是眼底那份不自觉外泄的孤独令这对陌生男女自然走到了一起，他们在绝望中又若有所盼，暗自期待一次奇遇来收复一切。影片的灵感来自于索菲亚－科波拉20多岁时在东京的旅行，那段经历令她产生许多感慨，比如她感到在异国突然遇到了同乡，往往产生一种亲切感，是激动；同时她发现陌生的环境中又很容易在午夜时分陷入对生活的检视与思考中。影片《迷失东京》处处散发一种作为女性导演细腻与唯美的审美趋向，这与其父硬朗大气的导演风格有所不同，但是通过他们的影片我们不难发现作为艺术世家，他们作品中流露出的那种高贵气质。 看完索菲亚－科波拉我们再来看看这位大名鼎鼎的尼古拉斯－凯奇，从外形上看他与索菲亚－科波拉确实很相像，他们之间确有血缘关系，尼古拉斯－凯奇是索菲亚－科波拉的堂兄。作为科波拉家族的一员他从小就在充满音乐与书籍的环境中长大，并对演戏、摄影产生了浓厚的兴趣，当年由于难以承受名门望族的姓氏压力毅然将自己的姓氏改成凯奇，以纪念自己喜爱的游戏人物。 1982年尼古拉斯－凯奇初次在影坛露面，在《开放的美国学府》中扮演一个角色，次年他又出演影片《村姑》和《斗鱼》，1984年在名片《鸟人》中凯奇担任了主角，充分展现了他那过人的演技开始为人们所瞩目。1995年对凯奇来说是至关重要的一年，他主演了《逃离拉斯维加斯》，影片中那深入灵魂的表演使他赢得了一尊金光闪闪的奥斯卡金像奖。1997年尼古拉斯－凯奇又以《空中监狱》和《变脸》雄霸暑期票房，尼古拉斯－凯奇在一夜之间成为了好莱坞又一动作派票房巨星。这次的成功，应该是他以自己的成就向自己久负盛名家族的一次致敬，也证明了一条道理“你可以以任何身份进入演艺圈，但你必须以实力立足于这个圈子”。 继承了家族血统的尼古拉斯－凯奇长相平平，但高大挺拔的尼古拉斯－凯奇在动作片中总是骁勇善战、上山下海、对付仇敌无所不能、依靠自己的实力拥有了好莱坞的一席之地，成为了难得的文武双全的电影明星。从而为这个知名的电影家族增添了浓墨重彩的一页。
视频１
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